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如果说「菊与刀」概括了日本人社会文化的双重性，那这种双重性在电影视觉上的体现就是讲究极致的形式美、难以理解的先锋派与内敛的平易近人的抒情派。前者或许是非常意识流的或是非常「邪恶」的视觉传达，后者则是如茶一样平淡隽永或是柔美清新的，日本电影中这两种类型都不乏非常优秀的作品。 谁能否认有时候就是因为一张图而爱上一部电影的呢？
先锋派 本质上来说「先锋派」是一个流动和开放的概念，在不同的时代背景下，「先锋派」可能会具有不同的表现形式，但基本内核还是以破坏传统和追求某种元素的极致为主。如黑泽明拍摄于1990年的《梦》，放弃线性叙事而追求与发掘内心世界，以极其细腻的方式描绘梦境；木下惠介拍摄于1958年的《楢山节考》，则是把人生的野、苦、乱直接赤裸裸的放在观众面前，阴暗而压抑；寺山修司则是善用隐喻来表现意识观念的代表，如《死者田园祭》（1974）中反复出现的钟，如《草迷宫》（1979）中大大小小的手球；以暴力和情色著称的园子温在《冰冷热带鱼》（2010）中将变态老板的变态之处表现得淋漓尽致。 《梦》是黑泽明晚年非常任性拍摄的一部作品，故事由八个梦境构成：太阳雨、桃园、风雪、隧道、乌鸦、红色富士山、垂泪的魔鬼和水车之村。这是一部完完全全只关于黑泽明的作品，他对于大自然的爱，他的可爱的童趣之心，他对于梵高的推崇与热爱。 影片中对于每一个不同的梦境都有不同的色彩倾向，太阳雨和桃园是与古老的传说相关，绿色大背景下多以白色和红色为点缀。而到了关于梵高的部分时，则多用对比色如黄与蓝，或是更为热烈而繁芜的色彩。水车之村则令人联想到莫奈的花园，静谧而浪漫。 《楢山节考》根据深泽七郎短片小说《楢山小调考》改编，讲述了在一个贫困的山村，有着当老人70岁后，就会被背到楢山「祭奠」山神这样的习俗而发生的故事。电影有着类似于舞台剧一般形式感极强的画面，整体为阴暗的黄绿色调，作为小面积使用的红使得影像呈现出夸张而戏剧性的效果，而镜头里的枯树与远山与裸露的地表更是烘托了一种悲情寂寥之感。即使是今天来看，依然是非常先锋的作品。
园子温执导的《冰冷热带鱼》中则以红最为令人印象深刻，红色的灯光、被子、布、蜡烛、血、连衣裙，这里的红色是危险也是情欲，是堕落也是警示。
另外值得一提的是《怪谈百物语之雪女篇》，大面积单色的使用使得画面呈现非常梦幻的效果，火红的天空与雪白的森林，以及被夕阳渲染而如火焰般灿烂的丛林，视觉效果非常出众。
抒情派 他们的电影美学整体调性平和而温柔，内敛而令人回味，最典型的莫过于小津安二郎的电影。小津安二郎的影像画面的构图稳而工整，色彩扎实而浓郁，从《东京物语》到《秋刀鱼之味》，从《浮草》到《春秋》，他的电影大多讨论的是家的哲学，是关于温情中的生活琐碎。另外一位导演也常常被人提起，那位导演了《情书》的岩井俊二，也在《关于莉莉周的一切》以及《花与爱丽丝》中展现了属于他的青春物语的表达，或残酷而真实，或慵懒而舒适。还有《海街日记》的导演是枝裕和，将姐妹之间的生活与情愫刻画得细腻而温暖。 《浮草》拍摄于1959年，是关于三个人之间的爱情。也许是心情影响了天气，电影中的雨似乎是下个没完没了，画面中间的一抹红却是将人的视线直接勾住了。
而这部拍摄于1962年的《秋刀鱼之味》是围绕女儿和爸爸的生活展开，他电影镜头中的那个年代的东京，是如此的端庄而优雅。影片中打扮入时的妇人，街道上忽明忽暗的灯，家里面摆放着的电视，以安静而淡然的心境将这样日常的景象记录下来。 贯穿于小津安二郎的电影中很重要的一个特质便是质朴，似乎是超然于电影之外，而在这部《秋刀鱼之味》中，却更添了一分无常与荒凉的意味。大概是由于这是导演遗作的缘故吧。
导演用了大量的远景，那些留白或是剪影，来表现少年那份孤独与迷茫。
先锋派VS抒情派，不知你更爱哪一种呢？ 梨子酱 / text |
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