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Casey van Wensem | 作者
Sonicbidsblog | 来源 戌时 | 编译
大多数流行歌曲作者并不会考虑运用诸如“声部进行”（voice leading）的古典作曲技巧来创作。反正现代歌曲运用的和弦进程普遍十分简单，何必费煞思量去考究过时的作曲技巧对吧？但其实细想一层，即使是在最简单的歌曲结构里面，声部进行同样可以发挥极大的作用。
声部进行基础
虽然声部进行可以变得很复杂，但它的基本原则很简单。本质上看，声部进行是识别并增强和弦之间旋律导引的一门艺术。一位普通音乐人可能会把和弦进程 C-G-Am 看作是三个独立（但有和声关联）的和弦，而一位有声部进行经验的人除此之外还能看见三条（或更多）旋律线从一个和弦走到下一个。
探索声部进行最好的方法就是做一些和弦转位的实验。在上面的例子里，演奏 C-G-Am 最基本的方法就是弹奏各个和弦的原位（构成音依次是：CEG，GBD，ACE） ，用每个和弦最低的音符来构成低音旋律线。然而，如果你想让它们更融和，你可以弹奏G和弦的第一转位（BDG），以B作为低音音符。这样就能够创造一个简单的walking低音部，从C走到A。
这样的处理我们可能已经弹过上千次（尤其在吉他上），甚至根本不需要考虑。而由此可以看出这个简单的概念对于现代作曲的应用之广泛。以下是一些总结：
1. 为低音部增加线性行进
上行与下行的低音部已经成为现代摇滚和流行音乐的一个标记，而这很大程度得益于声部进行。你可以将这看作是上面C-G-Am例子的延伸。爵士乐手通常这样思考——通过将手部位置的移动降到最低，他们可以更快速、更紧凑地演奏和声，从一个和弦迅速而流畅地行进到下一个。即使你不演奏爵士，运用这个技巧也可以创造更具有旋律性的低音部，而不仅仅是简单的根音音符。
2. 使人声和音更紧密
声部进行的概念是从传统合唱流传下来的，很自然我们可以将它运用到人声和音上。虽然我们经常听见唱诗班或人声组合唱出“和弦”，但合唱作曲家看待和弦进程的方式跟钢琴、吉他演奏者的思维其实不一样。他们会将每一个人声看作单独的旋律线，然后与其它旋律线交织在一起来创造和弦。这样，人声部分就不会有太大的音符跳跃，相对平缓地从一个音符接到下一个。
要应用这个技巧，下次在写人声和音时，尝试将每个人声看作旋律的元素，而不仅是和声的构成部分。
3. 制造并释放紧张感
歌手/曲作家Andrew Bird形容声部进行为“在和弦进程中找旋律”。你可以在歌曲《Roma Fade》的桥段部分看到他如何应用。在一期节目里，Bird提到他在桥段部分演奏转位和弦时会“同时关注外部和内部的和声”。
他将简单的三和弦进程转变为逐渐提升紧张度的和声线。留意歌曲1:14左右开始他如何做到这一点。想想你在自己简单的和弦进程上会如何制造紧张感。
声部进行还有着更多的用法，只要你理解基本原则，到处都是实战的场地。此外一个附加的优点是你可以惹恼队友地说道：“高潮部分的IV-V-III进行我们用声部进行原则来制造一点紧张感吧。”
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