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「青山缺」 尉晓榕新作展 9月26日，时逢中秋小假，中国美术学院中国画与书法学院院长、著名画家尉晓榕的最新作品展“青山缺”将在杭州信雅达·三清上艺术中心开幕，呈现他近两年的新作，共百余件纸本彩墨和瓷画。
前一天夜里，终于逮到百忙之中的尉晓榕，请他谈谈新展。采访结束走出茶室，一位旁听的姑娘在深夜里大叫：尉老师说话好好听啊！——尉晓榕的语言，斯斯文文，却时时不按逻辑出牌，又如庖丁解牛般精妙。据说，作家们和他聊天都要带个本子，听到好处迅速叫停，请求回放，然后拿笔记下来。
天赋才情真是一种不公，但恰因如此，他的展览更值得一看。 当天的开幕式很简单，重要的是看画。因为尉晓榕惯看了画展上开幕式的热闹不一会便切换成长长的清冷，他期待的是：“三三两两随缘而至的淡适。”他盼着朋友来看画、读画，却不忍心看人捧场赏脸跑来回，而“话虽这么说，我心已羞愧——因为我仍会暗自期盼有人喝彩。”
看展览前，先来听尉晓榕来说说展览，分享一下他“好听”的话。 记：两年之后终于又看到了你的展览，展览的缘起是什么？ 尉：“信雅达·三清上”是一个机构，很人格化的那种，其与我素来交好，只是觉得它蛮像一台不能读秒却可以报时的老式自鸣钟，总在你忙到无神时不期然敲醒你，并摁着你帮你回忆去年此时的那两句应承。既然有了应承，还得讲个行践，于是只好强征明年的力气把活干了。这时，机构会派出一个小分队来帮着铺张各色事项，再暖个场子等着你，弄得你不好意思停歇……不多久，绞肉机的那端竟堆出了一个展和一本册子。 记：执掌美院国画与书法，一定非常忙碌，画画算是一种幸福吧？ 尉：再忙，画还得自己画。没时间，白加黑，画不出来等灵感，等不来灵感先玩手感，玩着玩着灵感自然来……这么看，画画有趣也有趣，无趣也无趣，但好像总有个什么牵着你不停画下去，细想来有点像放不下手的智力游戏，一半是亢奋，一半强迫症。
24x27 纸本设色
33x20cm 纸本设色
对画画这事，我确有些任性——不愿重复（放弃操练的好处）；不愿打稿（放弃调整机会）；不愿人说我画不了大画（如今已学会听之一笑）；不愿人指我画谐趣（其实我作画只认一个“理”字，断非“趣”字）；不愿求他神拜之（信灵台已有自家神仙）；不愿关门解决传统问题也不愿就画论画想问题（八面来风的便是好去处）；不愿为钱而画（但到无钱也低头，实以为我身父母生养不易，不可无端挨饿也）。
这些年，任性压榨着我，也解放了我，并将我的画领到了动感地带。既然是动感地带，就会有大把大把试错的乐趣和机会。心灵鸡汤的专家们会说：成人和儿童一样，都是靠试错成长和长成的。 记：这次有一张《起信的瞬间》是比较大的作品，画面给人很深刻的印象。 尉：这张画比较值得一谈。当一个人生存成为问题时，周围都是那些不能交流的动物，周边兽性泛滥，他会受到威胁失去安全感，这时可能会突然需要信仰，这就是起信的瞬间。
68.5×137 纸本设色
我创作的时候喜欢散开来去尝试，不拘泥于某个题材。一个人真正成系统的观念很难更新，但相对来说，我的观念更新还是比较快的，“微调”比较多，一直在“渐变”。前年在信雅达的那次展览，已经可以看出很多端倪了，有很多新东西，但之前想法还是没现在这么野这么有力度。对于我而言，有些东西如果不去克制它，放开它，给我充分的时间，然后画幅再加大，可能会表现得更加狂野。
我不知道这是不是表示我将来的一个方向。我总感觉现在画画不够痛快，希望能让自己的本性顺其自然，给自己的狂野精神一个跑马场。现在没有，现在是克制比较多，因为时间是碎片化的，画幅也都是方寸之间，还来不及施展，画已经结束了。
但这张《起信的瞬间》，有了一些驰骋的空间。这张画远看的话有点异样，尽管还是比较纯正的中国画技法。画面上颜色比较透明，有光感，色彩之间的对比也考虑到明度和光感，这个人物画得比较大，也是考虑到光感和宗教感，还有前面那个老鹰的那个翅膀。其实弗洛伊德谈到梦中的大翅膀，也是有宗教情绪的，一种神秘的色彩，我就拿这个大翅膀来造成一种神秘的氛围。 起信的瞬间（局部） 但我画画从不设计画面，开始动笔的时候，都不知道这张画会怎么样，且走且看。我比较敏感，漫游之中，遇到好苗头强化，不好的苗头就就地正法，把他灭了。
另外，这次的肖像系列也是可以的，尤其是潘天寿先生这张是有想法的。我把他画在一个悬崖的边上，后面没有路，四周都朝他倾斜，是一种很险的趋势。孔子说君子不立于危墙之下，他等于是站在危墙之下，这是他一生作画的态度，他的人生轨迹基本也是这样的。
27x24 纸本设色
68.5×31cm 纸本设色 记：这次除了50多件绘画，还有90多件画瓷，您怎么会想到画瓷？ 尉：我觉得，画家要会“玩”，这个“玩”和吃喝玩乐的玩是不一样的，我们的玩还是从职业出发，希望把它做成智力游戏。
这回画凑不够数，便想到拿画瓷补台。其实，画在纸上和画在瓷上，大体是一回事，只是画瓷难度大了，大多少呢？想想牛顿直条条的引力线升级到爱氏的引力场超级大弧线便知道了……突然觉得瓷器和宇宙模型竟也一样性感。
瓷是在德化画的，我在景德镇也画过，画起来很累，因为颜色变化很大，但德化窑不会的，烧出来颜色基本不变，又是白底，和宣纸接近。我觉得德化瓷是我们纸本画家比较喜欢的，也相对容易实现想法的一个门径。
这次的图案上我也做了一些尝试，比如说一个罐，叫“兔萌的幸福生活”，四只兔子，头朝着角落，用四个胡萝卜把它们框起来，变成了一个图案。实际上，画的时候是写意的方法。
我画这些图案很快，开始也不知道要画什么，抓到想法之后，可能十分钟就画好了。画一张画就像讲故事，你要把它形式化，要形成自己的语言，不能只是很老实地记录。当一般的语言你用得不耐烦时，如果能开动自己的创造了，能够改变语法产生新语法，那贡献就大了。
虫迹 2015
太阳伞 2015 记：您特别喜欢买一些好玩的东西，站在古董店的样子，就好像小男孩站在玩具手枪的柜台面前，我印象很深。 尉：是，我们可能是小的时候可能没玩够，想一辈子玩下去，艺术，即能满足一个职业的要求，又能让你玩下去，这种选择也算很幸运。有句话说，艺术是成人的游戏，游戏是孩子的艺术，就把这个事情说的比较透了。所以说，艺术家这个行当，保持童心是很重要的，童心是游戏之心，游戏是艺术之魂。
手枪是小男孩游戏的意向，王朔小说《看上去很美》里，主人公叫方枪枪，枪就是小孩子把自己英雄化的一个通道。
我看到有意思的古董，还是有一种原始的占有欲，这个不是说我对物质有一种占有欲，而是我对每个东西身上的某些品质、特质、细节给我带来的启发很留恋，买回去以后可以把玩它，可以上手，这种比较亲密的接触，可以让我得到更多信息，一种抚摸也是一种对话和交谈。
我的大脑里头存放了很多东西，收集是我的习惯和爱好，我收集很多东西不管当时有用无用，我相信所有的信息都是有用的，所以先收集，然后我的脑袋瓜可以调制出不同的汤汁，酸甜苦辣都有，就好像我的脑袋里有一乾隆老汤可以调味，我已经分辨不出是什么滋味有什么成分，它的细菌已经繁殖到什么程度，但我知道它很有厚度，很丰富，很好用，很中性，什么味道它都能调，都百搭，我隐隐觉得有这样一个东西。
八仙过海 2015 68×68cm 记：画画对工具方面有什么癖好吗？ 尉：我对这方面的要求其实是最低的，很朴素。比如说用笔，从小号到大号，从软的到硬的，从狼毫到羊毫，我都有。我用笔比较容易上手，抓起一支笔来，它很快就能听我的话，我好像是一个驯兽师，你有你的脾气，但我很快可以驾驭。
这可能是我与生俱来的某些能力，也可能和我的职业有关系，我81年一毕业就当了老师，有35年了吧，一个班一个班的学生，我要给他们示范，用你的笔你的纸给你示范，你就能心服口服嘛，（不然的话）学生想：你的笔你的纸可能比我的好。这样没说服力。 记：你喜欢音乐，记得之前说最希望能够在创作中交融音乐与绘画，这个想法有改变吗？这次展出的《动物狂欢节》在画面上表现了你这方面的爱好，未来创作上还有什么特别的想法吗？ 尉：对这张画的灵感来自作曲家夏尔·卡米尔·圣-桑的经典作《动物狂欢节》，不过这张作品，我还是比较矛盾，在绘画和音乐形式的融合上还没有充分搅拌。
动物狂欢节 2015 38x53 纸本设色 我后面真正想做的事情，实际上不是这个，是希望把绘画语言和音乐语言分别打碎，重新组合，微妙的地方甚至要打碎到纳米水平，到最后我可以习惯用音乐的元素去抒发自己，就好像用自己的绘画语言一样，但这需要一定的时间。
我对音乐的感受力还是不错的，对绘画也一样，所以我有这个条件去做这个事情。 本来我觉得这个事情很近了，开始兴奋了，但是现在一忙起来，越来越像是一个长远计划了，肯定一下子是没法实现了。
做这件事情，要把原来的艺术方法、观念都先归零，再重新开始——把美术和音乐的土壤充分搅拌，看看能长出什么东西来，没有三年安静的时间是出不来真的好东西的，要高度符合学理，要有好的学术含量，耐人寻味的启示，只能三年以后再说了。 其实，如果画不到这种程度，这辈子也是白活了，这个职业也是白干了，做到那一步，才是成功的标志。
53x38 纸本设色
我经常想象，我最好犯个什么错，被关在老城堡里头，十年软禁，但是要给我书，给我创作的条件，这十年我绝对可以出极好的作品。我常常忙到没时间画画，就幻想，谁把我绑架到荒岛上吧，不过基本的生活条件不能太苛刻，还要能喝到咖啡喝到茶，哦还要能抽烟。如果有文化绑架、艺术绑架就好了，可惜没有这种东西。
青山缺｜ 尉晓榕新作展 开幕时间：2015.9.26 15:00 展览时间：2015.9.26－10.19 展览地点：信雅达·三清上艺术中心（杭州滨江区江虹路1750号信雅达国际2楼） 展 览 地 图 ▽
阿尉，其实是这样的
阿尉始终秉持着东方哲学所讲求的平衡与智慧，鲜少露面，也因此颇为神秘。但有几件事情，足以说明这位艺术家的性情—— 早年成名的他，直到去年才在大家三番四次的催促下，向中国美术家协会递交了申请入会的表格； 与他约会，越好的朋友越习惯等待，因为他常常沉浸在自己的世界，忘记了时间； 昨天开幕前15分钟，他决定更换一件作品，而在此前，他已经精选展品不下5次。 表面的散淡与深层的专注，同时体现在阿尉身上，他对事物有着不断的学习和思考，所以他说“人一定要保持一种时时心动的能力和状态。” 这或许是他看起来常常漫不经心的原因——他把心留在想留的地方。 在阿尉自信自如的线条笔墨里，是充分的天赋与诚恳的学习精神，是聪慧与深厚的结合。 关于艺术、人生、哲学，身为中国美术学院国画系主任，以及继方增先、顾生岳等之后“浙派人物画”最耀眼的画家，阿尉的思考，颇为讲究。
／谈美院 记者（以下简称记）：你几乎从未谈过儿时的读书经历？ 尉晓榕（以下简称尉）：小时候读书其实也是被耽误了。那时候有“三种课”，劳动课、政治课、还有一种干脆叫“下课”——动不动就取消了课程。 我是独生子，念的福州实验小学是当地最好的小学，毕业后随父母下放，初中和高中就不太正规。虽然学了很多东西，但经验知识超过书面知识，更多的是“瞎混”的经验。 我小时候比较腼腆，很怕上台，特别怕对公众演讲。一直到现在还是，哪怕下面都是学生。几个人还行，人一多我就不行了。 现在很多人觉得我“傲”，其实是我有时候会有一点退缩。骄傲是一种掩饰，也是一种自我保护。
记：那画画又是怎么开始的？ 尉：我从小喜欢涂涂画画，也没有受人指导，完全是自发的，就是“一个种子要发芽”。 没想到父母和朋友觉得我往这条路走不错。后来结合大家的建议，为我设定了这条路。其实我觉得我有很多路可以走，不光光是美术。
记：考美院也是父母的建议吗？ 尉：是我爸爸叫我考的。所以我这个人，本质是不骄傲、不自信的。 高中毕业时，我在福州最大的中心剧场做临时工，画过一个巨大的电影海报，《叶塞尼亚》什么的都画过（水粉）。那时候才华已经显露，但自己还是很怀疑，只敢考福州艺校，连福州师大都不敢考。 我爸说你必须考浙江美院（中国美术学院前身），我觉得美院太“高”了，怎么可能，被迫赶上架。 后来福建师大和浙江美院同时录取，那当然就选了美院。 记：你的速写能力在美院一直是个传说，能证实一下吗？ 尉：高考速写，考题是画几个人打篮球，监考老师看大家都不知道怎么画，举起我的考卷说：“大家就这样画”。 听说考卷送上去后，方增先老师和顾生岳老师拿着考卷去招生办，说：我们要这个人。但招生办一查资料，发现我体检没过关——感冒得了急性肺炎。 当时的老师们很有学术正义，坚持要我，争取之后，学校也很重视，后来另两位系主任坐了很久的火车专程来福州帮我复查、复试，让我等消息。当时已经考完两、三个月了，我都以为没戏了。
记：所以你对美院的感情特别深。 尉：我当时就觉得要好好报答母校。这样的经历，对学校的感情没理由不深。
／谈自己 记：越走近你，越觉得你内心有个很强大的东西。 尉：我的内核是很坚硬的，我想这就是坚强的理性。 （傲骨？）也谈不上，就是坚持某些原则，坚守某些底线，显得有些生硬，人家把这叫做“傲骨”。 我要真是个“狂”超过“傲”的人，也不会到今天。狂和傲要把握比例，傲会让你有所不为，但是狂超过傲的时候，就会淹没你的判断力。 我觉得我还是能够看透自己的。就好像我边上有个人，一直看着我，这个人是我自己想象出来的。可能是我的学养和知识结合出来的“影子部队”，在边上监督我，我能感受到他的存在。
记：我发现很多深刻的问题你都像早有准备，已经过长久思考。 尉：我这个人是“身闲心苦”，算是某种造化。我觉得要时时让内心保持一种“心动”的状态，就是保持对事物的观察与思考。 所以我的记忆力很不均衡。在现实生活中我似乎是个很健忘的人，约定什么的一塌糊涂。我可能一直处于半封闭的状态，活在自己的世界里。突然这个世界被突破了，人家来敲门了才惊醒，现实的记忆才被激活。
记：听说你非常喜欢音乐，弹钢琴也是无师自通，画画的时候也听吗？ 尉：画画的时候我不听音乐。我满肚子里都是旋律，古今中外。但是画画的时候听音乐，我觉得是不尊重音乐。听音乐，我会专门放下所有事情来听，那是纯粹的音乐时间。 我觉得音乐后面是有神的，音乐性比诗性还高。 音乐性就是音乐的主要规律，其实所有的艺术都在动用、挪用音乐的规律，或者是呈现为音乐的规律。 比如我们画一个好看的线条，其实就像是一段好听的旋律。如果细细分析的话，里头的轻重缓急都是旋律性的，歌唱性的，或者骤停骤起，都是音乐的节奏。等到又用线、又用墨、又用色，就变成了音乐的和声。 舞蹈、建筑也都逃不掉。建筑是凝固的音乐，音乐是流动的建筑。 诗也是，你的浪漫、你的激情、你的空间感，都是音乐里头很基本的东西。谈到诗的时候我们觉得很高，其实那些在音乐里，都是很平实的东西。 所以音乐这种形式是艺术的完美呈现，其他的都有局限。 其实我还有点纠结，按说眼睛的感受力是第一位的，视觉艺术应该是第一的，可是耳膜的振动竟然能超过视网膜的感受。
记：关于你阅读的修养，大家也一直在流传。 尉：现在对书比较挑剔，阅读提要式的比较多，看得比较匆忙，只能摄取里面的知识点、主要的意涵。 像康德的《纯粹理性批判》，根本没时间去看。本来一辈子读这么一两本是很重要的。 再比如《道德经》，也没有精力去深挖，充满了误读和别解。 这些书，如果没有充足的准备，宁可不读。 其实我读书很慢，本来在这方面也很自卑，人家读书都那么快。因为我读书是全身心的，看着看着就要还原场景，会充填很多东西进去。年轻的时候看一本薄薄的言情小说，就好像经历了一场恋爱，因为整个人都进去了。现在已经没有时间了。 后来我看到谢冰心写给年轻人的一个文章，劝年轻人看书要放慢，我才找到自信。后来又发现其他一些作家的心得，也是要有泛读有精读，该快要快，该慢就慢，我觉得这是最正确的。
／谈艺术 记：很多画家都追求国画中的趣味，普通观众也喜欢，您怎么看？ 尉：趣味是中国画的传统，甚至有些趣味在高度熟练之后已经变成了符号。笔墨是活的，用活的笔墨去画符号的时候，趣还能保持一部分，但慢慢也在消解。 但我认为“趣”并非国画中最高的部分。相对而言，在情趣和理趣之中，我追求理趣，我这个人还是比较理性的。如果认真作画的话，“理”的部分会更多。 我还是想提供一些有价值的东西，有价值的目的论和方法论。比如，在形式上提供一种有效的表现方式；在目的上，对人们有启迪或是有良好的审美功效。 现在我的作品，“理趣”其实都带在里面了，因为我的方法论是“厚积薄发”，平时我都在积累、消化这些“理”的东西，再轻松地带出来。这才是我想要的，而不是浮在表面的趣。
记：可以打个比方解释一下“理趣”吗？“理”是一种哲学吗？ 尉：“理”是一种逻辑。有些逻辑结构很有趣，是跳跃、折回、越位的，这就叫理趣，而这种趣味给人们带来的启发就叫“趣眼”；有的逻辑演绎则很没趣，比如一个推倒一个的。 比如说齐白石画两只小鸡抢蚯蚓，画面是“今日相争”，但他取的题目却是《他日相呼》。一对雌雄的小鸡，现在争得厉害，他日却可能会成“梁祝”。 表面上看就是两个符号，但经历丰富的人会在里头看到更多东西，这就很有理趣，对人生有比较深的描述。这也是我的画所追求的。 其实那张画他可能画得很快，这种理趣可能是刹那间来到他笔下的，但这需要长期的积累，也就是“悟”。
记：那么，判断一张国画好坏的标准是什么？ 尉：我们在行业里树立的一个标准是“参照性”，但是各个行业看我们，标准又不一样。 比如马蒂斯（法国著名画家，野兽派创始人）形容艺术是沙发，坐上去很舒服，美的功能就达到了。但中国的绘画形式是和文学捆绑的，所以传统上对艺术家有诗书画印的要求，甚至跟哲学捆绑。 总的来说每个人对中国画都有个设置，但设置都不太一样。 西方常讲的是“美”和“丑”。原本一直讲美，美到波德莱尔写了《恶之花》，然后就意识到了丑的价值，就开始往丑的路上走，认为丑是力量。 而中国艺术的主旋律则是“雅”和“俗”。人多年修炼，无非是为了一个“雅”字。一个人要“雅”，那得在文化里要泡多久；一个人“俗”，那又得在社会里泡多久。这不是一朝一夕的事情，不是突然觉悟的事情。 雅俗共赏是存在的，中间有边界，但这个边界比较含糊。 张大千就是个雅俗共赏的例子，但如果想把“雅”纯化，就觉得他还不够。 溥儒的东西也算雅俗共赏，偏雅。另外，他俗的东西也不是一般的俗，是那种皇宫里的俗。皇家也有它的套路，套路本身就俗。宫廷里流行的书法很雅，但表现出的样态其实也是一种俗，和八股文一样。八股文应该是很雅、很玄的，但人人都这样，就变得很俗了。比如走猫步很雅，人人走猫步就很俗了，那时候大脚板噼里啪啦走路反而就是雅了。 雅的东西永远属于小众。
记：对于现在的实验性水墨，您是怎样的态度？ 尉：实验精神是好的，是需要的，但不能多。这些东西都和砒霜一样，少了能治病，多了会死人。 因为中国画的传统很完整，是个超稳定结构，在投放任何新东西的时候都要小心，都要负责任，对整个民族文化的整体要负责任，不能随便破坏。所谓“不破不立”，说说容易，做起来可能负面的东西更多。
记：那中国画走到今天要贴近观众，你觉得什么方法比较合适？ 一个人不能离开族群，他的审美习惯肯定是族群回忆，老百姓喜欢“养眼”的绘画，是灵魂和眼的愉悦，这种简单中其实隐藏着几千年养成的审美习惯、隐藏着丰富的文化积淀。
记：你把画画这件事情看得很高吗？ 尉：画画这件事，人家可以把你看得很高，也可以把你看得很平庸。其实它的本质中有很高很高的东西，可以上升为哲学，上升为宗教。但它也会被看得很低，就像有些人说那人是个画画的，那是那些人不懂。 有人看不到艺术的独特，认为艺术是无用之用，或是奢侈品，可有可无。其实衣食住行中没有一样离得开艺术。我们的衣食住行，每一样都经过了艺术几千年的包装，所以大家已经麻木了，感受不到。
记：还有艺术的创造力。一个画家的才华其实可以创造很多价值。 尉：艺术提供给人类创造性思维，这点特别重要。 科学只能讲发明、发现、制造，但是艺术是真正的创造。它和科学的结合会有个过程，就是说，科学可以把几百年前的艺术变为现实。 就好像物理跟数学的关系一样，数学的原理被发现了，但往往在一两百年后在能被物理学所实践。 而艺术的很多想象，比如凡尔纳的《海底两万里》，可能要在一两百年后，科学才能慢慢实现这些设想。 再比如，一些天体科学家了解到了黑洞，也是动用了艺术的想象。 科学中有艺术的部分，艺术中也有科学的部分。比如几何学。 很多学问都是交叉的，这就好像历史学家黄仁宇所说的“关系万千重”。
记：但创造又是很孤独的。 尉：艺术创造是个人行为，本质上是没办法和别人合作。一个人画画，这是最佳状态。 创造是孤独的。画画特别孤独，最接近创造的本质。它不谋求协调、统筹这些字眼，完全是内心的，你是上帝、皇帝，你说了算。 你可以想象一个画家被关在城堡里软禁起来，十年时间，一个人进行创作，他可以画几百米、上千米的绘画，画得很投入，很精彩。 法国后印象派的高更，到了塔西提岛，最后的时光就是在一个小屋子里头，关起门来，把墙壁都画掉了。有人看到过，说非常震惊。你可以想象那个场景。 所以画家有些时候也需要自虐，如果一个艺术家幸福满满，他提供的美的价值就是比较取悦别人的，容易媚俗。但是如果把跟公众的关系砍断，把自己封闭起来，这个时候是悦己，或说是释放自己，这个时候就不一样了，出来的东西会更深刻，挖掘人性更深层的东西。 一个人很难挖别人，只能挖自己。自家的井想挖多深都可以，提上来的也许都是一桶桶的烂泥，可是要看最后这整件事的价值，井已经被你挖得很深很深了。 很多作品，一个孤独的画者画出来的，很多人看不懂，觉得都是垃圾。就像黄宾虹早期搞的试验，就是墨团团。人家就说这是什么啊，自己却还在那儿掏得欢喜，谁看得懂？根本没人喜欢的，也卖不掉，那时候就只能送人。 他很不服气，说五十年以后人家就能看懂，结果二十年就看懂了。“黑团团、墨团团，团团里面乾坤大。”这是他的深度。他把很多道家的东西都放上去了，道家追求自然丰满的境界。
记：所以你觉得今天的艺术家最重要的是什么？ 尉：今天艺术家最重要的事就是：修得内心精彩，然后再找到一种能够让这种精彩外化的美好样式。这种样式要发明，而精彩需要修炼。这是艺术家所要面对的两个命题。 这就像动物寻找食物，好的艺术家能够永不淘汰，就是因为有这种动物的本能——知道什么地方是营养源，自己还缺什么。 富于想象的艺术家还会自己设置命题，甚至成为终身命题，这也很可贵。 还有我们精彩的生活，就像露天矿一样，摆在我们面前，俯拾即得。 艺术家心中往往是有个彼岸的，一辈子的彼岸，有的人可能临终前都在此岸。这个彼岸是个永远的设定。有的人认为自己到了彼岸，可能只是一种宗教情怀，而不是艺术情怀。艺术，可能到了彼岸，还有彼岸。想象比什么都大，想象是永远都有未来，永远都没有现在，没有实现。
记：那么，再问深一层，是本质重要还是修行重要？ 尉：我认为本质的东西大于学问，本性中闪光的东西，其魅力往往超过学问，艺术尤其然。 很多人苦苦修行，想悟到真谛，其实悟就是去接近人性中闪光的东西。 如果人本身已经有了，而且知道是好东西，让它慢慢释放出来，再赋予它姣好的样式，使其外化为艺术，通过这样一个文绉绉的修饰系统，直取本质，许多追寻的过程就可以删除掉。 __________ 特别鸣谢：信雅达文化艺术 出品：林梢青 本辑统筹：郑施诗 编辑｜制作：付玉婷 郑施诗 __________ ART一点 专注全球优质艺术展览体验 现已开通评论功能 留言分享你的看展感受 ▼ ART一点· 九月精选 点击相应图文即可跳转
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