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绘画欣赏这件事，如今越来越被人所重视，身边的人偶尔也会跟我聊聊艺术的那点事。不过讲起来，还多是西方艺术，很多人知道米开朗基罗、拉斐尔、达芬奇、毕加索、梵高，可当我说董其昌、顾恺之、赵孟頫等等却发现大家有些兴趣缺缺，好不容易逮着一个人尽皆知的唐伯虎，可大多数人只知道他是个文采很好的风流才子，却是没见过他的几幅画。 那么为什么会有这样的现象呢？大抵要从中国人和西方人的哲学思想的区别讲起。鉴于体系太庞大，这次就从表面粗浅的聊一聊。  徐渭 墨荷  莫奈 睡莲 1、对自然的态度。 西方的文明脱不开古希腊，而这里临海而居，衍生出的就是海洋文化。因为土地的匮乏，希腊人民将生活的来源全放在了海洋上，为此他们需要克服恶劣的天气，征服自然。所以他们与自然渐渐产生了对立的局面，他们是独立的个人，注重自身的发展。 中国的文化最根本的因素就是土地，中国自古以农耕经济为主，自然给予他们得以安顿和富足的条件，所以他们对自然怀有亲近之感。自然就是他们需要供奉的神灵，渐渐的他们发展出老庄、禅这种贴近自然的哲学，提出“天人合一”的思想。  《虢国夫人游春图》和《蒙娜丽莎的微笑》 2、具象和“抽象” 西洋画的形象从希腊雕像开始就已经发展出与真人相似的风格，这与他们与自然斗争，注重个人发展不无关系。从而形成“神人同形”的现象，即他们以人体的美为最高的美，他们甚至人为面貌身体美的人可能就是神。虽然在中世纪“黑暗时期”的基督教艺术下，这个结论被取代，但是文艺复兴之后又迅速恢复，人体的具象美一直都被人所承认。 这就是为什么素描在西方绘画中可以占据着如此重要的地位，因为他们需要对形象能够精准的表达。看著名的《蒙娜丽莎的微笑》，一颦一笑，对情态和人物身体的表达十分精确，达芬奇本人也一再强调素描的重要性。 可是中国的肖像画却不同，中国画在与自然长期和平共处的关系中，与自然相融合，“大音希声”、“天人合一”，人的因素在自然中可以被慢慢忘却，人们融入一种更加广袤的感动中，美变成了“道”，画家作画不过是在追求“终极的道”。通俗来说，就是中国文人注重精神性的东西，而不是具体的形象。 早在魏晋时期著名画家顾恺之就针对人物画提出“神形论”，注重人物神的表现，体现的也是人物的精气神。说起来似乎很虚，可就是这股“暗香”般的气韵才是中国画里的精髓，这便是为何我常说中国画需要日久生情，而西洋画可能可以一见钟情。  洛兰风景画和文征明山水画 3、色彩 西方绘画的色彩是一直存在的，如今我们看到的各种各样的古希腊罗马雕塑虽然是“白花花”的肉体，可是其实在最初他们都是上了色的。希腊瓶画虽然只有两种色彩，却也是鲜艳的。再发展出来庞贝古城的绘画也是色彩，文艺复兴的绘画也是色彩，威尼斯画派更是以色彩为重，到浪漫主义绘画，色彩也是十分鲜艳。还有巴洛克、洛可可，这种华丽的艺术，无不是以色彩抓住人们的眼球。在到20世纪的野兽派、梵高，都是色彩鲜明。 再反观中国绘画，中国的道家哲学言“五色令人盲”，追求的道是朴素无华的道。色彩在艺术重讲究淡雅，古画的色彩从来都是沉静肃穆的，材质是一方面，精神的追求占据更主要的因素。到唐朝王维又确立了仅以黑白两色为用的“水墨画”，山水画从青绿转向更素淡的色彩，也更符合中国文人的追求。虽然民间艺术因为其特有的欣赏群体还是着色为主，但中国主要的士大夫阶层欣赏的还是浅绛、水墨设色，“文人画”（文人画通俗来说是画中带有文人情趣的作品）的流派更是主张浅淡的风格。  莫奈《日出》和董其昌山水画 4、光影 西方人对待自然的态度一直是彼此独立，所以对其刻画处于一个客观的角度，对自然的光也是具体情绪地描绘。正是光影的效果，表现出人物的立体感，他们很会玩光的游戏，通过光的变化表现出远近高低，让一切变得具体生动。甚至到了印象派的时候，光影变成最主要的对象，画家竭尽全力留住自然光下一瞬间的事物形象。 但光到了中国画里却不再如此重要，中国人在绘画自然的时候讲究心中沟壑，大多数人在画山水的时候，可以不去自然写生，但不可以不描摹古画。所以，很多人画中的山水都是被理想化后的景色，光自然也不可能按照自然的方式来表达，而是以理想的形式来呈现。光是一种哲学，甚至可以是一种生命的安顿，但绝不是自然。 后终结一下，西洋画之所以比较讨喜，原因主要是它比较真实、直接，一眼看过去很容易被吸引。可中国画大多数讲究内在的精神，需要你去研读、品味，感受暗香浮动的感觉。 其实今天谈的还是比较表面。中国绘画和西洋绘画要想真的去欣赏，那么对其历史的发展和哲学的演变都需要深入了解，这就是个漫长的过程，如果有机会，我会慢慢说给大家听。 |
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