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杰瑞：汤姆，今天我们分享一组黑白摄影。 汤姆：之前很少拍黑白的照片，正好今天好好学习。 杰瑞：摄影作为这个世界最伟大的发明之一，在近两个世纪的积淀与发展之中，能选择的器材与技术手段已经非常丰富，至于摄影表达的“风格”，则更是呈现出无限的可能性。但我并不想投身到推进摄影技术与技法的工作中去，我感兴趣的是照片上所呈现出的现象。
摄影的主要材料是光与时间，其次是相机 关于照片呈现出的景象与客观事实之间的差距，或者说照片具有的“欺骗性”，很多人都曾意识到并加以讨论。镜头具有比人眼更高的识辨能力，很多肉眼无法识别的信息，我们可以在同角度的摄影照片里发现它们的踪迹。但反过来思考，经过人为的操作，例如对光影的把握，我们也能够掩盖很多现实中具有的信息。因此每张照片都在带给我们关于被摄物的相关讯息的同时，又提示我们这些照片里的一切眼下可能都已失效，这些事物的当下状态已经成为悬疑。 当我们看到世界的样子时，才会有存在感，很多人不停地周游世界，不停地去发现世界，这正是一种力图验证自我存在的行为。而摄影用照片保存事物的样子，并且还可以让这些事物被随身携带。因此照片对于这个时代每一位渴望保留记忆的人类来说，都是一种珍宝。
艺术家应当拥有从取景框中看到最终照片的能力。设备必须成为艺术家身体的一部分，这样我们才能越过技术的障碍而达到自由表达的境地。在这个时代，电脑暗房是我们的优势，同时也是我们最大的障碍。因为过分地依赖它，把它看成拯救创作的灵药，那么观察能力的低下将永远无法得到弥补。我想更聪明的办法是用最笨的方式把照片拍好。因此我一直不主张在电脑上大幅度的修改照片。 在摄影者理解的引导之下，相机的洞察力能被用来创造一种更强烈的真实感，一种能揭示事物本质的超级真实性。在不改变事物基本真实的前提下，创造性地再现他的被摄体，并且通过这样的再现让观众感到他看到的不止是事物的外表特征，艺术家的观察创造了他的照片，曝光记录了他的观察方式，冲印呈现了它。艺术家的观察方式最终决定了作品的价值。在进入技术流程之前，艺术家的观察已经基本决定了结果。 形式是艺术家的语言；是艺术家情感传达的直观途径；是艺术家理性思维的外在表征。形式的优劣决定艺术作品的成功与否。内涵与形式的默契与否，直接影响观者对于作品理解的思维走向，甚至决定了观者对于作品理解的深刻程度。因为，对于观者来说，形式就是一切。作品的外在形式是艺术家与观者发生关系的唯一场所；是艺术家与观者精神媾和的桑社。观者要从照片的外在形式中感受、理解作者所体验到并反映的精神世界。 在机械复制的时代，衰落的是贵族化的审美观念韵味，而不是艺术本身。——瓦尔特.本雅明
身边司空见惯的东西往往显得很寻常，寻常的东西看的久了我们嫌弃它的庸俗，庸俗的东西还要天天看到，我们不禁憎恶它的丑陋。如果我们忘掉它们的功用呢？如果我们忘掉它们在我们心中的想当然呢？暂时忽略我们的已知，以陌生的眼光，以超然的态度静静的重新审视它们。寻常可能化为了奇特；庸俗可能变成了不凡。还丑陋吗？是不是开始有一点动人了！ 大部分人都生活在自己封闭的个人世界里。我指的是人们俗称的“几点一线”的生活，由于个人生活圈子的局限性，每个人对于社会的影响是微乎其微的；同时由于工作的无创造性以及重复性，大多人注定只是人类社会运转链条中的一点铁屑。这也仅仅是相对人类社会而言，如果用“世界”概念来说个人则更加渺小。我想这是毋需争论也无关痛痒的事实。 那么为什么人们依然活跃而亢奋，并且很多人能够感受到人生的充实以及精彩呢？ 原因是“封闭的崇高感”，几乎所有正常人都会在庸碌的人生中为自己找到一些崇高感，这是一种自己给自己设定的自认为的崇高感。例如韩剧中的大长今，她为“做饭”赋予一种崇高感，将自己人生的意义与之联系在一起，并通过该行为实现自己的人生价值。例如各色铁杆球迷，他们将自己人生的意义与所支持球队的胜负联系在一起，一次精彩到比赛可以使他们感到充实，原因是他们在其中度过了能感受到的人生，无论这人生的价值是否有价值。无论这人生的意义是否有意义。 每个人都在为自己所作的某些事，赋予崇高的意义。意义，不会在事物发生的同时即可完全展现。没有事物的发展，没有事物与其他因素的联系，没有传播，没有揭示，便没有社会学上所指的“意义”。意义来自于人对是事件的反应。任何艺术品所具有的意义，都是人为赋予的。
杰瑞：好了，还是让我们来欣赏来自拉脱维亚的摄影师Ilona Pulkstene的黑白摄影作品......
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