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100个观众，就有100个哈姆雷特，哈姆雷特是谁，你认识吗？ 作者系北京舞蹈学院人文学院舞蹈学系2015级 《诗?大序》曰：“言之不足，故嗟叹之。嗟叹之不足，故咏歌之。咏歌之不足，不知手之舞之足之蹈之也”。这句经典且被无数次引用的话，只要是学过高中一年级的数学课程，应该都能够明白其文字间的逻辑：“舞蹈，也就是肢体动作的表达能力，是大于言语、感慨和歌唱的。若是尊重并相信这个逻辑，将舞蹈与其他三种表达方式进行融合，本身就是多余”。 “??没有标签的人物，??他和她可以是任何人、任何关系??”这是《yao》所开出的处方。看似很苦口，能药治百病，但却并非如此，在剧情或者说是情节转换时，又给予了准确的角色定位：繁漪、周萍。这就成了一个自相矛盾的创作手法，令人误解的同时也让自己的脑袋挂满问号？与前者不搭，反而自己把自己绕进去了。 《yao》改编自曹禺先生剧作《雷雨》，按照前文的逻辑，使用比言语更具表现力的舞蹈，整部剧却是被话剧演员的台词所充实。生硬的造型，过度的调度流动，强行为现代舞关节基训赋予含义，舞蹈语言的诉说是如此牵强。 《yao》被定义为跨界融合舞台剧，而其中所谓的跨界，却是一味地将舞蹈、话剧、戏曲进行复制、粘贴。如果这就叫做跨界，音乐剧不是做得更好么？若承认，这是个创新，可是舞蹈文不对题、话剧没有深意、戏曲更是被前两者所遮盖。这样的融合究竟是舞台艺术形态的进步还是毁灭。 假设我们将这种跨界视为编曲上的复风格，其跨界作为解构了三种舞台艺术，同时使其多元化成为一种新的舞台艺术形式。貌似在这个角度看，合情合理。但差了一条：这种新形式应该是基于传统，对传统掌握之后而进行的反思。从《yao》里看不到舞蹈、话剧、戏曲三者中任意一种的精通，模棱两可对付看热闹的观众，看不到创作者的思考，至少在作品的呈现内容里看不到，而我以为这样的跨界最好是各领域的内共同创造。 就剧中的舞美而言，我只能说，创作者所臆想的舞台呈现最好能直观展现给观众，可惜的是，观众不是上帝，不存在全面的上帝视角。在后面的演后谈听到针对创意手段重复的问题，我觉得这可以是创作者个人风格的展现，没必要为其赋予所谓的表现内容不同。 再次回到舞蹈，整台剧下来我又看到了传说中的“无病呻吟”，纠结、抑郁，再加上点儿黑暗系，人性是多么挣扎与阴暗啊。面向于大众市场的舞蹈不是宣泄负面情感的工具。 再说噱头，《雷雨》的名声起到了很大的宣传作用，可实际内容并没有像话剧版本那样意味深刻，这也许是这部作品的“弊命”之处。至少，我看不到，我也不会因其而反思。但，主创团队的辛勤必须认可，能呈现出舞台实为辛苦，但对于拿过“五个一工程奖”，“文华大奖”的导演的作品，建议还需严谨、严谨、再严谨。不过，客观的评价也需真实，仅此而已！ 想《yao》出名？我觉得还是不“yao”想了吧 本文舞评观点为作者观点 图片摄影：王徐峰 |
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