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当下 ║ 2018.10.05 导言  张艺谋的电影《影》在全国上映已经五天，凭借老谋子在国内巨大的影响力，这部风格十分压抑阴郁的电影，到目前为止已经拿到了3.3亿的票房，排名仅在周润发主演的港式黑帮电影《无双》之下，力压近两年来的票房黑马开心麻花制作的《李茶的姑妈》。 这也是张艺谋新千年以来，在豆瓣评分最高的一部电影，票房和口碑比较统一。 这篇文章，通过电影讲述张艺谋绝望的艺术之路。以及他在这部电影里创造性的美学叙述。 文章长达万字，阅读需要较长时间。 1  张艺谋的好莱坞心结 挟大胜之势，张艺谋宣布角逐今年的奥斯卡，而这已经是张艺谋的第八次冲奥了。相比他在欧洲电影市场的备受尊敬，但好莱坞一直对张艺谋的中国新浪潮电影不怎么买账，八次冲击奥斯卡，八次失败。 中国有奥斯卡情结，不光导演有，很多观众也有。主要是改革开放这四十年来，中国电影人已经把各种大大小小的电影奖都拿得差不多了，只有奥斯卡差口气，所以，大家总喜欢拿这个说这事。 不过好莱坞本来就不怎么喜欢欧洲的新浪潮艺术，张艺谋这种屡败屡战的勇气值得所有电影人敬佩，他已经把世界上所有A类电影节大奖拿到手软，就差一个奥斯卡就能大满贯。奥斯卡的小金人一直是他想证明自己，想征服的最后一座高峰。 为了这个目标，面对市场多年来的质疑，张艺谋放下了过去的荣誉，拉下脸来赔笑去拉投资。为此他在艺术的梦想和商业选择中，把梦想向商业大幅让步。 本来能成为中国版《血迷宫》的《三枪拍案惊奇》，为了拉到钱，把演员全部换成了赵家班，结果整部电影被赵家班的表演彻底带歪了，市场一片骂声，但如果只看这部电影的剧本，会发现其实剧本非常精彩。  接下来是中美合拍的《长城》，张艺谋本来预定的女主演是李冰冰，但在传奇影业的力压下，迫于无奈的把女主角换成了面瘫脸景甜。更是在整部电影中，作为导演的张艺谋没有一点自主权，每天拍摄完的素材都要第一时间给好莱坞，好莱坞通过才能继续。 在拍摄中，导演张艺谋变成了一个傀儡。电影长城特效是有的，但整个故事被坑的一塌糊涂，观众纷纷骂故事太烂了。 《长城》虽然票房盈利了，但口碑的严重下滑，被观众质疑为最奢侈的烂片，这让一直以中国电影旗手自居的张艺谋十分难堪。 这种情况下，这部新电影《影》全面启动了流量小生，或许又是艺术再一次对商业的妥协。关晓彤，吴磊，邓超，孙俪，郑恺。让观众直呼，仿佛来到了《奔跑吧兄弟》的现场，如果静不下心沉入，这样的演员阵容非常容易出画。 老骥伏枥，志在千里，烈士暮年，壮心不已。 为了能圆梦奥斯卡小金人，张艺谋导演不惜把自己心中的艺术向商业让步，这使得他内心非常痛苦。在接受媒体采访时，张艺谋就说电影里的境州是他全部内心情感的倾注。 而整部电影的压抑深沉，灰色阴暗，几乎能通过电影，看到张艺谋导演成为中国电影领头羊之后的心路历程。 他的荣誉，跌落，崩塌，痛苦，不由自主，和深入骨髓的迷茫。  2 张艺谋致敬黑泽明，是因为他的人生同样绝望 张艺谋是黑泽明的粉丝，这部《影》也是在致敬《影武者》，黑泽明在去世前把日本电影托付给了北野武，但北野武显然辜负了黑泽明的期望，没能扛着日本电影前进。 张艺谋曾经凭借电影《英雄》拉开了中国电影的新时代，却最后被时代所抛弃，没能扛着中国电影的大旗继续前进，这就让张艺谋心中充满了浓浓的失落和茫然。而他致敬黑泽明，不如说是张艺谋陷入了茫然，想从黑泽明的故事中鼓励自己，寻找方向。 《影》被人称赞的是美术风格，这部电影以黑白为主，用色我很喜欢，层次感空间感非常强，强烈的色彩，和旋转的线条表现出强烈的情绪和视觉冲击，但调子很冷，整部电影让人感到绝望！ 这部电影中，张艺谋导演借助墙、门、窗、帷幕等人为制造出空间的割裂，让观众看到被遮挡的人和物，以此来表现人与人交流的困难，人际关系的疏离。再通过故事的压抑和血腥，表达出深深的恐惧，被替代的恐惧感。 主角境州内心充满恐惧，他在逃避内心的恐惧，这个倾注了张艺谋全部心血的角色，几乎就是张艺谋心中情感的全部体现。  而从黑泽明的故事里，可以看到张艺谋对自己境遇深深的无奈。 在《电车狂》票房惨败后，没有人愿意再投资他，黑泽民只好出走苏联拍摄《德尔苏-乌扎拉》。之后回到日本，他很想拍《影武者》，可惜没有投资人愿意跟他合作。结果逼得老头子指天发誓，我要让观众看到我脑子里的画面，哪怕不是电影，哪怕这些画面静止不动！ 于是黑泽明坐在桌子前。夜以继日的画画，一共画了200多幅，有个信念支撑他坚持画下去，他相信总有一天会将《影武者》拍成电影！ 后来等了差不多三四年，两个美国粉丝知道黑泽明缺乏资金，飞越太平洋给他拉来了投资，帮助他完成了《影武者》。这两个美国粉丝一个叫弗朗西斯-科波拉。是《教父》的导演，一个叫乔治-卢卡斯，是《星球大战》的导演！ 而张艺谋致敬黑泽明的《影武者》，最为人称道的也是美术色彩，两部电影同样表达出的是一种对命运的无奈，对时代的绝望。 影武者里整部电影采用的是对角线构图，绿色的草地上，一群穿着黑色盔甲的武士，背后插着红色的旗子，身下跨着棕色的骏马，手中挥舞着武器，正在向前发起冲锋。  黑泽明深受梵高的影响，在影武者的画面中颜色对比鲜明，笔触交错给人一种强烈的身临其境之感。短促生硬的线条，充斥着令人窒息的感觉。 电影最后的画面，武田家的骑兵军队向着敌人英勇无畏的冲锋，但一次面对的是织田家的火枪。骑兵冲锋一次比一次迅烈，火枪回应一次比一次响亮。最终风林火山旗倒下，武田败北。黑泽明表现的就是武田家的骑兵开始冲锋这一瞬间的情形，色彩鲜艳，透着强烈的悲壮感，带有极强的视觉和情感冲击力。 而这种窒息感应该和黑泽明的经历有关。68年美日合拍电影《虎虎虎》，黑泽明任日方导演，他为电影做了大量的准备，打算拍成经典作品，但好莱坞的工作习惯和日本的拍片方式差异太大，双方摩擦不断，黑泽明在拍了三周之后被剧组解雇了，这让他受到了很大的压力。接下来拍摄的《电车狂》又票房惨败，再次给了他沉重一击，因此他企图自杀，用刮胡刀在身上隔了21处伤口。 虽然由于发现得早，最终他活了下来，但境遇并没有改变。没有人愿意投资，想拍电影而不得，对这样一个导演来说，无疑让人绝望，所以《影武者》电影，充斥着非常绝望的情绪。 黑泽明是个悲观主义者，但他的电影向来并不悲观，只有《影武者》是个例外，拍得很绝望！ 在张艺谋身上，几乎就是黑泽明时代悲剧感的重现。  大家都知道，张艺谋在奥运会开幕式结束后是何等风光，同样知道他后来被黑得有多惨。不管是哪部电影，《山楂树》、《十三钗》，《归来》甚至是《长城》，基本上是出来一部骂一部。 曾被视为中国电影的灯塔，世界电影大师的张艺谋，几乎是被观众彻底抛弃，被时代所抛弃。包括国师这个称号，都是用来讽刺他的。就不难理解他的这部电影为什么会如此压抑和悲伤。 很多媒体报道，说国内批判张艺谋是从《英雄》开始的，但英雄是彻底爆发，很多专家批这部电影价值观有问题，说张艺谋为暴君唱赞歌，甚至连陈凯哥都出来批《英雄》，说电影主题有问题，当时英雄赢了票房，这也让张艺谋在国内电影评论界遭遇巨大危机。 学界对张艺谋的大规模批判是从《一个都不能少》退出戛纳开始的。 《一个都不能少》在结尾，魏敏芝寻找学生被电视台报道后，学生被找到了，电视台派专车送他们回村，社会各界捐赠的一卡车学习用品也送到了学校。 戛纳电影节主席雅各布看过后公开表示不喜欢，认为电影是在替政府做宣传。张艺谋当时写了封公开信与戛纳决裂，把电影撤了回来，送到了威尼斯。  但在国内部分影评人眼中，这部电影是在粉饰太平，在为政府唱赞歌；而戛纳是他们眼中的艺术殿堂，张艺谋跟戛纳决裂就意味着放弃艺术追求，倒向政府。 所以，他们认为张艺谋堕落了，对他的批判越来越多。王朔甚至说，张艺谋该灭了，所有人都觉得他是臭大粪，就差大声说，要不灭了张艺谋，影响极为恶劣，不除张艺谋，国无宁日这种话了。 而《英雄》就是王朔说的契机，对张艺谋的批判全面爆发！ 但谁都不能否认，张艺谋对中国电影的贡献，是他拉开了中国电影商业片的大潮，推动了中国电影工业化的进程。 国内九十年代流行的艺术片，把观众彻底赶出了电影院，当时没人爱看国产电影，在2002年的时候，很多电影院都开不下去，改成了歌舞厅和其他场所，中国电影行业当时快死掉了。是张艺谋的《英雄》把观众拉回了电影院，拯救了中国电影。 日后央视的一项调查显示，《英雄》的观众中，有八成已经多年没有进入过电影院。  40多年前，美国电影产业处在低谷之中，大批黄金时代的电影人由于电影行业的不景气宣布退休。在这种情况下，新一代的电影人在科波拉这个带头大哥的带领下，年轻的乔治-卢卡斯、斯科塞斯以及斯皮尔伯格等人，掀起了一场轰轰烈烈的革命，最终旧好莱坞消亡，新好莱坞从此登上了历史的舞台。 正是这次革命，让好莱坞走出困境，并迅速席卷了全世界，直到今天依然统治着全世界的电影市场，并对电影业的发展有着巨大的影响力。 其实我们看电影史，会发现顶级大片对电影产业具有极大的推动作用，5，60年美国电影受电视的冲击，陷入了困境，是卢卡斯的《星球大战》拯救了好莱坞，不仅重新构建了好莱坞的工业和商业规则，也改变了电影的历史。 1999年韩国的《生死谍变》超越同期在韩上映的《泰坦尼克号》，成为韩国电影史上最卖座电影，大大提升了韩国电影人的信心，从此韩国电影快速崛起； 中国电影处在最低谷的时候，是张艺谋的《英雄》拉开了商业的序幕，让大家看到了希望，为如今中国电影的蓬勃发展打下了基础。 张艺谋作为中国电影人在海外获得最高荣誉的导演，看到国内电影市场被好莱坞攻陷，能放下过去荣耀的历史，从自己擅长的文艺片改拍商业片，我非常尊敬他，他就是中国电影的带头大哥，类似卢卡斯重塑了好莱坞一样的伟大人物。  他的电影《英雄》拯救了中国电影行业，但张艺谋导演本人被国内那些文艺界彻底认为是政府的走狗，在学术界对张艺谋的批判十分尖锐，尤其是他成为奥运会总导演后，被文艺界视为彻底投靠政府的叛徒，从此国内的学院派影评人，对张艺谋就不是批判了，简直就是抹黑！！ 比如奥运会开幕式，竟然有绯闻说张艺谋和政府花了几千个亿搞面子工程，置全国贫穷人民于不顾。更意外的是，这种不靠谱的绯闻，在各种势力有意无意的支持下，竟然没人出来辟谣。 其实北京奥运会的花费比雅典奥运会还要少一个亿，真实数据在官方预算文件中就能查到，不知道为什么国内那些媒体当时睁眼说瞎话。 在越演越烈的批判下，张艺谋拍摄电影筹资出现了问题，所以有《三枪拍案惊奇》这么好的故事，却用了一群跳戏的演员，都是因为穷闹的。 而在接连几部电影口碑和票房双双滑坡之下，对张艺谋批判的那些人更加高兴了，他们认为张艺谋已经跌下神坛，一无是处，国内的观众已经抛弃了他，张艺谋导演已经“死”了。 张艺谋电影的接连失败，更是让那些人等着张艺谋会什么时候“死”，他们认为这是张艺谋投靠官方得到的报应，他已经脱离了人民群众，所以被人民群众所淘汰。在这群傻逼的心里，他们认为人民群众就应该看反应社会现实，批判政府的文艺片。 3 张艺谋迷茫的原因 导演张扬的父亲，张华勋导演曾拍摄完《神秘的大佛》和《武林志》后遭到了评论界猛烈攻击，他曾经愤怒地问道，拍娱乐片算不算探索？没有人回答他的问题，只有更猛烈的批判，最终他只能改拍文艺片去了。 面对电影票房的滑坡，和国内文艺界的批判抹黑，张艺谋心中也非常茫然。他是一个在国际上都有巨大影响力的电影大师，英雄迟暮，虎落平阳，为中国电影实心实意做事，却面对这样的报应，这让他心中十分痛苦。 而内心的这种痛苦纠结，也让张艺谋陷入创作低潮之中，虽然每隔两年会有新电影上映，却很难看到《大红灯笼高高挂》和《红高粱》时的惊艳才气了，所以之后的几部电影的确不符合水准，张艺谋心里也是清楚的，这让他十分茫然，他找不到自己艺术的出路在哪里。 曾经创作出《蜀山》《青蛇》《黄飞鸿》等优秀作品的徐克，在后来拍的电影让大家几乎认为风格判若两人。所有人都不理解曾无比凌厉的徐克，后来的电影怎么会拍得这么笨拙。 其实，这个问题，是因为导演心中表达欲望的缺失。在《蜀山》之后徐克就陷入了低潮期，《黑侠2》如此，《七剑》也是如此，直到《狄仁杰之通天帝国》徐老怪才慢慢开始恢复。 但九年的低潮期还是抹杀了太多东西，在徐克身上再也难以看到过去的天马行空，恣意挥洒的才华了。 在国际上，《狗镇》之后拉斯·冯·提尔的片子都比较平庸，真的是低潮期。黑泽明拍完《红胡子》经历了十年的低潮，昆汀拍完《低俗小说》沉寂了将近八年。许多导演的生涯中都这样的沉寂期。 张艺谋之后的电影，都表达了一个词，回归。无论是《山楂树》《归来》和《影》，都表达了强烈的回归欲望。他想回到他艺术创作的巅峰时期，回到那个才气纵横惊艳世人的青年时期。他怀念他的黄金时代，现在的他，已经快找不到电影艺术之路接下来该走向何方了。 他自己指导的第一部电影是《红高粱》，这部电影拍得很苦，顶着巨大成本压力的张艺谋，在拍摄完最后一个镜头后，把自己的拍戏时穿破的一双鞋埋在了当地的黄土里，并发誓，如果这部电影没成，他从此就再也不走电影这条路了。 而在转身商业片之后，接连的失败，时代无情的嘲讽，观众的抛弃，张艺谋的电影之路几乎走到了绝境，他变成了票房毒药，拉投资越来越难。 他茫然，他无措，他找不到艺术接下来的路该如何走下去。 拍摄高质量的电影，让更多的人去欣赏，是他的理想。可是要实现理想很多时候需要依靠时代对于文化的需求，当年黑泽明导演拍摄了《七武士》，那是1954年的票房之王，是艺术与商业最完美的结合。 而后黑泽明陷入了创作的长期枯竭，他拍的电影再也难以把握好艺术和商业，黑泽明在日本被认为是票房毒药，为了能继续拍电影，黑泽明不惜以身犯险，跑到前苏联去拍了《德尔苏-乌扎拉》，《影武者》甚至面临无人投资的窘境，电影天皇黑泽明自残二十多刀，差点死掉。 张艺谋也面临着这种绝望的境地，他几乎快被市场抛弃。也许他深夜在入眠的时候，会想起一个个电影史上伟大的前辈在面临这种情况，最终郁郁而终的巨大绝望。 比如电影大师科波拉对电影进行了很多革新，用《教父》革新了黑帮片，用《现代启示录》革新了战争片。科波拉对多声部蒙太奇和整体式场面调度的运用，让《教父》和《现代启示录》成为名垂青史的经典，但也导致了他后来的悲剧； 进入80年代后，科波拉因为票房惨败背上了巨额债务，在电影语言上的探索就停止了，多声部蒙太奇和整体式场面调度也从他的作品中消失；从此，这两种技法再也没有在银幕上出现过。 其实拍完《现代启示录》科波拉也才四十岁，对导演来说正是黄金时期，是最具创作力的时候，但因为这部电影他跟好莱坞制片厂关系破裂，加上其后的《旧爱新欢》票房惨败，背上了巨额债务，他再也无力独立投资拍片，只能受雇于好莱坞各大制片人赚钱还债，从此他一蹶不振。
很多人对科波拉的遭遇感到惋惜，认为他是世界上最好的导演之一，如果不是被好莱坞废掉，也许他能够把之一去掉。
在这种恐惧之下，张艺谋的新片《影》，就不难理解为什么会这么灰暗绝望了。电影里充满了被替代的惶恐和无助，境州的对家的渴望，和个人命运的无奈，几乎就是张艺谋个人命运的内心写照。 影片最后，境州战胜了傀儡和帝王，重获新生，就是张艺谋渴望推倒压在他头上的大山，重获新生的灼灼期盼。 4 张艺谋《影》的美学在电影史上有多牛逼？ 现在很多人以为武打片、文艺片是传统中国电影，其实真正的中国传统电影是通俗剧，是隐喻、触景生情，是胡金铨、李翰祥他们那一代从大陆带到港台、以及与他们相通的大陆导演谢晋及之前的电影。 第五代、第六代导演学欧洲，他们是反中国传统电影起家的，与中国电影的传统是割裂的。 第六代是电影节培养起来的，而以宁浩为首的第七代是中国电影市场培养起来的。不自恋，不妥协，寻找个人与市场的平衡点是他们最大的特点，这也是中国电影导演代代相传的保证。 在第五代里，张艺谋是以摄影起家的。他的作品里尤其擅长对色彩的运用和创新，这位张艺谋的电影打上了强烈的个人风格。 而第五代的摄影师各有特长，张艺谋擅长铺陈画面的用色；顾长卫的画面偏重版画效果，黑白分明，强调光线的感觉；侯咏的摄影更具有写实的风格，画面更有立体、厚重感；而赵飞的摄影更加平面、图案化，具有强烈的装饰意味，而赵飞个人也更加注重布光。 在《影》这部融入强烈中国画风格的电影中，张艺谋通过留白加留黑手法，在画面外构筑了一个相当完善的画外空间，给观众充分的想象空间，观众用心体会能够感受到看不到的东西！ 而中国画讲究意境，对于内心情绪的抒比后印象主义走得更远。 我们中国画里讲究留白，而西方美术没有留白一说，但他们的画，尤其是伦勃朗的的画，背景基本上都是黑的，这个被称为留黑。 而留白加留黑简单的讲就是要有明要有暗，虚实结合，很多暗的地方，要把重要的东西突出出来。不能一览无余，光线结构上，区别要非常大，留白很重要，安排了一些黑暗的地方，让观众用想象去丰富。 黑泽明在拍《影武者》的时候，大量使用了长镜头，以远景和全景为主，全片一百多分钟只有一个特写镜头。 张艺谋的这部《影》里，也大量使用全景和远景，但不同的是，影是因为构图的缘故，这部电影的构图基本上都是中式构图。中国画构图讲究远，有个特别最重要的理论是三远，就是平远、高远、深远。 而影这部电影的构图就是以深远为主，远就是远景，既然是远景，电影自然就大量了选用远景和全景镜头，充分的把留白和留黑结合在了一起，形成了黑白相济的中国水墨画风味。 在这种电影里，当动作成为唯一的表意工具，观众又不能明确地对其进行翻译的时候，那么各种解读都成为可能！张艺谋故意不输送明确的信息，而是将思考与判断的空间完全摊派给观众，从某种程度上来说，观众观影的过程中就是在进行即兴创作。 张艺谋之前是学油画的，在最初的电影里能看到浓重的油画色彩。不过在北京奥运会期间，为了弘扬中国文化，从传统艺术作品中寻找创意，张艺谋看了大量的中国画，查阅了大量资料，还和很多画家进行了交流。等到奥运会结束的时候，张艺谋已经对中国画有了非常深的了解，《影》这部电影，也是张艺谋在中国画和电影对接上做的一次尝试。 其实上世纪30年代从郑君里、费穆开始，很多中国导演都在努力尝试用各种方式将电影与中国画进行对接，但这种对接始终不是很成功。因为中国画和电影的差别特别大，电影特别讲究光影，讲究透视； 而中国画恰好就不讲究这些。中国画的理念和电影理念很难兼容在一起，尽管几代中国电影人都进行过尝试，但最终效果都不理想，中国画和电影始终难以完美融合，只能提取一些中国画的元素放在电影里。 胡金铨的镜头就充满中国画的意境，任意一个画面截下来，都是一张出彩的中国画。但这种风格电影节奏缓慢，在快节奏的今天根本不讨好。张纪中的《笑傲江湖》就是胡金铨风格，在意境营造上很见功夫，但有多少人嫌弃节奏慢？ 中国画特别长，有横幅，有立幅。不可能一眼将所有的内容看完，只能慢慢从左看到右，从上看到下，看画的时候要走着看，这叫游观。《影》就是按照这种理念来处理的。 采用这种方式有很强的代入感，因为镜头是在模拟眼睛；但同时又有疏离感，因为你是在用看画的方式看世界。 导演这样做，是希望观众从电影开始就进入情境，但又不希望观众完全陷进去，希望他们能够保持冷静，希望观众随着电影的推慢慢进入电影，慢慢进入人物的内心。 日本人喜欢席地而坐，日本导演就发明了低机位；而张艺谋导演将中国画用在电影中，有了卷轴镜头和游观的拍法，这是一个牛逼创举。 这世界有很多国家和民族，每个都有自己文化和传统，电影都可以从自己的文化和传统中吸取营养。所以，我一直不明白，自己明明有丰厚的文化传统，为什么都一股劲的学欧洲，学美国呢？ 毕加索说过类似的话，当初张大千到巴黎拜访毕加索。在交谈中，毕加索就和张大千说，在欧美，我看不到艺术，在中国才有真正的艺术。我最不懂的，就是你们中国人为什么要跑到巴黎来学艺术？ 而中国画有人生三重境界的说法，看山是山，看水是水；看山不是山，看水不是水；看山还是山，看水还是水。
电影的境界也是如此，第一重境界的导演注重技巧，追求外在的表现形式；第二重境界的导演，由外而内，开始强调个体的感受；而最高的境界是回归自然，这个境界就是电影里面看上去没有什么技巧，一看什么都不是，又什么都是，什么都没有，又好像什么都有。 仔细想想，其实前两重境界是术，而第三重境界则属于道了。电影的最高境界就是道和术的关系。就像张三丰教张无忌，让他先忘掉套路，这就是由术到道的要求。 要知道电影讲究镜头语言，讲究场面调度。每个镜头的处理都是导演精心设计的，但是作为导演要学会隐藏这种设计感，让大家觉得一切都是自然生的，而不是导演刻意安排的。 真正优秀的导演他们所有的镜头都是精心安排的，但你却看不出丝毫人为的气息。比如在看电影《影》的时候就会觉得一切就应该是这样。 电影可能范围很广，题材可能千差万别，表现手法也可以不同，故事更是完全不同，但电影的精神内核是相同的。 一个导演不管他再怎么改变自己拍摄的电影的题材和和内容，在电影中贯彻始终的思想都是不变的。王家卫就说过，连续拍了五部戏下来后发现。自己一直在向大家说的，无非就是电影里所表现的一种拒绝，还有害怕被拒绝和被拒绝之后的一系列反应，在选择记忆还是逃避的反应。 王家卫的电影都在讲拒绝与被拒绝。伍迪艾伦讽刺了一辈子知识分子，希区柯克拍了一辈子焦虑与恐惧。黑泽明则一生都在讲义理和生存，张艺谋用了几十年在讲寻找和回归的主题。 而张艺谋在世界电影史上占据了重要位置。在电影史上，电影大师分为两种，一种开拓了电影语汇、延展了电影表现力，他们是技术性的大师，比如爱森斯坦之于蒙太奇、格里菲斯之于剪辑；另一种大师用电影表达出了深刻的哲思和深邃的思想，他们是思想性的大师，比如伯格曼之于怀疑、安东尼奥尼之于疏离。 张艺谋则一生都在讲寻找和回归。在他的这部电影里，把这两个主题用美学色彩完美的融合在了一起。 而电影经过一百多年的发展，电影语言已经进入停滞期，各种技法各种技巧前人基本上都已经尝试过了，创新越来越困难。 在这种情况下，张艺谋还能够发掘出新东西来，用中国画融入电影的方式，告诉大家电影语言还没有走到尽头，还有各种可能，真的太了不起了，张艺谋是拓展电影语言的边界人！ 普通人不知道拓展电影语言的意义，但是行业内的人看了张艺谋的新电影，纷纷为他的美学造诣倾倒。 在世界电影史上有三部特别重要的三部电影，格里菲斯的《一个国家的诞生》、奥逊威尔斯的《公民凯恩》、以及戈达尔的《筋疲力尽》，这三部电影是电影语言诞生、发展、成熟的标志性作品，任何一部世界电影史都不可能遗漏这三部作品。
格里菲斯在《一个国家的诞生》中开创了古典剪辑，奠定了电影语言；《公民凯恩》是现代电影的奠基石，影响了此后的每一位导演；而戈达尔在《筋疲力尽》中创造了跳切，彻底埋葬了古典电影，真正让电影进行了现代。 在这部电影里，张艺谋对中国画和电影的融合，采取了运动镜头的处理，无愧于大师的名称。张艺谋不愧是中国在世界电影史上影响最大的导演，是中国电影的旗手和领头羊。 最后祝张艺谋导演一路向前，成功圆梦奥斯卡最佳外语片。 |
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