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hi，我是小白，又和大家见面啦。 最近在学习摄影中“形式”，有了新的启发和收获，以下呢，是我个人的学习心得，希望能给你一些灵感。 01 尤金·阿杰特的启发 一直以来，我觉得自己看到什么，就一定是对的。 如果事实证明我不对，那一定是世界的错。 但是最近听了《大师深度解析课》中对法国摄影家尤金·阿杰特作品中的形式分析，我深深地震惊了。 就是下面这一副。 这一节课，老师讲了视觉形式分析。他的原话是这样的： “在道路上，人们漫不经心摆放的椅子，似乎那些人才刚刚离去。而在此时，雕塑似乎带着恒久的、难言的悲痛，即将走下底座，走上道路；它要走入这个人的世界；而人的世界，却奇怪地空无一人，仿佛刚刚享受花园阳光的人突然消失了。” 这种异世界感，是怎么来的？我惊呆了。 我拍摄的时候，也往往会有“自己啊就是这么孤独的人”的感觉。看到什么漂亮的事物，不经思考就按下了快门。 我也满怀忧伤啊，为什么不会这样，体现在我的照片上。 脑海里一直回想老师说的“你的眼睛在作品呈现中，只是工具” …… 一直听闻“受过形式训练的眼睛”这种说法，我就在想眼睛如何被训练，如何利用眼睛这个工具。 那大师在拍摄时会考虑什么呢？ 老师说，大师会考虑画面的美术语言，光照、形式、色彩等。 大师在拍摄的时候真的这么复杂吗？我看他们拍摄其实很迅速啊。 我得研究一下这个问题。 02 学习心得 听完课之后，立马补读了《形式与力量》、《点线面》，算是对形式有了新的理解。 做笔记，什么是“形”呢？ 形就是物体的形状、形态。《点线面》中讲，世界万物看上去复杂，但其实所有的事物都可以抽象为点、线、面来呈现。 在康定斯基的世界里，点线面就如音乐，带给我们有温度感和力度感。 比如他说“当点的大小和形状改变，抽象的点的声音也相应改变。” 看到这句话我就觉得好抽象，有点难以理解，不过《点线面》这本书最后他给出来实例和解释。 啊，我好像稍微理解了一点，看似无规律的点线分割，由于线的粗细不同、点的大小与重量不同，居然会在平面上表现出不同的运动感。 戴上眼镜，赶紧扒拉一下摄影的材料。 史蒂芬·肖尔专门写过一篇文章《形式与力量》，其中也提到自己会在拍摄前，特意去寻找事物本身的形式，以及事物与事物本身的关系。 简略地摘要一下：史蒂芬·肖尔他认为三维空间坍塌在了二维图像中，并且其中的线条有着隐含着的相互关系，这些关系是一个整体，摄影师将其“框”在画面中，决定了画面有哪些元素，同时也固化了其中的秩序。 简而言之形式就是，对画面元素形式的高度抽象并组合来造势。 我立马去研究了一下他的照片。 比如你看他的两幅照片，你觉得哪一副画面更好？ 《美国表面》1972 《不平常的地方》 1973 两张照片，上面一张简单粗略，是35mm随手拍摄；一张形式张力齐备。以8x10大画幅拍摄。 可能有人会说这是因为工具不同，但工具是服务于艺术家的思路。 这两张的重要区别，是思路完全不同。 35mm所拍的这张，主要以直线和圆形为主，他们被零散的摆放，但线条之间好像没太大关系。 原本三维场景中，空间被镜头压缩得乱七八糟。主要体现在画面中线条散落、圆盘变成椭圆，结果圆心的点与其他线条毫无关联。整个画面只让人感到“散”。所以我看这幅照片就感觉“随意”。 再看第二幅 这幅早餐，由8x10拍摄，进行了透视调整，整个画面顿时严整了很多。桌面线条、纸巾与餐盘线条工整规矩，前后呼应。并且，交叉的餐具也成了画面中方形的支撑。而餐盘与donut的两个圆心重叠，并且与画面垂直，像钉子一样扎进了桌面里。圆有直线，相互之间层层叠叠，从右到左由繁至简。 如果形式利用的话有助于画面的空间塑造，你看。 第一张，由于透视造成了整个桌面的变形，桌面的物品散落，导致桌子看起来非常笨拙。桌面左角的画面占据过多，但又在画面中不起平面上的作用，导致整体画面给我感觉很平。 再看第二张，好多了呀。画面可以很规矩地切分为好几个不同的长方形，规规矩矩地拼在一起。 仅有左下方1/8处有餐桌之外的空间，相对第一张就有了一层一层的感觉，有上最冷蓝色和黑色放在整体黄暖色调的后面，把整个空间就推出去了，空间立体感就出来了。 假如说第一张《美国早餐》看起来是招待漫不经心随便摆盘，并不能体现美国的严谨的话，那么第二张顿时就有了美国文化中的日常的简洁与严谨。 想起在纽约的diner中吃早餐的场景，总是感觉，第二幅才更适合在纽约用餐的体验。 无论街角diner里热情的墨西哥大妈，还是中产阶级的steakhouse，在对待食物与餐具这件事上，总能让你感觉到“这是美国人应该有的待遇”，那是一种尊重、简朴、不浮夸，时时刻刻体现在食物制作和待客之道其中。 史蒂芬·肖尔也一定感到了这种“美国人”的体验，所以选择了美国早餐作为对象来拍摄，而且在以35mm拍摄后，又不满足地开始用8x10拍摄。他选用的这个视角，合理地将食物到文化的高度层次体现出来。 联系起文化与美术来共同研究一张照片，居然有这么多收获！ 回到自己拍摄上考虑，学到这些，究竟怎么运用呢…… 毕竟在我的拍摄中，总是同时有近景、中景、远景的区分。并且有日常事物，与宏大风景的区分。 拍完早餐，我就喜欢拍街道、人像；有时远足，又要跑到山里去。 突然又想到，老师课中有提到“大景和小景的拍摄是一样的，只不过你在拍摄宏大的场景的时候，你把宏大的点线面微缩在底片上；拍小景的时候，你需要从微观的角度去寻找点线面，去寻找你的纵深。” 进一步思考。刚刚的照片里，拍摄的是中景、近景。也就是说在微观上刻画画面。 那么宏观的画面，史蒂芬·肖尔如何观察呢？ 我又找到了下面这张。
《不平常的地方》1979 从形式分析来看，肖尔所做的也是场景划分啊！
选用的视角处在较高处，这样，前后景就在照片平面上被拉到了三等分的状态。而河流的曲线流动，使得画面更活泼了一点。人物在宏观的场景中抽象为点，呈三角形散落在中景，加上本身胶片颜色，真是好一幅美国山川照啊。 当我再回看阿杰特的这张照片时，终于领悟了老师分析他的形式。
尤金·阿杰特的照片几乎无法重拍，原来是因为他大量地利用了球和圆来占领空间啊！只要画出圆的分布，就能看到，原来一副阿杰特的作品里，隐藏着大圆小圆落玉盘。 而且圆形隐藏在画面中，只引而不发。只有通过形式分析才能找到他的秘密啊！原来雕塑中人向下走下的趋势，是由这么多互相作用的力来实现的。 啊，大师还是大师，在拍摄前期就已经超越我太多啦！ 03 练习心得 光说不练假把式，于是呢，我就在一个天气晴朗的日子找了一个商场，开始寻找周围事物的形式。 一旦学过了形式分析，顿时发现眼光开始不同了啊。抽象地看待事物的时，我发现事物都有自己的形。 原来所见非所得，要记住形式、利用形式，才能在照片上建造出画面来。本来我想把习作都放上来，但是被老师打了大大的叉。 “你还没找到形式，先不要给人看”，他说。 他把我几大段的练习心得从文章里删掉，结果就是谁也见不到这些习作。虽然心碎吧但我突然就明白了，为什么从没见到过大师的失败之作。 因为他们的老师，也会这样严厉地训斥他们啊…… 但学习不能急，不可能一蹴而就，至少目前的我慢慢开始去注意事物的形式，慢慢来～
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