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安格尔大展自开展已经有50天左右， 来看展览的观众络绎不绝。 展览现场 其中还有一部分观众则是奔着安格尔的专家讲座来的。安格尔大展的第四场讲座，由中国美术学院绘画艺术学院院长助理、油画系主任、教授何红舟主讲，讲座的题目为《单纯的力量——漫谈安格尔对后世艺术家的影响》。 那么，最后一个观展日来看展的你，排队刷手机的时候，先来“听听”何红舟教授怎么解析安格尔吧！ 中国美术学院绘画艺术学院院长助理、油画系主任、教授何红舟 从德加、毕加索等艺术家的作品中可以看到，安格尔的新古典主义绘画风格、造型手法对后世艺术家的一种影响，然尔这条不同于法国十九世纪学院派的传承脉络，使我们对安格尔的绘画有了更多的认知。安格尔讲座场场人气爆棚，接下来和小编一起进入讲座回放吧！ 座无虚席 讲座结束后 观众与主讲嘉宾交谈 接下来随小编一起进入讲座回放吧！ 单纯的力量： 漫谈安格尔对后世艺术家的影响 在这场讲座选题阶段，我选择“单纯的力量”作为大的选题。 我1995年第一次到欧洲去，在巴黎罗浮宫，目睹了安格尔的绘画。虽然我们从小学画的时候就看过他很多非常精彩的素描，也促使我们从很小的时候就锻炼写生的能力，但是坦率地说，到了罗浮宫的时候，在我的心目当中，真正心仪并不是安格尔，我印象更深的是像德拉克罗瓦、达维特他们的画作，他们的画幅面很大，而且表现力度也非常强悍。所以在这种情况下，安格尔在我心里的地位屈居到后面去了。 安格尔 圣母与圣饼 但是很多年以后，在实践包括教学当中，我始终面对一个问题：如何在绘画当中，调和创作时的“理性”与激情式的“感性”之间的冲突。在这其中，安格尔始终代表了关于绘画“理性”思考，也就是在这个时期，安格尔在我的心目中的分量慢慢增加。在我原先的印象里，安格尔是一个事无巨细的画家，他画得很细腻，有点像中国的工笔画的感觉。正是在教学中，我改变了以往对安格尔的印象，他对审美的理解、在造型当中的取舍、对形式和谐的追求，成就了他关于古典主义的崇高感。我内心逐渐感觉到，安格尔真正的有一种强大的东西在里面。 安格尔的画作中非常重视古典主义的形式与典范，追求对称庄重、绘画中结构的稳定性与和谐的美，强调画面中古典主义说提现的的“高贵的单纯与静穆的伟大”。
安格尔 土耳其浴室 安格尔画了许多“浴女”变体画，在这些“变体画”中我们看到了形式的重构，画面中浴女的外形曲线与画框外面的圆形弧度，形成了完美对应又富有变化，提升了整个画面的饱满感。 ▌安格尔谈艺录：拉斐尔——线条
拉斐尔 椅子上的圣母 安格尔曾在他的谈艺录里面推崇两位文艺复兴时期的艺术家，一位是关于色彩的，另一位是关于形式的。安格尔认为拉斐尔的绘画带给了他关于形式的把握，而且这种影响始终都贯彻在安格尔后来的绘画中，像拉斐尔的圣母形象、《雅典学院》，安格尔在很多绘画里面，都从这两种形式当中借鉴了不少的经验。
拉斐尔 雅典学院 ▌安格尔谈艺录：提香——色彩 另一位艺术家是意大利文艺复兴时期威尼斯画派的提香，提香的色彩提供给安格尔很多滋养。提香的出现，让油画真正达到了成熟的阶段，真正的色彩从提香开始，他的色彩表达几乎是完美的状态，他的油画在早期大量使用间接画法，但之后也采用了直接画法，到了晚年时他的油画技法的表达方式则更加地多样化。
提香自画像 安格尔在谈艺录里，在形式和色彩的主题中选择了不同的代表人物来讨论，这两者都是追求永恒的、终极的美，但是二人的侧重点不同。提到拉斐尔时，安格尔认为提香的色彩有胜于他，而提到提香时，他认为米开朗基罗、拉斐尔等人在形式上又强于提香，所以安格尔希望有一个非常完美的综合，这个就形成了古典主义里非常重要的“折中”的一个源头。这个源头一直发展到到现代艺术时期，艺术圈里依然有类似的讨论，例如康定斯基在他的谈艺录里也曾经说到过于毕加索就是形式，马蒂斯是色彩，把这两级的东西作为一个谈论的话题。
提香 维纳斯与风琴手 安格尔在谈艺录所推崇的艺术家，已经可以看到他对于永恒的美的把握，他是希望这种把握能够不断地递进下去，永恒的美的把握，必然是古典主义绘画里面非常重要的一个章节。但是想在一张画里面想集中所有的优点，是不太可能的，这种趣味到最后很可能会过分的同一化，而没有了艺术个性的呈现。所以到了近现代，尤其到了当代艺术，对于永恒的美把握的东西，已经不再存在了，对美的理解，已经转换成其他的多种多样的方式。然而在安格尔那个时期，对永恒美的把握，几乎是每个艺术家毕生所追求的。 安格尔艺术的来源除了文艺复兴时代的画家，还有及其重要的古希腊艺术。在油画教学中，画家描绘对象始终都面对“三重关系”，第一重关系是这个对象本身，第二重关系是面对相同的对象过往艺术家处理与表达方式，第三重关系是自己的表达方式。安格尔谈艺录中也提到了自然观： “要不断临摹自然，学会认真观察自然物的能力，因此有必要研究古希腊罗马的艺术和古代巨匠的名作，这不仅仅是模仿他们，这是为了学习他的观察力。 去接近古希腊罗马艺术，这是可循的目的地，因为它也是我们的自然对象，那里具有内含的学问和一整套哲理性的美的表现形式。” ▌安格尔的古希腊收藏
雅典红彩陶双耳爵 这个陶瓶是安格尔的古希腊收藏，同时也是此次“安格尔巨匠之路”的展品，安格尔在绘画创作过程中，他对形式的研究特别充足，观众可以在他的绘画作品中看到他对古希腊瓶画与古希腊浮雕创作形式的借鉴。
安格尔 罗杰解救天使 比如安格尔的《罗杰拯救天使》这副画，这读画虽然表现的是一个非常激烈的英雄营救天使的画面，但是安格尔却表现地十分优雅，他延续了古典审美，把激烈冲突的情节压制，然后转化为形式上和谐而有美感的表达语言。
古希腊浮雕 在《荷马的礼赞》这副画中，安格尔也采用了同样的手法。他的此幅作品其实是拉斐尔的壁画《雅典学院》的一种延续。在《荷马的礼赞》中可以看出安格尔创作的人物基本上以对称的方式来表现，而且人物的光影转换很有表现力，迎光与背光的人物相得益彰，刻画画中对称位置的人物时，安格尔也追求微小的变化，整体画面感觉仍然是节制的，所以可以看出这幅绘画带给观者一种庄重而崇高的感受，这是安格尔对古典主义形式的高超把握。
安格尔 圣桑福里安烈士 在安格尔另一张绘画《圣桑福里安烈士》，我们可以更清楚地看到到安格尔在绘画上“节制”的表达， 安格尔对于激烈的场面，或者说是生离死别的场面表达的都非常优雅，我们可以从人物姿态上来看，事实上一个人在画面中这种极端的时刻里，姿态不太可能这么“赏心悦目”，然而安格尔在画面中传递更多的是画面形式的美感与分寸，从中可以一窥安格尔的审美的理想。
▌安格尔的师承关系：老师——达维特 安格尔的绘画理念一部分来源自他的老师雅克·路易·达维特，达维特也有很多作品收藏在卢浮宫里，例如巨幅的绘画《拿破仑一世加冕大典》和《贺拉斯兄弟的誓言》、《萨宾妇女的调停》、《雷加米埃夫人》等。在达维特的作品中，我们可以非常明显地看出他的古典主义形式，在法国的新古典主义诞生之前，欧洲大陆流行的艺术趣味是洛可可，法国大革命爆发的时候洛可可艺术风格已经到晚期，达维特是一个热衷于政治的画家，他推崇雅各宾革命党的理念，在艺术风格上也与当时法国皇室流行的洛可可艺术相抗衡，他热衷于表现古希腊、古罗马里“雄壮”的艺术趣味，这种对古希腊罗马古典主义的复兴就是新古典主义。
达维特 贺拉斯兄弟的誓言 达维特的政治热情让他在创作作品时除了注重绘画的形式，还十重视绘画的题材，例如《马拉之死》，这幅画中将被刺死的革命党人表现地非常具有古希腊悲剧感，一定程度上也表达了达维特自己的政治主张，而正是这一点最后导致安格尔与达维特的绘画风格分道扬镳，安格尔在创作绘画时始终想要淡化题材，比起以题材吸引人，安格尔更加注重形式的美感，达维特虽然也强调绘画画面的均衡感与崇高感，但是他更注重形式与内容的相辅相成，希望二者相得益彰。达维特在创作作品的过程中也研究了许多的古希腊罗马文物，他希望如果古希腊罗马人看到了自己的作品，就好像看到了自己生活的时代一样。
达维特 萨宾妇女的调停 ▌新古典主义与浪漫主义之争：安格尔同一时期对立的画家：格罗（1771——1835）
格罗 阿科尔桥上的拿破仑 以安格尔为首的新古典主义与以德拉克罗瓦为首浪漫主义之争是欧洲非常著名的一次艺术之争，这一次趣味的较量中，格罗也卷入其中。格罗是达维特的学生，从他早期到后来的绘画中，可以非常明显地看出他在绘画趣味上的纠结，在他早期的作品中，如《阿科尔桥上的拿破仑》可以非常明显地看出他是朝着新古典主义风格靠近的，而到了后期，他的绘画有了浪漫主义风格的特征。
格罗 拿破仑视察雅法的黑死病军人 例如《拿破仑视察贾法的黑死病人》，这幅画描述的是拿皮仑去看望他的军人，这张画的传传递了古典主义的审美的一些东西，但是观者在画面中看到的更多是格罗表现的病人形象，他并没有拒绝“丑陋”的人物，这些病人是垂死的，他们浑身都是恐惧与挣扎，我印象种有一个人物他抓着自己的头发，表情完全是痉挛式的，而这样“丑陋”的形象在他的老师达维特的画面中是看不到的，安格尔的画面中更不可能看到。在“古典主义”和“浪漫主义”的分歧中，格罗产生了动摇，他感觉到了绘画真实与感人的力量，他绘画中分寸感的把握已经不同于早期，他笔下的人物多了许多情绪的释放，突破了传统审美那种过分节制与理性的表达他绘画传达的语言，他的表达显得更加有分量，好似我们真的置身于绘画所表现的现场。 格罗最后的结局很不幸，他死的时候还很年轻。一方面他很遵从达维特对他的古典主义的教导，另一方面他也能清楚地感受到，在当时那样的动荡的社会下，他内心想要在画面上表达的激情，他陷入了这两重矛盾的纠结之中而抑郁，最后投了塞纳河自杀而死。 ▌安格尔同一时期对立的画家：籍里柯（1791——1824）
籍里柯 轻骑兵军官 籍里柯著名的代表作是《梅杜莎之筏》，在他的作品中，能更容易地看到浪漫主义与新古典主义相对的形式上的变化，这幅画取材自当时有名的真实事件，由于军舰沉默，幸存者们在海上飘荡了很久，为了求生，甚至出现人吃人的状况，籍里柯在画面中真实地表达出了这个惨烈的事件。画面中有两个稳定的三角形构图，并且表现出了筏上遇难者强烈的求生渴望，为了更好地表现人体，籍里柯多次跑到停尸房去观察尸体，并且画了很多被斩首的人头。然而很不幸，籍里柯因为创作这幅画而染上了炭疽病，不幸离世，去世的时候只有30多岁。安格尔在他的谈艺录里提到了籍里柯的《梅杜莎之筏》与《轻骑兵军官》两幅画，安格尔认为这两幅画都不该放在卢浮宫里面，《梅杜莎之筏》应该放在海事博物馆，而且放在一个阴暗的角落里就可以了。《轻骑兵军官》则放在军事博物馆里就可以了。从中可以看出，籍里柯的绘画里面与安格尔的审美几乎是完全相反的，他们二人的艺术及其对立的。
籍里柯 梅杜莎之筏
▌安格尔同一时期对立的画家：德拉克洛瓦（1798——1863）
德拉克罗瓦 但丁的小舟 德拉克罗瓦是真正的浪漫主义旗手，我们在他23岁完成的《但丁的小舟》中就可以看出这位年轻艺术家所释放的能量。德拉克罗瓦能在绘画中有效地传递出“激情”，例如《希奥岛的屠杀》，就可以看出土耳其人对希腊人的征服中的对立情绪，非常真实地传递给了观者。 艺术家（尤其是油画艺术家）在创作的时候，都会对局部的造型非常迷恋，当艺术家用笔去刻画一个形象的时候，他个人主体的情绪也在释放，这种情绪需要与他描绘对象所传递出的绝望深情相匹配，让人感觉画面是很有力的，充满说服力的，但是安格尔认为这种表现识对审美的一种阻碍，与新古典主义的主张相驳斥。在安格尔那个时期，其实已经出现了很多艺术风格：新古典主义、浪漫主义、到之后以库尔贝为代表的写实主义，这些艺术风格中可以看出法兰西绘画从洛可可到古希腊罗马，最后发展为法兰西自己独立的艺术风格的过程，这其中涌现的艺术家们，很多都是真正影响艺术史进程的人物。
德拉克洛瓦 希阿岛的屠杀 ▌安格尔的学生：夏塞里昂的作品
夏塞里昂 两姐妹肖像 夏塞里昂是安格尔众多学生中的佼佼者，是个天才的画家，安格尔评价他是“绘画中的拿破仑”，然而夏塞里昂并没有达到安格尔所期望的高度，一方面因为他在年仅37岁时就去世了，另一方面是因为他的艺术风格在后期与安格尔发生了分离。夏塞里昂的《两姐妹肖像》被德加誉为“十九世纪最好的肖像作品之一”，虽然这件作品和安格尔的肖像画看起来有些相似，但是仔细观察就可以看出明显地区别，夏赛里昂在肖像画中描绘了更多人物的神情，安格尔也有类似的作品《贝尔丹先生》，但是是他晚年的作品，夏塞里昂完成这幅作品时年仅21岁。
在安格尔第二次前往罗马，赴任法兰西艺术学院分院院长时，夏赛里昂留在了巴黎，正是在这个时候他受到了德拉克罗瓦更多的影响，不仅仅是受风格的影响，也受题材的影响，德拉克罗瓦曾前往北非旅行，并创作了大量的异域风情作品，夏赛里昂在后期，作品中关于异域风情的描述也越来越多。反观安格尔的绘画，如《大宫女》，安格尔更加注重在形式上传递他的审美，夏塞里昂在晚期与安赫尔的艺术风格发生了分离，据说他多次去落发的法兰西艺术学院分院向安格尔讨教，安格尔认为他没有按照自己的理想发展，所以最后两个人产生了决裂。
夏塞里昂作品
德拉克罗瓦作品 ▌德加（1834——1917）的作品 另外一位被安格尔教授过的画家——德加，德加曾在巴黎美术学院中学习，安格尔告诉他，年轻人要多画线条，线条里包含了一切，所以在德加的画面中可以看出他对于线条的依赖，和用线条控制画面结构的强烈的兴趣。我们也能看到德加早期的很多绘画作品，明显地传递了“古希腊”情结，如年轻人在成长过程当中摔跤场景的表现。他在表现现实当中的一些人物形象时，也能很强地感受到他对于形式以及古典主义绘画均衡感和稳定感的传递。
德拉克罗瓦绘画中的希腊情怀：年轻人摔跤 到了德加艺术生涯的后期，他明显受到了更多印象派的影响。德加的画大多数是室内画，然而他却被归入到印象派画家的行列里，实际上德加从未把自己当做印象派画家。我们可以明显看出德加后期的作品的趣味已经明显与古典主义产生了分离，他的兴趣很明显地转向了我们在摄影中看到的片段式画面的描绘。安格尔在画面中强调均衡、对称，然而德加并没有一直往这个方向靠，转而更多的在不平衡中寻找平衡的因素，让画面产生了很强的“镜头晃动感”，把画面中的生活气息传递地更加充分。 德加 舞蹈教室 ▌安格尔的影响：德拉罗什的作品
德拉罗什 半圆议事厅 安格尔单纯的力量影响了后世非常对的画家，如德拉罗什。德拉罗什是格罗的学生，但是在他的作品中可以看出许多古希腊式的古典主义人物造型的继承，如他早期的壁画作品。但是在后期的作品中，我们能明显地看到他已经向另外一个方向转变——自然主义绘画。在艺术史的教育中讲到自然主义，更多是一个贬义的词汇，这时期的艺术家没有处理对象，或者是归纳某种情节主导性的愿望，看见什么画什么，我们称之为所谓的自然主义。德拉罗什后期的作品已经不全然集中在线条的归纳上，将要死去人物形象描绘地很”挺拔”，这种线条不会在对线条有美感与节奏把握的安格尔的作品中看到，德拉罗什已经把线条让位到自然的、我们看起来更加真实的、甚至是接近照片表达的东西。
德拉罗什 英国女王伊丽莎白一世的死亡
▌热罗姆（德拉罗什的学生）的作品
热罗姆 斗鸡 热罗姆也是法国新古典主义转向自然主义时期的画家，然而自然主义在当时终不被待见，所以在艺术史上许多自然主义画家始终是二流艺术家，热罗姆也不例外，然而从他的作品中我们也可以看到他的绘画能力非常的强。 在《斗鸡》这幅作品中观众也能够看到他在早期所受的教育中体现的对古典主义形象美感的表达，然而这种表达却显得有些矫揉造作。一方面他要兼顾形式的美感，另一方面又要真实地表达生活的情趣，然而在综合两者的时候却不是很协调，右边的男性描绘还比较自然，而女性与斗鸡之前的构图关系则有些混乱，感觉这位女性好似在看花朵一类的静物，完全不像是在看斗鸡这样激烈的活动时所应该有的表情。
热罗姆 乡下的豪华游泳池 在《乡下的豪华游泳池》这幅绘画中，明显可以看出热罗姆已经转向了自然主义，他几乎是很琐碎地去表现生活场景，这幅画画中甚至可以截出很多组构图，如前景的一男一女可以是一个构图，左边的泳池也可以是一个构图。在古典主义绘画中这种情况就不太会出现，首先古典主义绘画不会选择生活的琐事予以表现，更加注重题材的庄严性，往往是选择具有影响力的历史事件；另一方面在构图布置中，古典主义绘画人物之间都会关联在某一个焦点中，所有画面人物的动作、眼神等都会与这个焦点产生关联，所有的人物都缺一不可。但是在自然主义绘画中，人物布局却好像可以随意布置都不会有什么大的变化。 ▌从安格尔的古典主义与浪漫主义之争看审美的表现方法：线描与涂绘
安格尔 奥松维尔夫人肖像素描 从新古典主义和浪漫主义艺术风格的对比中，我们可以明显感到审美表现上的差异，这种差异体现在哪里呢？概括就是“线描与涂绘”,这个说法出自艺术史家沃尔夫林，为此他还特别举出了两个例子，“线描”举例的是文艺复兴早期的德国艺术家丢勒，他的很多作品包括他的版画都是很典型地使用线描刻画的，只是丢勒在审美上并不是完全古典主义式的，他会把人物身上不太好看的东西也事无巨细地予以表现。
德拉克罗瓦的草稿 “涂绘”举例的是伦勃朗，伦勃朗在他的时代已经超越了尼德兰画派概念中的东西，他在光影的表现上是非常强烈的，在这之中我们我们可以窥见很强的可以称之为“优化语言”的东西，他的画面中光影的描绘虚实结合，尤其是明暗交界上有着高潮的技艺，线条则都是在物体的边缘处才出现。在安格尔与德拉克罗瓦素描中，我们也可以清晰地看出二者在“线描与涂绘”上的差异，两者在素描上都有线条的感觉，但是安格尔更加侧重于线条的刻画，所以他的线条包括衣褶的表现都给非常清晰，德拉克罗瓦则更加侧重团块的表达，几个团块表达的东西更加强烈，线条更多的是起到一个接力的作用。这两种不同的绘画风格，其实在传统的西方绘画中都可以找到代表人物。
德拉克罗瓦未完成的《肖邦》 我们可以看看德拉克罗瓦未完成的《肖邦》与安格尔未完成的女人头像，这两幅画都是油画，我们可以更清楚地看到二者之间绘画的区别，安格尔偏向线描，德拉克罗瓦偏向涂绘。在安格尔的绘画中，他没有太多“笔性”的东西，他的用笔非常克制，几乎把用笔减到最少，把“服从”于他的线条加以组合。对比安格尔的用笔，我们可以看到德拉克罗瓦的笔触：在亮部里面体块笔的扫和拖，还有不断的停驻。
安格尔 女人头像 这涉及到一个有关于审美的问题，在安格尔的观点中，笔触是不可以在画面中过多出现的，这是让他十分反感的，他甚至说，过多的笔触是一种缺乏教养、趣味低下的表现，是紧紧玩弄视觉感官的艺术形式，他认为笔触应该是侧重关于心灵的，内在的、隐秘的、没有张扬的事物。这一点就可以看出新古典主义与浪漫主义之间明显地差异，也是同一时代不同艺术家表达自身审美与立场的一种方式，画家绘画的自主性已经越来越强，这种“差异”实则是艺术家间带有决裂性质的争斗。
我们再来对比一下德拉克罗瓦的与安格尔所画的人体，德拉克罗瓦的人体是用笔直接涂绘的，中间可能掺杂一些间接画法，但是和安格尔的画法是不同的，安格尔的人体传达出了一种古希腊雕塑式的美，非常地健康也非常地优美、雄壮。而德拉克洛瓦所画的女人体则更加接近现实一些，她不但没有美化甚至还透露出了疲倦之意。这二人之间，我们可以看到不同的艺术趣味和安格尔对绘画的明确的理解。
德拉克罗瓦 女人体
德拉克罗瓦自画像 在德拉克洛瓦的绘画中，可以看出他融合了很对自己对绘画的理解，并且用笔去把形象刻画得有表现力。安格尔推崇线条，也会注重光影的表现吗，从光影中暗示出表现对象的性格，安格尔在历史画上的成就并不高，在肖像画上更有建树，在绘画肖像时我们可以窥见他高超的观察力，他绘画中的形状、线条、光影变化的表现都是非常克制的，然而在克制中却能把对象表现地很充分。
德拉克洛瓦 人体习作
安格尔 贝尔丹先生 ▌塞尚、毕加索、大卫霍克尼等 安格尔对后世的艺术家们影响深远，这之中还有被誉为“现代绘画之父”的塞尚，也有过对绘画风格的纠结，他在早期是比较偏向德拉克罗瓦的“涂绘”的绘画方式，然而到了晚期，他的内心似乎想要回归古典，他的作品就是最好的阐释。
塞尚作品 毕加索对安格尔也有很明显的借用，毕加索经历了自身早期蓝色时期、粉红色时期，就到了他古典主义风格的时期，他以非常古典主义的风格描绘了自己的妻子。
毕加索 欧嘉的肖像 大卫霍克尼也与安格尔有“邂逅”。2000年大卫霍克尼参展，并带来了他的作品“邂逅”，他将四个现代人的素描与四个古代人的素描放在一起比较，古代人的素描都出自安格尔之手。我们可以在这样的对比中看到一种穿越古今的形象关联。
大卫霍克尼 邂逅 在艺术史很多伟大的艺术家，对后代艺术家的影响都很大，安格尔就是其中之一。每一个艺术家都会在这种影响当中找到自己关心的某个线索。我们在的回顾安格尔的时候，会把他归到古典主义，他强调稳定的东西以及对永恒美的追求，他很单纯的也很明确。 所以，我整个的讲座，定了“单纯的力量”这个题目。也希望大家通过这个讲座，能够更多地去了解安格尔。 |
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