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虽然我在观看一部新作之前，总会刻意避免尽量不受到外部观点的植入，但是观看马修·伯恩的作品时，却很难做到耳根清净。因为自从男版《天鹅湖》登陆中国之后，马修·伯恩就已经成为一种文化现象，只要是他的作品，不仅会引起专业和非专业人士的最广泛关注，各种热评也会接踵而来，“避”之不及。 《灰姑娘》是马修·伯恩继《天鹅湖》《睡美人》之后又一部颠覆传统经典的作品。童话中拥有水晶鞋的灰姑娘变身上世纪四十年代、第二次世界大战时期伦敦一户人家的平民姑娘。从纯粹的童话梦想，到一个平民姑娘和普通士兵的战时爱情，马修·伯恩其实已经把虚幻的童话彻底变为了现实。在马修·伯恩的创作中，灰姑娘人生的命运不是靠高高在上的王子和王室来改变，当一个生活中遭受蔑视和欺凌的女孩，获得珍爱与怜惜的时候，才是她未来人生发生根本转变的契机。 此版《灰姑娘》的故事背景是1940年的伦敦。那个时间，战争正处于白热化的地步。位于伦敦市区地下几十米的巴黎咖啡厅，也并非世外桃源，终于没能躲过伦敦大轰炸，而且因为咖啡厅地下空间狭小，爆炸之后伤亡相当惨重。据说，本剧在英国演出时，巴黎咖啡厅这个场景的运用引起了众多伦敦人的回忆和共鸣，战争的创痛在艺术作品中重现，起到的作用，不仅是回忆，还有铭记和反思。 马修·伯恩的“新历险剧团”属于英国的“民营院团”，马修·伯恩的每一次富有“历险”的“颠覆”，必定有吸引观众眼球的考量，因为作为自主运营的艺术团体，没有观众就没有经济效益，没有经济效益，团队就无法维持。但是马修·伯恩的每一次颠覆又不仅仅是为了吸引眼球，吸睛的同时，充分表达自己的人文思想和艺术理念，也是他追求的目标。我想，将《灰姑娘》的故事背景放在二战时期，并不是他一拍脑袋就想出的。  普罗科菲耶夫的同名舞剧写了三年多，1941年开始动笔，到1945年11月在莫斯科首演，期间正好是经历了二战从初期到结束的阶段。虽然普罗科菲耶夫曾经说这部作品是向柴可夫斯基致敬，但是从音乐中可以听出战争对于“童话心态”的摧残。在战争中写童话音乐，会少很多温情和瑰丽，多一些沧桑和困顿。如果说，我们在老柴的《天鹅湖》《睡美人》中能够更多地体验到华丽、恢弘和柔情，在《灰姑娘》中，很多不协和的音符则让人感受到了一种压抑、扭曲和无奈。马修·伯恩应该是充分理解了普罗科菲耶夫创作时的心理，才会有了之后的艺术构思。 其实，原作芭蕾舞剧《灰姑娘》，相对于老柴时期的古典芭蕾舞剧，已经融入了相当多现代的艺术手法和观念。马修·伯恩的《灰姑娘》，在很多方面还是继承了原作的很多艺术处理。比如灰姑娘和衣架跳舞，原作中那段编舞很让人难忘，而在马修·伯恩的编排中，则把衣架和真人进行了技术上的转换对接，先是灰姑娘与衣架跳舞，接着由真人扮衣架，在舞蹈编排上纯粹的技术难度降低了，但是想象和诙谐的元素却更多了。 马修·伯恩的剧非常注重叙事，一部剧定是一个完整的故事，这也说明他的作品针对的是广泛的普通观众。但是其叙事手法非常紧凑精炼，效率很高。虚与实，是在本剧中最长使用的手段，人的思想、梦境和实际发生的事件基本是无缝对接。每个出场的人物，每个细节，都不会是虚设，如果观剧不够专注，可能就会错过很多提示而误以为是作品的瑕疵。 演员中，饰演灰姑娘的有A\B两组演员，她二人在所有女性演员中，外形条件是最不突出的，二人的个头都不算高，A组或许更低，而且身形微胖（相对于芭蕾舞演员），在飞行员宿舍那场戏，穿着短睡衣，整个身材的缺点暴露无遗。灰姑娘的装扮上，基本是以灰色系着装为主，除了舞厅一场穿了闪目的白纱裙，其他时候的女主真的像安徒生笔下的丑小鸭。我曾经有点质疑马修·伯恩对于女主的选择，但是当我真正读懂了创作者的表达，才感觉到一个其貌不扬的女主，恰恰是剧设所需要的，马修·伯恩不是按照舞蹈或戏剧，而是按照生活的标准选择演员，因为普通女孩的爱情，普通人面对生死时的不离不弃，才最容易引起观众的共鸣。  马修·伯恩的作品很难用某一艺术类别来定义。因为他的作品是一种全新的艺术呈现，单纯用舞蹈或戏剧来定义似乎都不准确。不过，舞蹈还是作品最重要的表现手段。从《天鹅湖》到《灰姑娘》，个人觉得马修·伯恩非常擅长编排各种类型的群舞，这些群舞在剧中的作用和效果与歌剧中的合唱、重唱极其相似，舞蹈编排得非常有戏剧性和层次感，烘托气氛和丰富视觉的效果也非常显著。 此版在音乐上基本遵循原著，在上半部分有个别删减，用轰炸的枪炮声取代了，最后一部分，也就是两次中场休息后的部分，音乐上则完全保留了。普罗科菲耶夫的音乐非常动听，也非常耐听，很容易把观众代入舞台所营造的戏剧氛围中，而马修·伯恩确实有一种特殊的才能，就是能将几十年前的音乐，让人误以为是为今天的创作量身打造的。 其实，在马修·伯恩的《灰姑娘》中，所谓的颠覆，就是对经典芭蕾作品和童话故事的重新演绎。艺术手法上，则会捕捉到很多回归和运用传统之处，比如在舞台整体呈现上非常接近上世纪三十年代的电影默片，甚至很多地方都有卓别林影片的风格和气质。剧设和人设也都会让人联想到经典影片《魂断蓝桥》或者《飘》，舞台美术、道具服化的硬件也很传统，视频影像声效的融入也让舞台剧做出了大片的效果。而这一切，与作品本身也是契合的。  当然，观剧的时候还是有些不甚满意或者没有完全理解的地方，主要是故事的逻辑性、合理性上，以及人物相互之间关系的阐释上。至少在我看了两遍之后，还是对个别地方不甚了了，或许看第三遍又会有全新的发现也未可知。 马修·伯恩的《灰姑娘》是这样一部戏，初次谋面会觉得相貌平平，不过尔尔，当时甚至想到了一个词来定位马修·伯恩，那就是：“江郎才尽。”但是第二次看的时候，感受却截然相反。为什么会有如此大相径庭的观感，我想还是因为在初看时，脑子里装了太多旧有的东西。所以，对于观众而言，面对创作者的“颠覆性创作”，在走进剧场的时候，首先需要把“内存”清空，抛却成见，以原创和新奇的视角，体会剧作带给你的美好，真正走进创作者的内心。 本文转自艺笳之言，特此感谢！
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