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在我的理念中，音乐最本源的东西是乐感，而其他的皆是它的血肉，万万不及本源重要。那么现在，就让我分享如何保持乐感一些经验吧。 练习中保证乐感的体现 在那个热衷于速弹的80年代，作为一名学习吉他的年轻人，我曾数小时不停歇地练习不同的音阶与节奏型。练习时我都会使用节拍器进行演奏，因而我的演奏速度和灵活性得到了显着提升。我并不后悔花费大量时间联系基本功，但是现在的我同时意识到当时的练习算不上是真正的音乐性练习（没有人愿意听到吉他手玩爬格子！）。我更应该联系那既能够巩固基本功，又有足够音乐性的曲目。因此，我对于日常练习的建议是：寻找那些对你而言既有旋律性又有节奏型的乐句。 
忠于对乐曲音乐性的展现 当我们说起演奏音乐时，以这个乐曲为中心比其他任何因素都要重要，不管是创作、录制、表演还是单纯的演奏，你都应该应该如此。 所有高品质的电影都有出色的脚本，不是吗？好的电影拥有上佳的节奏感，故事的低潮和高潮总是适时出现，从而抓住观众的心。同样的，高品质的歌曲也该拥有这样的架构。合适的力度，低潮与高潮才能将听众带入歌曲当中。乐句和歌词就同电影的台词一般，极大程度决定了歌曲的好坏——我们都知道观看台词糟糕的电影是件多么乏味的事情。你可以通过聆听和分析最喜爱的歌曲来学习如何表现好自己的乐曲。这些问题或许能够指引你：它为何对你如此特别？它为何抓住了你的兴趣，甚至将你的情绪带动出来？你需要注意每个部分是如何独立运作的，更要明白它们的凝聚如何产生惊人的效果，最终又将如何影响到整首歌曲的图景。 现在让我们来看看两首迥然不同的歌曲吧，在我的观点里这是两首编曲结构不错，却完全不同的歌曲。首先是AC/DC的《Highway To Hell》，它以简单但富有感染力的节奏吉他开始了前四个小节，Phil Rudd的鼓随后从第五小节进入。鼓点虽然简单，但好在力道十足。紧接着，主唱从第九小节进入了演唱。歌曲行进到这还没有加入贝斯或其他辅助乐器。直至一次副歌贝斯才迟迟出现，此时整首歌曲的动态完全打开，推进着听者激动的情绪。随后第二次副歌后进入的是Chuck Berry风格的简单而标志性的solo，并且最后由主音吉他与主唱共同完成了最后的结束。这首歌对于极简派摇滚而言是教科书一般的存在，很好地展示了如何用极少的元素完成强有力的歌曲。另一首则是The Cardigan的Dream-Pop出色《Lovefool》。相比较于“Highway To Hell”，它有着具备效果的器乐编排，这点尤其体现在吉他的演奏上。这首歌曲广泛运用了许多不同的音色，但是每一个都使用得恰到好处。不管是明亮的Funk节拍，还是阴暗的Jazz和弦，更或是进攻性强烈的节拍段，它们都很好地汇集在了一起并创作出了这首引人注目的杰作。没有相冲突的部分，它们让这首歌曲听起来美妙极了。这种审美情趣完全可以适用于任何一种音乐当中，灵活调用你的想象力吧，不要害怕试错。 对于Solo的看法 当轮到你来一个solo的时候，鼓起勇气，但别做哗众取宠的事情。每个人的solo时间都是极其宝贵的个人表演空间，所以谨慎地选择自己将要演奏的音符吧。Solo不应该是毫无意义或过度沉溺于自我表现的，它应该很好地契合歌曲，并成为整首歌曲的亮点。David Gilmour在《Comfortably Numb》中的两段Solo就是极好的例子。一次Solo是一个大调音阶的杰作，很好的地接下了主唱唱毕后的旋律。Gilmour将Solo演绎得犹如人在演唱一般——这正是它令人印象深刻的原因。它胜过了一切老套的吉他手手法并且使歌曲质量更上一层楼。第二次Solo则是一段曲末伴随着情绪进展的布鲁斯小调。重要的已经不只是音符了，而是音符之间创造出的空间给予听众足够的想象空间，去吸收歌曲所叙述的一切。有些时候没有演奏的部分与你演奏的部分同样重要。 最后的小贴士 我们可以尝试做一个练习。首先尝试循环一个和弦行进，随后跟着和弦哼唱出一段易记的旋律。接着将旋律变为吉他上的乐句。随着练习的进行，你将会愈发清晰地找到同时进行演奏与哼唱的点。接下来是见证奇迹的时刻而来，你会发现自己总能在演奏时涌现出各种自然的旋律冲动，而你的Solo也会因此变得不再那么“口水”，并且向着成熟与令人难忘的方向改进。 请记住，别忘了时刻展现自己的乐感！
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