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翁诞宪，1954年出生于福州，1978至1982年中国美院油画系本科，1982至1985福建师范大学艺术系任教，1985至1988年中国美院硕士研究生，毕业后留校任教至今。 历任中国美院附中副校长，中国美院教务处长，中国美术学院教授、博导，油画系历史与主题性绘画工作室主任。中国美术家协会会员，中国油画学会理事，浙江油画家协会副主席。 作品参加第七、九、十、十一、十二届全国美展，中国油画学会《中国精神》《吾土吾民》等展览，参加国家重大历史题材创作工程、浙江文化历史重大题材创作工程、《百年追梦》浙江美术精品创作工程、宁波市重大历史题材创作工程。作品被中国美术馆，中国人民革命军事博物馆，浙江省美术馆，中国美术学院美术馆，浙江省文化会堂浙江展览馆，宁波美术馆等收藏。出版专著《油画直接画法》、《油画风景》，个人画册《翁诞宪作品选》、《翁诞宪作品集》、《中国当代油画家风景写生画集—翁诞宪》、《当代油画家-翁诞宪》、中国美协组织的第三期 “深入生活、扎根人民”主题实践活动成员。
▲《静谧西川村之四》（本次参展作品） 纯度与强度——翁诞宪及其油画文 / 封治国
▲《静谧西川村之三》（本次参展作品） 在谈到自己的油画道路时，翁诞宪总是坚定而谦虚地用“执守传统”四字进行概括。从“七届全国美展”的《黄雨伞》开始，翁诞宪便以惠安女题材为中国油画界所熟知，近些年，他开始把目光和思考投向遥远的西藏，创作了一批颇具生命与情感温度的西藏组画，它以饱和浓重的色域，纪念碑般的造型气度再次引起大家的关注。
▲《黄雨伞》135cm x 145cm 作为全山石先生的高足，翁诞宪执着地在现实主义的学术领地顽强耕耘。他的目光总是在回望艺术史的深处，因为他知道，那里是他的源头和根基——“我们不敢说我们是完善的，但可以说是充实的”，翁诞宪如是说，既是对油画系第一工作室教学的思考，也是对自我创作心态的真实描述。
▲《晚钟》120cm x 180cm （中国美术学院美术馆藏） 作为油画家的翁诞宪有着很深的音乐素养，我不知道这是否与全山石有所关联，但可以肯定的是，翁诞宪于古典音乐研究中所获得的，不仅是精神的富足，更是对艺术道路的自信。这让我想起作为科学哲学重要代表人物的波普尔（Karl Popper），他在批判音乐领域的历史决定论时所说的一段话：
▲《赶海 》160cm x 180cm 艺术是自我表现这种学说，只不过是浅薄的、笨拙的和空洞的学说——虽然不一定是恶意的，如果不认真加以对待就会导致自我中心的态度和妄自尊大。但认为天才必须站在他时代前面的学说几乎都是虚假和错误的，而且开辟了与艺术价值毫无关系的艺术评价领域。
▲《那曲八月》60cm x 73cm 波普尔用音乐丰富了他对历史主义贫困论的阐述，或许，翁诞宪也由音乐清理了个人创作的逻辑线索和价值线索。更重要的是，无论是波普尔，还是作为波普尔好友的贡布里希，他们的理论都坚定地维护了古典艺术与伟大传统的尊严，在讨论翁诞宪的油画之路时，这是我脑中的第一反应。艺术家必须寻找一个合适的载体来表达个人的艺术追求。
▲《阿里青年 》160cm × 180cm 从惠安女系列到西藏组画、及至历史画，它们共同构成了翁诞宪的创作母题（motif）。这些母题所反映的，既是翁诞宪对生命感动与情感体验的理解，也是一位油画家对于“画什么”的思考和选择。一方面，他用最朴素的心态去贴近历史与现实，去理解和尊重他笔下的人物；另一方面，他也需要用这些打动心灵的载体，去一步步实现并诠释自己“怎么画”的探索历程，这是油画创作的本体论问题。从这个意义上说，题材既是内容，也是形式。
▲《朝圣》160cm x 180cm 纵观翁诞宪各个阶段的作品，他一以贯之的，是对色彩纯度和强度的渴望。无论是惠安女纯洁的蓝色，还是藏民沉稳的褐色，以及弥漫着神秘气息的大片黑色，甚至是《义勇军进行曲》（与全山石合作）天际的红色，都显示了翁诞宪内心对色彩的强烈诉求。他的画面有宽广的色阶，他喜爱在大开大合中建立画面的黑白结构和色彩秩序，用尽可能饱和的色块统筹画面情绪，色彩中似乎暗合音乐的和谐与张力，这是翁诞宪作品传达给观者的突出特点。
▲《从远山走来》60cm x 73cm 翁诞宪的色彩极为浓郁，他很多作品中的红色与蓝色几乎没有白色的介入，尽可能地保持了原始的纯度和鲜明度。有经验的油画家都知道，湖蓝、群青是极难驾驭的色彩，透明度高而覆盖力差，创作中一般只作为点缀而使用，若要成为画面的主导色调，稍有不慎，便容易陷入水粉般的轻薄与艳俗。就油画而言，惠安女绝对是一个好看而不好画的题材。大面积的蓝色，是横亘在画家面前的第一道技术难题，但翁诞宪最终攻克了它。
▲《远山的呼唤》160cm x 180cm 蓝色，构成了翁诞宪早期惠安女创作的主导色系。长期的摸索令翁诞宪对蓝色间的细微差异极为敏感，自然，他对颜料的选择也近乎苛刻，为寻找最符合心理需要的蓝色，他反复尝试了各种品牌，并终于在香港找到了心仪的一款——伦勃朗蓝（Rembrandt blue），这种蓝色既有他所需的高纯度和饱和度，且色相纯正、稳定性极佳，翁诞宪对之颇为满意。近二十年的积累，翁诞宪对于蓝色色系的运用已臻炉火纯青，《海岛女民兵》（2003年）、《渔汛》（2004）正是把蓝色运用到极致的代表作，浓而不艳、纯而不火，既保持了色彩的饱和与晶莹，又有油画材质的凝重美感。但翁诞宪并不信邪，他坚信惠安女题材还有更多的色域可供发掘。
▲《家园》160cm x 180cm 2011年“吾土吾民——人文江南油画邀请展”中，翁诞宪以《鱼市》、《晚钟》与观众见面，《鱼市》（2004年）与《黄雨伞》、《秋水》等早期作品不同，高纯度的红紫色令人耳目一新，为获得色彩最大限度的冲击力，翁诞宪减弱了对人物的细节刻画，仅用自由生动的笔触进行概括，这与他以前接近古典主义的塑造方式有明显区别；创作于2006年的《晚钟》，其构图很容易使人联想起米勒的名作《拾穗者》，翁诞宪用黄色、蓝紫色表达海水退潮的傍晚时分，左右人物用大小不一的高纯度绿色提神，简洁中透露中作者对形式法则的高度自觉。翁诞宪用坚韧的毅力浸淫于惠安女题材研究，作为现实主义道路的忠实践行者，他的一系列学术成果无疑是严肃的，也是令人尊敬的。
▲《高原黄昏》60cm x 73cm 以《天路》为起点的西藏组画体现了翁诞宪近年来的艺术思考。如果说，惠安女所代表的，是翁诞宪对东方色彩的尝试，那么，西藏组画则代表了他进一步追求油画经典气质的努力；如果说，惠安女是明快的行板，西藏组画则是深沉的咏叹；在题材转换的后面，实际上是翁诞宪在“怎么画”问题上的再次探索。 大约从90年代后期开始，翁诞宪在追求色彩强烈饱和度的同时，逐渐放松人物造型的严谨性，转而强调绘画的书写性与表意性。作为一位标准的学院艺术家，翁诞宪有很强的造型能力，对细腻刻画的放弃并不意味造型的松散，而是向着更为自由的状态进发，这种自由我们在他的不少人体习作及风景写生中有所领略，但更为集中的，则是近期的西藏组画。
▲《义勇军进行曲》400cm x 480cm （与全山石合作，中国美术馆收藏） 浓郁厚重的色彩中，翁诞宪强化了构图的纪念碑性，强烈的明暗对比时常伴随有迅捷而概括的大笔触，《唐古拉山》（2012年）的背景是天边神秘的白云和地面的一抹阳光，它们都突出了色彩和笔触的独立价值；《朝圣》（2012年）更是在近乎纯黑的画面中挤出几块亮色，人物五官完全消失，但神秘而神圣的宗教氛围更为彰显，近乎董其昌所云“欲暗不欲明”的艺术境界。从探索色彩的纯度美感一路走来，翁诞宪在西藏系列中实现了纯度与强度的统一——这是一个崭新的高度。
▲《曙光初照》180cm x 200cm （宁波美术馆藏） 翁诞宪对油画色彩本体语言的重视，显然与他的恩师全山石有密切的关系。曹意强曾这样谈到全山石，他说： 我国的油画，在再现性造型上取得了长足的进步，从今天的世界画坛上看，论形体塑造的技能，我们恐怕已超过许多欧美国家的画家。然而，全山石认识到，中国油画的问题恰恰也出在这里，中国油画普遍缺乏欧洲油画的韵味，缺乏那种富有质感的“奶油味”，除了忽视油画形体塑造的触感之外，还因为不够重视色彩本身的表现力。欧洲有位批评家在评介传统油画时说过这样一段话，可以一字不改地形容我国的油画普遍状况，英国当时还“没有纯粹依靠色彩的绘画，犹如尚未产生依赖纯粹依赖声音的交响曲”。而在全山石青年时代，我国油画家仿佛普遍习惯于用色彩画素描。这位批评家认为，当时的英国油画中只有特纳是个例外。在这方面，全山石堪称我国的少数例外之一。在他所画的风景和许多人物肖像上，色彩是占主要地位的绘画手段。
▲《冲绳岛战役中美军解救日本孤儿》 160cm x 180cm（中国现代史学会藏） 翁诞宪继承了全山石的衣钵，他几十年油画之路的重心都是在研究油画的色彩美感。2009年，师生二人合作并完成“国家重大历史题材美术创作工程”作品——《义勇军进行曲》，作品的动人之处，除了构图的气势及人物的塑造之外，最关键的，就是把历史绘画的叙事性转换为抽象的音乐性，这种音乐性的获得正在于他们独具匠心的色彩处理。《义勇军进行曲》以饱和鲜明的红色夺人心魄，调性强烈刺激，笔触果敢奔放，绝不拖泥带水，可以说，《义勇军进行曲》既是两代师生历史画创作的高峰，也是他们共同钻研油画色彩表现力的心血结晶。
▲《海岛女民兵》200cm x 320cm （浙江省美术馆收藏） 西藏组画一改惠安女系列的清新与明快，似乎有意在延续《义勇军进行曲》的崇高风格。《晚霞》（2010年）以鲜明的橙色调烘托人物的凝重，紫红色的藏民面部在塑造上不事雕琢，笔笔写出，快意酣畅；而《那曲八月》（2010年）更是翁诞宪同时期作品的上乘佳作，整体画面在逆光中显示了作者对色彩把握的高超控制力，透明而不失凝重，含蓄中蕴含典雅；边线处理也极为放松，天空的黑云用大笔触轻松带过，但造型颇为讲究，两笔高纯度的湖蓝颇有点睛之妙，令人击节；作为主体的牦牛在造型、色彩、质感及笔触表现上亦无懈可击，轻松灵动中不难窥见作者深厚的功力积淀。
▲《浙江保路运动》200cm × 400cm （浙江省展览馆收藏） 毫无疑问，写实油画是一条艰苦而漫长的道路，因为难，它吸引着无数人为之奋斗，因为难，它也经常让我们看不到希望，也看不到尽头。作为一位低调而深沉的艺术家，翁诞宪对其间的甘苦有着自己的认识，他总结说：
▲《1942-象山民众勇救美军飞行员》 200cm x 400cm（宁波美术馆收藏） 人总有征服的欲望，而艺术尤为如此。把欲望付诸行动的便是勇者，但这个过程也可能极为艰难和痛苦，而且还可能要面对失败。即便得到成功，那快感也是与他所承受的磨难成正比。正如之所以足球赛对男人有这么大的吸引力，就是因为进球太难了，太漫长、太艰苦、太不可捉摸、又太戏剧性、太技巧性、太机遇性了。又好比听古典音乐，有时当铺垫的乐章冗长得让你无法承受，而在这时清新的旋律天籁般的飘将而来，让人有历经磨难而获重生的感觉。这就是艺术之于艺术家。 在痛苦和磨难中，翁诞宪不断挑战自我的极限，他在纵向的挖掘中追求写实绘画的语言深度；在心灵与现实的反复碰撞中完善个人风格，确立明确的艺术姿态；在翁诞宪的心目中，色彩表现的清澈与透明、色彩语言的纯粹化与个性化，就是他矢志不渝的努力方向。（文章有删减）
▲《渡江战役》260cm x 350cm （中国军事革命博物馆收藏） 扩展阅读向人民汇报——30位中青年美术家“深入生活、扎根人民”主题实践活动作品展
▲开幕式嘉宾合影 由中国文联、中国美术家协会、中国文学艺术基金会共同主办的“向人民汇报——30位中青年美术家‘深入生活、扎根人民’主题实践活动作品展”，19日在北京炎黄艺术馆拉开帷幕，展出了30位美术家的260幅作品。
▲中国美术家协会分党组书记、驻会副主席、秘书长徐里讲话 为践行“绿水青山就是金山银山”理念，中国美协统一部署，多部门协力，组织多期多批美术家集中到浙江丽水、古堰画乡采风写生。参展的这30位中青年美术家，就是其中极具特点的一批。
▲开幕式现场
▲开幕式现场 “30位参展作者具有鲜明的共性，他们长期扎根生活，所表现的对象是经过长久观察后对生命、生活的一种提炼，在情感上是质朴而丰厚的，在创作语言上是独到而多元的。”中国美术家协会分党组书记徐里说，“时代在变迁，社会在发展，但以人民为中心的创作准则没有变。没有人民的源头活水，没有生活的滋养启发，不可能催生优秀的作品。”
▲领导及嘉宾参观展览
▲展览现场
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