希区柯克：凡是演员都是“牲畜”

昵称535749 2017-04-05

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2017-04-04 15:02 | 豆瓣：看电影看到死2017-04-04 15:02 | 豆瓣：看电影看到死

作者| zhouzhou

公号| 看电影看到死

“凡是演员都是牲畜”。我回忆不起来我是在什么场合下这样说的，那或许是在英国有声电影开始的时候，那里我与兼职话剧的演员一起拍戏。——希区柯克

这是大导演希区柯克接受采访时说的，说完后很多电影明星抵制他，后来几次谈话，他不得不变得委婉点，大意是演员是道具，是色块。我们听了他的言论，先不忙着下结论，我们先来好好研究下他。

希区柯克倒算不上电影大师，而是他的片子有很多人喜欢。为什么？听其言观其行，会有很大的收益。从他在别处经常谈到库里肖夫效应和蒙太奇，这就明确了。电影里不存在演员，演员只是跟演出有关系。电影不是演出，它是制作。导演可以随时叫CUT！可以拍一百个备用镜头。而舞台上的演出过程导演控制不了。因为那是在观众面前的演出。

电影制作者中只有希区柯克一个人说了句真心话，所以我特别把他提出来。

电影需要表演吗？不需要。电影里那个人物跟观众一点距离都没有，要表演干什么？摄影师摆机位，跟那位主角商量过没有？用什么焦距通知过他没有。打光，跟他商量过没有，录音的吊麦克风位置角度跟那位主角商量过没有，调音师跟他商量过他的音色问题没有，那些可都涉及到他的脸面形象和声音形像。剪接师把他的“表演”一刀就剪掉一半，甚至剪没了，跟他商量过没有。哪个主创人员不把他当牲口，或者换个说法，活道具。全世界拍电影都是这样做的。

有的导演一方面强调有表演，可是他自己的影片出现了漏洞剪不起来的时候，十万火急的时候，他就忘了他所强调的表演，叫剪辑师去借镜头了。这是经常发生的事。也许一般观众不知道。可是圈内人都知道。我们考虑的是镜头与镜头间的关系，也就是库里肖夫效应。你可以慷慨激昂地高喊打倒老蒋，我可以在你的镜头后面接上老蒋在专注地听你讲。我们从希区的话里找出他处理演员的窍门。

作为主角如何纪录你对角色的阐释，那几位主创人员都不理睬你，他们也不互相商量，各有各自的想法。演员在舞台上如何面对那第四面墙，是由他自己决定的。导演哪怕非常不同意他的阐释，也只能事后解雇，却没有办法当时叫停。因为存在观众要退票的问题。那是演出，不是制作。可是在摄影机前，高一点，近一点，方向变一点，都会完全不一样，可是方案只有一个。

你只管“表演”，那摄影师机位摆低一些，突出了你的下巴，把你拍成一个胖子。注意看下面，当主创们看工作样片的时候。摄影师一看，正对他的心意，录音师觉得有一点不合适，没有太大关系，算了，就这样了，那美工师觉得发型很好，衣服颜色偏了一点。需要重拍，导演认为可以了，有几个人会征求那个演员的意见，符合你的阐释吗？你觉得某个镜头短了，戏没出来，剪辑师不同意，你坚决要求改，剪辑师只好同意，第二天他给你看，行不行，你觉得可以了，其实他根本就没动。

我不是电影家协会的会员，但我是剪辑学会的理事，是电影音乐学会的理事。我能得到幕后的情况。尤其在节奏的处理上，美工跟导演说，摄影师为什么不把人物摆在左边的背景上。那个环境跟衣服的色块非常协调，然后绿色块才进来，形成一个强烈的节奏。作曲家说，我这里的音乐不需要他的脚步声。捣乱。杨耀祖是剪辑师，你问问他看，出现过这种情况吗？作曲家和剪辑师争得面红耳赤，没有人提过那个演员。

我给学生分析卡洛斯·绍拉的《卡门》：注意远景，顶光，击掌。现在镜头换了方向，更近了，摄影机开始动，推，然后慢慢地横移，色彩的变化，对角线，人声，摄影机加快，黑色块动，景别变大了，黑色块回到座位上，现在红黑色块在动，注意，卡门穿的是红衣服，可是披着一条大黑披臂，黑的也动了，两个不同颜色的色块在动，景别变得更大，后面一个红色动了，左边的粉色也动了，前景蓝，再加一个绿，一个红，一个灰，现在所有的颜色全都分成两组在对峙。

可是有些人在看这一段的时候是这样看的：卡门在远处坐下，灯光打在她身上，大家击掌，唱。摄影机推向伴唱队。回过头来摄影机加快速度，女工头站起来，走向卡门，挑衅。回来坐下，卡门站起，直接走向工头，威胁她，要动刀。其他女工一个个参加进来。看这个的是看情节看故事，看人物的动作，而对声音敏感的比如搞音乐的看到的是这里面的配乐和音响，音效，搞设计的盯着色块，颜色在看，做摄影的盯着卡门，工头脸上的光在看，还有化妆呢，他们在看发型，妆容和服装。每个人都可以考虑考虑，你自己是怎么看的。

我最近在考虑，电影里的情境设置比斯坦尼表演体系的情绪记忆还要更有效。要演那角色的父亲去世了，可是那演员的父亲没有死，怎么办。想想看有什么别的事曾经让你很悲伤的。可是情境设置是导演给你创造一种条件，比如说，送行的人很多，导演把你摆在外面，叫你往里挤，你未婚夫的那个参军队伍已经出发了。导演同时给那些群众演员布置好任务，不要让她挤进来。她要见她的未婚夫最后一面的愿望始终没有实现，未婚夫没有回来。这个例子参看《雁南飞》，这个片子在苏联女主角获了大奖，而采访她的同学说，她啊完全不会表演。这里我们就可以看出导演的功力，通过情景设置来帮助主角“演戏”。

导演肚子里装满了各种情境。好莱坞还有一个笑话，叫那人物敲门。门一打开，他看见一个暴露了一大半的胸脯。导演就要那个表情。这个表情他用在故事里面人物惊讶，害怕或者慌张都可以，就看他前后接什么镜头。

在《精神病患者》中浴室谋杀的一场戏，演杀人犯的演员不在场，他在纽约。那把刀始终没有触到那女人，那女人也是替身，因为女演员不肯脱衣服，那最初的喊声是一把小提琴发出的高音区的尖锐的失真的声音，被杀死后的女尸是一张照片，一格格放大，据说全片最贵的就是这个逐渐变远的几千张照片。希区利用白墙遮挡换了位置，看第二遍就能发现摄影机运动不合理。

可是它在九十年代北京卧佛寺的一个晚上（禁园后，香山和卧佛寺是一片漆黑，只有来听课的住的那个小院亮着几盏灯），把前来听课的三十多名搞电影的人都吓得一片乱喊。这是坐第一排的某位女士首先喊出来，马上引起一片乱喊乱叫，比银幕上的影像还要更恐怖。我在场，我坐在最后。事后大家都觉得非常可笑。可是都喊了，就是最后一排的几个人没有喊。可惜那时老希已经去世。要不然告诉他，他要乐死了。

有些研究员，尤其是搞符号学的，到他的作品里去找哲理。我不，因为希自己说的，不要找，那里没有。我只是要吓唬观众，因为观众喜欢我吓唬他们。我只研究他怎么吓人。楼梯上杀死那侦探的戏是失败的。感兴趣的朋友这两段可以单独找出来好好研究。

我对表演的看法是：演员表演属于舞台戏剧，不属于电影。如果用音乐会类比的话，演出就是舞台表演，而电影就好像是把交响乐拆成一个一个不同乐器，甚至一个一个音符，这不需要演技，需要的是对声音形象的朔造。电影的表演者，是导演、摄影、剪辑、美术、录音等部门。电影的本质是纪录。演员只是完成规定动作的被摄体，像一个色块，活的道具，他是电影制作里面的素材。演员不需要表演，符合日常行为就逼真，甚至有时演员的肢体语言和面部表情还要比平时日常的行为还要更“淡”。因为角色形象是由视听语言传达给观众，在观众心理完成的。（演员的角色朔造是观众想象的，这就是电影的幻觉本质）同样的情绪，在全景中可以用日常的动作幅度，在特写镜头中则需要淡化。