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作为一个歌唱演员，站在舞台上，首先要想到与演唱歌曲相 关的五个W,一个H。即：（1）Who——我是谁？（何人）（2）What——怎么回事？（何事）；（3）Where——在什么地方？（何地）；（4）When——什么时间？（何时）；（5）Why——为什么？（目的）；（6）How——怎样做？ 只有弄明白这五个W一个H，才能准确把握所表演角色的情感和作品内涵，准确呈现出特定情境中的典型人物以及音乐作品风格。如果自己不明白这五个W一个H，不明 白自己在唱什么要表达什么，观众将更加不明白。演唱外国歌曲同样，观众也许听不懂语言，但你如果能准确诠释精彩呈现的人物内心及情感，一样可能深深打动观众。在我还没有学习声乐之前，读初中时就曾经被一段经典歌剧咏叹调感动得热泪盈眶。 *作为一个演唱者，平时要做的事，就是严格有效的声音训练。要练到张口就能达到要求。上台时最忌讳想发声位置、气息、声音等问题，否则必然导致你难以进入角色，更不能全身心投入地表达作品。每次表演上台前，从化妆时起，就要进入角色，安静投入地酝酿感情，切不 可匆忙慌张上台。 针对现场个性化教学中存在的带有普遍性问题，廖大师指出： *我与作曲家有同感，一个一流的作品，有可能被三流的首唱变成三流作品无人问津或被人遗忘，而一个三流作品，也可能因一流的首唱变成一流作品广为传唱。所在，作为一个歌唱演员，要高度重视二度创作，除了要整体分析作品，弄明白五个W,还要逐字逐字去琢磨---每句的语气、逻辑重音、画面感等等，只有你真正明白了自己在唱什么、该怎么唱，想表达什么，观众才会明白，只有你自己感动了，才能感动观众。如《桥》，水乡的小桥姿态多 ，石板缝里长藤萝，三步两桥连水港啊，条条玉带映碧波－。这几个字是逻辑重音，演唱时在语气中要强调这几个关键字，才能更好地呈现出画面感和音乐的韵律，表达主人公对家乡深深的思恋之情。其实歌曲与绘画相通，歌中有画，画中有歌。演员要生动再现之，就必须出声前就做到心中有数。所以，作品分析要做足案头准备，声音和表演都要努力描绘画面，生动塑造人物，充分体现情感。（廖大师画画也有功力，前一晚与画家们切磋，作画） *作为一个歌唱演员，咬字吐字十分重要，要掌握各种语言的特点。汉语是单音 节，辅音要快速到位，元音保持。普通话有四声，调值要对，归韵要好。不要以为美声唱法咬字吐字就是含糊不清的。切不可在国外唱中国歌糊弄外国人，在国内唱外国歌糊弄中国人。 *美声演唱中国作曲也应当做到字正腔圆，歌词要清清楚楚。但演唱时不能一个一个字地“崩字”，要注重每句的处理，各段落之间的关系和对比，以及整体的表达，淋漓尽致地传情达意。如宣叙调与咏叹调。（宣叙调是介于朗诵和歌唱之间的带有一定音量的道白，旋律性不强，节奏也较自由，多在人物对话时使用。咏叹调是一种篇幅较长、音 域较宽、技巧复杂、结构完整、旋律优美、富于抒情性和戏剧性的大型唱段。它常在剧情发展的重要时刻、表达人物内心活动的矛盾冲突时使用，以刻画人物形象，推动剧情。咏叹调还常作为独立的声乐作品在音乐会上演唱。）演唱和表演时要注意二者区别。再如《桥》开头第一段是叙述，含蓄一些，平静一些，呈现水乡画面美，音量不要过大，第二段是高潮部分，情感表达更加激动深沉，演唱上要更加动感，人物形象描述要栩栩如生，音量、速度要与第一段都有变化。 *声音要为作品服务。对美声唱法有一种误区，认为声 至上，往往忽视作品内容和情感，所以不接地气，远离了人民群众。其实，并不是每每雄壮响亮就是好声音，最能打动人的声音往往是弱声。歌唱中，要根据作品内容、人物情绪，用心调节好音量、气息、音色等等，力求使声音更好表达句的内涵和人物情感。举例：“我在南彊，你―――我的知音，我的姑娘”，从声音到表演，都要求全情投入，要有角色感，从心里唱出对爱人的深深思念和炽热情感。 *男高音上午歌唱不容易，但不能因此躲声带，这样会出问题。早起练声要多在中低声练习，不要在身体、声带还处在睡眠 状态急着练高音，以免拉伤声带。 *美声歌唱中，声音位置不要过于往后靠，声音不要往里吞，要高位置深气息往外送。咬字吐字在始终在腔体里，不要忽上忽下，忽里忽外，唱高音时下巴不要往下往里拉，上嘴唇、鼻翼要积极（类似李克老师方法），身体不要僵硬。 *歌唱中表演很重要，要有角色定位，要有主动交流意识。积极与台下各区域的观众进行交流，不要低头看地或盯着一个方向。可利用舞台空间走动表演，不必拘泥站着不动。 *选择适合自己声音的歌曲。如果你是一个抒情高中音（或高音），最好不要选择戏剧男 中音（或男高音）的曲目。以免伤了声带。
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