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本期简介：阿尔弗雷德·斯蒂格里茨是一位身兼各派的全才摄影家。他早期曾是画意派摄影高手，后又成为纯粹主义摄影的倡导者和写实摄影的先驱者。作为摄影分离运动的先驱，他与一些艺术家积极向美国艺术界引进包括马蒂斯、毕加索在内的欧洲前卫艺术家，对美观现代艺术观念转变产生了重大影响，因此被誉为美国“现代艺术之父”。
论斯蒂格利茨的摄影艺术 文 ?刘从蓉 [内容摘要] 美国摄影家阿尔弗雷德·斯蒂格利茨(Alfred Stieglitz，1864-1946)一生创作了大量风格迥异的优秀摄影作品；并主持编辑了当时摄影界颇具影响的三大杂志；组织了一系列摄影活动；培养、扶植了美国摄影界的新兴力量；对现代摄影的发展起到了至关重要的作用，既是一位优秀的摄影家，又是一位杰出的艺术活动家。斯蒂格利茨的摄影艺术实践前后跨越50余年，创作风格历经多次变化，在表达语言上极具开拓性。本文对斯蒂格利茨的摄影艺术特点大致分为三个不同风格的阶段进行述评。 [关键词] 画意摄影 直接摄影 对等物 斯蒂格利茨作为一位从19世纪到20世纪在不同风格间起纽带和桥梁作用的摄影家，他的摄影艺术创作前后跨越50余年，创作了大量风格迥异的优秀作品，在摄影艺术实践上付出了艰辛的努力。从接触摄影开始，他不断尝试新题材，探索新的表达方式，其改革意识和创新精神，使他的摄影艺术创作和表达极具开拓性。斯蒂格利茨的摄影创作风格历经多次变化，本论文尝试将其摄影艺术分为三个不同风格的阶段进行述评。
一、画意的追求和自然主义风格的形成 自1839年摄影术诞生，作为新生事物的摄影以其记实性和工艺性被看作一种机械手段，无法与艺术家的艺术创作相提并论。19世纪50年代，摄影家为使摄影达到像绘画那样的艺术地位，从英国开始兴起了模仿绘画的艺术摄影，这可以看作是画意摄影的开端。当时摄影家接受了艺术评论家“要掩盖平凡与丑陋”的建议，避免表现日常生活题材，精心搭制背景，让模特穿上各种服装来摆拍，表现历史传说和《圣经》故事，力求摄影具有绘画的效果。 由于深受欧洲文化艺术浸润，斯蒂格利茨初期的摄影创作不可避免地受到当时欧洲画意摄影运动的影响。1886年到1890年这一时期，他创作的作品大多取材于同时代的美术作品，在内容、构图、造型、用光上深深打下了绘画的烙印。代表作《葆拉》拍摄于1889年，完全借鉴了绘画的用光和形式结构。这张绝大部分对焦清晰的作品如一幅19世纪早期的绘画，画面充满韵律和魅力，在戏剧性的光线下传达着一个戏剧性的时刻。这一时期，他创作的很多作品曾在维也纳沙龙展出，得到很高的评价，显露出他画意摄影创作的能力与技术。
19世纪80年代后期，画意摄影日益显示出保守和固步自封。1889年，爱默生首先发起了挑战，发表了题为《自然主义的摄影》的论文，抨击当时的画意摄影是支离破碎的摄影。他认为自然是艺术的开始和终结，只有最接近自然、酷似自然的艺术，才是最高的艺术。对于这样的观点，在学生时代就深受爱默生赏识的斯蒂格利茨是极为赞同的，他走遍城市的每一个角落寻找主题，沉睡在圣马可广场的流浪汉、井边打水女人的身影都被他收入镜头。这一时期，斯蒂格利茨的摄影作品抓住了那些真实的东西，并开始具备两大重要的元素：特定的时间和地点。正是这些具有特定时间和地点的无法命名的影像，使他首先开始意识到摄影不仅仅是对同时代其他艺术形式的模仿。
1892年回到美国不久，在朋友的推荐下，斯蒂格利茨开始使用便携式照相机拍摄，进行了大量的实验性创作。和同时代画意摄影家通过运用柔光镜头与照片印放技法创作出富有情调与浪漫气息的画意效果不同，他的作品都是直接拍摄然后精心制作而成。为达到预期的影调和效果，他多采用“选择”这一方式来完成，包括自然条件元素的选择和画面构图的选择。1892年，他用便携式照相机以现场目击即时拍摄的方法创作了《终点站》。为拍摄这幅作品，前一天他在漫天风雪中等待了几个小时，因光线不理想没有拍成；最终在第二天，抓拍了铁轨、马车在纽约旧邮局前准备出发时的景象。正因为具备了现代摄影所要求的直接、动态和真切三大要素，摄影家首次将现实的时空、正在进行的生活片断不加修饰地再现出来，这幅作品被称为现代摄影的标志作品。
二、直接摄影的探索 19世纪末正是摄影技术高速发展的时期，干版、胶卷、小型照相机纷纷出现，曝光速度已提高到几十分之一甚至几百分之一秒，对现场的直接拍摄已成为顺其自然的事情，也可以说摄影已经完全具备了捕捉瞬间的能力。抓拍的方法开始流行，动态的画面越来越多，瞬间性的特点在摄影作品中也越来越显著；但把即时现场记录作为艺术创作的追求则需要大量的探索与实践。斯蒂格利茨在自己的作品中，很快彻底抛弃了对底版的人为加工，坚持依靠相机、镜头和感光乳剂的基本性质进行创作，以直接印放的照片来呈现现实生活。 从1905年开始，斯蒂格利茨把摄影创作的焦点更多地转向了对人和社会的关注。1907年在横渡大西洋的旅途中拍摄的《统舱》，表现出作者对现实生活的深入观察。相对柔和、随意分布的人物姿态各异，与机械僵硬的金属结构形成鲜明的对比；对光影的无限追求和对生活的真实记录给人耳目一新的感觉，基本完成了对摄影主题的转换，表现出作者对人们生活状态的关注与思考，对现代摄影的内涵有了新的拓展。毕加索称赞这幅作品是“迅速的判断”和“锐利的眼光”。
1918年，乔治亚·奥基芙走进了斯蒂格利茨的生活，爱情的鼓舞激发了创作力的释放，照相机成为他们爱情的见证。斯蒂格利茨充分发挥摄影这一从现实中框取景物的媒介特征，记录下奥基芙的疲惫、兴奋、喜悦、气馁、狂怒和悲哀，仅在1918到1920年，斯蒂格利茨就为奥基芙拍摄了100多幅“综合肖像”。此时的作品已完全摆脱了他1907年和克莱伦斯·怀特一起创作的人体摄影作品中刻意营造的朦胧美的气氛。
客观性是摄影的精髓，同时也是它的局限。而镜头中的奥基芙表现出的形态、线条、和空间，已经超越其身体的实际器官功能和状貌，不仅仅是对个性的概括，而且从中提炼出独特的造型魅力，具备了某种抽象概念。这些作品展示了斯蒂格利茨再现拍摄对象原有面貌、气质和性格的独特能力。 三、艺术表现与情感表达的融合 20世纪20年代后，斯蒂格利茨的创作活动更加丰富多彩。此时，现代主义在美国蓬勃发展，也由于受到奥基芙的鼓励，他把直接摄影的焦点转回到自然，尝试挖掘新的题材和表现方式。通过对乔治湖树林、山丘和谷仓的拍摄，他开始研究人造与自然的关系；也研究过渡曝光所产生的神秘色彩，以此来探寻不受成像控制的照片质量；他开始在创作中试图用镜头直接去接触自然，去表现绘画所忽视的东西。
他先后用一系列天空与云彩的照片，来表明视觉艺术作品不只局限于视觉的感受，而且可以成为摄影者表达心态的对等物。作品的画面结构似乎变得更加复杂，色调也更加深沉凝重。也许随着对社会和人生的思考更为深入，简洁明快的风格已经无法对应斯蒂格利茨复杂的情绪与心境。他把这些作品分组为系列，展现一种时间过程中的事物，没有开始、中间和结束，云彩转变成一种对于精神运动的隐喻和生活自身的流动。他为这一系列起了一个诗意的简洁而有内涵的标题“对等物”:“我有一幅生活的景象，我努力去寻找它的对等物，有时是以照片的形式体现出来。”“对等”这个词和这个概念并不新，但用在摄影创作上却是首次。这些各具形态的云彩，已不是作为自然现象简单地再现，不再局限于视觉感受，而是对应着自己的某种心情，升华为摄影家不同情绪的内心映照，强调了主观意识在摄影中的情感作用。通过客观物象体现思想感情，表达内心世界，大量象征意味的摄影创作体现了艺术表现与情感表达的完美融合。这是其现代摄影创作理念的又一次大的改变。
从最初自然主义摄影对画意的追求，到创作中逐步认识到摄影自身的表现特性后，将镜头直接对准了要反映的事物本身。斯蒂格利茨不仅在摄影技术上强调“直接”、“客观”，同时也在表达个体个性的意义上，更多地考虑摄影本身的规律和特点，成为直接摄影的倡导和实践者。斯蒂格利茨的关于不借助任何其他造型手段而仅凭单纯的摄影技术去准确真实地表现被摄对象的理论和实践，对摄影摆脱矫揉造作、刻意仿画的羁绊，进而成为公认的一门独立艺术，产生了很大的推动作用。
伴随着摄影术的发明，摄影不仅作为记录的工具更作为一种艺术媒介进入人们的生活。随着社会生活的现代性转变，摄影也呈现多向发展。斯蒂格利茨在摄影艺术实践中所具有的探索、创新和开拓精神在今天仍具现实意义。 (刘从蓉/上海工程技术大学) 抛开断章取义的摄影手法，严肃但轻松地展示、探讨摄影的一切——它的过去、现在和我们可以实践的未来。 |
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