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“质感”在绘画中是什么意思？
通常我们说到质感，一般就会说起四大材质：镜面反射，漫反射，子面反射，透明体。 这些知识互联网上或者教科书上比比皆是，写的非常详细，在这里就不加累述。从绘画的角度来说要控制好质感，实际上诀窍在于高光的锋利与模糊。 打个比方说，就好像是水灵的大眼睛和死鱼眼的差别就是在高光形态上的不同。当然如果是子面反射和透明体与镜面，那么它的暗部形态是不一样。   《The Sisters (Eleanor and Rosalba Peale)》，伦勃朗·皮尔，1826  《Girl in a Japanese Costume》，威廉·梅里特·切斯，1890回到绘画技巧来说，几乎国内的学习者对高光的认识普遍都不足。 原因是在于我们训练素描是在白纸上绘画，通常连灰面都画得还不够充分，更不用说高光。  现代常见以白纸画素描，来源于网络  《The Head of the Virgin in Three-Quarter View Facing Right》列奥纳多·达·芬奇 在有色纸张描绘素描而西洋绘画的学习者大多是用白粉笔或颜料进行高光的描写，要充分表达好质感的第一关就是高光的几何形状、边缘的虚实，明度上的推移，它们都在一个非常狭窄的范围里，非常复杂细腻。  《A Study for Christ for ‘The Elevation of the Cross’》彼得·保罗·鲁本斯 1609所以绘画的大难题向来是在宏观上的构图精准和微观上的高光丰富。用现代技术去透视伦勃朗对高光的描写，会惊讶的发现在一平方厘米的范围里居然画了30多次。   《An Old Man in Military Costume》伦勃朗 1630无论是素描还是色彩，高光是造型金字塔上的塔尖，直接决定了体积的正确性和质感的合理度。高光由于材质的光滑会变得锋利，材质的粗糙变得模糊，这个不必解释，大家都能想象和理解。 高光的难度，是随着光线的变化，它可能出现在任何一个地方。这就需要描绘者对底层体积的组织方式有非常深的理解。 比如说一个绘画学习者对解剖很了解，那么颧骨在哪里是知道的，这个并不难，但是颧骨之上由于个体的不同，包裹的肌肉皮肤所形成的位置因人而异，同时加上光线的参数，高光可能出现360度任何一个地方，这时候判断位置的准确性直接导致了整个形体的特征是否合理。当位置和形状好不容易明确了以后。皮肤肌理的朝向，高光描绘的笔刷朝向就会产生不同虚实。 Male Portrait (The Lutenist Mascheroni) 安尼巴尔·卡拉奇，1593由此大家就可以看到：质感的描绘本身并不是一桩困难的事情，他的难处是。高光的位置与形态的确认，而这些信息的合理和正确，实际上是基于你对底层造型逻辑的判断。 绘画的困难并不在于表层感性的挥洒，难是难在底层理性的逻辑判断。 绘画的乐趣绝不仅仅在停留于自然质感的描摹，更在于对不同维度下造型的理解和判断，这种判断本身又会让我们去更加接近自我与自然的深刻。这是绘画带给我们的看不见的精神上的质感。 |
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