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原创 小越图书馆 2019-07-15 13:22:05 写在前面： 2011年至今，由于工作的关系，我先后采访了五十余位书画家，其中有诸如袁运甫、刘勃舒、杨再春等老一辈书画名家，也有闫平、孙玉敏、张龙新等中国当代书画界的中坚力量，还有我们敬爱的漫画大家缪印堂等先生。 2019年，我突发奇想，准备在这五十余位先生中，挑选40位在书画界较有影响的前辈集结成册，暂命名约《锋芒》。 杰出的艺术作品，不在于技法的高低，事实上国内外一流艺术家和二流乃至三四流艺术家在技法上的差异并不大。到底是什么影响着一幅作品的成败呢？正如我在此文中所言，在于艺术家本身的文化底蕴，以及对作品精神内涵的表达方式。 一幅杰出的艺术作品，是有“魂”的。技法可以通过努力练就，而“精神”与“文化”，却需要丰富的人生阅历和文化积淀。 今天给大家介绍的这位艺术家，就是我们的老前辈——八旬老人马振声先生。他是通过什么打响了自己的艺术名片的？又是如何表达人物之“魂”的？相信，通过这篇文章和少许作品，我们可以得到一定的启示。  马振声先生 幽暗的月光映射着一株老松，蒲松龄背向而立，侧目而视，两道犀利冷峻的目光向远方无尽延伸。左侧，一株歪斜的老松的枝叶倾泻而下，几只狐狸仿佛与老松融为一体，在繁茂的枝桠间若隐若现。这样一幅灰黑色调的水墨经典所述写的不仅仅刻画了一位文学大师的生命故事，也讲述了关于那个时代，关于那本“鬼狐有性格，笑骂成文章”的《聊斋》的故事。  《聊斋》 1991年 这幅作品被无数人临摹过。早在1999年，马振声先生在中国美术馆举办“马振声画展”的时候，这幅《聊斋》就引起了不小的轰动，最终成为首届全国中国画展金奖作品。 仅从这幅作品中，我们就可以看到先生美术创作的鲜明特点：通过将水墨写意与现实主义的写实在形式上的结合，马振声先生可以说是中国当代写意人物画的一面旗帜。 影响中国现当代人物画发展的两个人：徐悲鸿、蒋兆和 徐悲鸿先生  蒋兆和先生 “20世纪以来，中国画里最突出的成就就是人物画，它超过了山水和花鸟。”中国美术学院教授薛永年说。 这样的判断显然不是空穴来风。在山水和花鸟画普遍存在“千篇一律”现象的现当代，人物画最容易彰显作者的精神内涵和文化底蕴，当然，也最考验画家的文化修养。正如作家写人物传记一样，写人最难写的是“精神”，绘画亦如此，如何用笔墨表现出人物的精神内涵（即“魂”），是一幅作品成功与否的关键。 追溯近现代人物画的发展历史，我们会发现，影响当今人物画成就的最具影响的两位艺术家，就是徐悲鸿先生和蒋兆和先生。他们将西画的一些理念与中国水墨相结合，用这种新的绘画方法将明清以来比较衰落的人物通过艺术的形式推向一种新的精神高度。而纵观马振声先生的作品，显然是很好地继承和发展了两位先生的艺术理论，并且在创作中不断摸索，数十年来始终沿着这样的一条路子扎扎实实地前进。 中国画与西画该怎样融合？马振声先生的整个绘画生涯就是“中西合璧”的。 他在读中央美院附中的时候，就是学西画的，有着扎实的西画基础，并且对版画和雕塑都有研究，有很强的造型能力。但是在考入大学之后，他却放弃了对西画的深造，改学中国画。 但是中国画与西画是完全不同的两种艺术表现形式，在审美观念和审美习惯上是几乎没有交集的，而且二者之间的转换也是比较难的。西方绘画艺术偏重知觉，注重色彩表现和空间，是一种直观的艺术表现形式。而中国画却注重意境，是一种由内而外的表现形式。 这个矛盾让马振声感到困惑：如果没学过西画，可能就不会有西画的思维方式，也看不到体积和光线的问题。但是当你拥有西画的思维方式，却又要用中国画画出来的时候，你会发现单纯的毛笔和宣纸是不足以表现胸中之竹的。反过来，如果用西画的画法去画，中国画的意境也会丧失。这两种思维方式的碰撞成了马振声先生艺术创作的瓶颈，很难突破。 为了寻找西画与中国画的交集，他在研究五四以来极具变革思想的徐悲鸿先生和蒋兆和先生的作品之外，经过反复的实践，终于发现了中西合璧的方法——他集中中国传统水墨技巧与西方造型手段于一体，在写实与写意之间架构全新的笔墨技法，由此极大地丰富了中国水墨人物画的表现力，使中国水墨人物画由传统的对人物精神风貌的表现转换为对人生、人性的人文关怀，成为呼唤仁爱精神的载体。 这样的突破在马振声先生1979年创作西藏题材的作品《酒歌图》中充分地表现出来，成了他艺术人生的一个重要里程碑。  《小舟从此逝江海寄余生》2000年  《羲之爱鹅图》 2010年 蒋兆和先生的传人我多年前采访马振声先生的时候，当他回忆自己的艺术生涯时，提起最多的就是蒋兆和先生。他是蒋先生文革前所带的唯一一名研究生。蒋先生作为20世纪中国画从古典形态向现代形态转换过程中划时代的大师，他的作品学贯中西。与传统文人画不同的是，蒋兆和的作品更多地体现出了一种人文精神。他着重于历史人物肖像画的创作，如《杜甫》《曹操》《李白》等。在蒋兆和先生的影响下，马振声也坚定地站在东方文化的土地上，融会贯通昨天和今天的源流，在努力把握历史人物精神风貌特征方面深入开掘，把笔墨表现的气韵与塑造对象的深刻性结合起来，用诗意的绘画语言塑造人物形象，形成一种淳朴平实、完整饱满、富有张力的个性化语言范式。  《陆游》 1986年  《曹雪芹》 上世纪80年代以来，马振声先生创作的《爱国诗人陆游》《诗人杜甫》《屈子行吟图》等一系列以沉雄博大、抑郁悲情的历史英杰为主题的作品，表现出了历史人物慨然长叹的悲壮人生和忧国忧民的情怀。 历史人物题材作品非常考验画家的能力。历史人物，尤其是千古流传的文人形象，是被广大群众所熟知的，画家如何通过笔墨创作出让人满意，甚至超越人们心目中已有的人物形象是非常难的。“要创作一个经典的人物形象，首先要很好地研究人物，了解时代的背景，人物的背景，阅读人物的传记以及大文豪们的作品。通过大量的知识储备，使所要表现的人物立于眼前，生于心底，想必这样的作品才能被人认可。” 然而，当艺术产生一定影响力的时候，诱惑也随之而来。有人给马振声支招：“你画的历史人物题材的作品这么受欢迎，应该加大数量，画100个历史人物，可能会有更多的收益。”马振声听后却直摇头：“100个人物我画不了。不仅仅因为精力和时间不够，我只想画我心中的偶像，他们身上的某些东西能够真正触动我，我才能有感而发地创作出来。单纯去凑数，我还真没什么兴趣了。” 他的这种来自于艺术家的文化使命感，和严谨的治学态度，使他笔下的形象真实、感人，也让马振声这个为艺术而执着的画家充满了魅力。 当马振声先生在继承恩师蒋兆和先生在历史人物题材创作上小有成就之时，有人又曾提出，马振声是否也应该画一幅像蒋先生《流民图》一样的作品？他再次摇头：“我是创作不出像《流民图》这样的作品的。蒋先生之所以能创作出那样经典的作品，是因为他生活在那样一个特殊的年代。他曾亲身感受过那个时代苦难的生活，他曾经穷困潦倒，曾经忍受饥饿、痛苦，那种源于生活的感受是旁人无法模仿的，更无法超越。”  《流民图》  《流民图》局部  《流民图》局部 《流民图》局部 笔墨当随时代艺术所反映的是一个年代，笔墨的皴擦点染所展现的都是那个年代的故事。其实马振声先生有属于他自己的故事，以及他所生活、生长的年代的故事。 1964年，为了大学毕业创作，马振声先生深入到太行山脉腹地，只身来到位于河北一个叫淴淴水的小村子里体验生活。他住在农民家里，吃农家饭，每天走几十里的山路写生，还为当地的小学生义务授课。他被那里迷人的风景和淳朴的民风所吸引，忘我地生活了3个月，创作出了农民群像作品《天下大事》。 也正是这幅作品和这段生活让他爱上了太行山：“我想把我一生的时间都献给太行山，把太行山丰厚的历史和淳朴的人文风貌真实地再现出来，着力表现那里的人，那里的山光水色。”但是命运弄人，1973年，马振声先生阴差阳错地被派到四川，一呆就是20年。 到了陌生的环境，他开始有些失落，因为他再也看不到像太行山那样的风景，也见不到了那样的人。但是渐渐地，他在这个完全陌生的环境中找到了支点。他喜欢上了川人那样乐观豁达的性格，他多次深入四川农村以及甘孜、阿坝、大凉山等地区采风，创作出了《巴山夜话》《春醉八仙》《逢场》等一系列情意浓浓的乡土风情作品。 《牧场》2003年 我非常喜欢的一幅作品：《雪山下》 2003年 1977年，马振声先生还和同为画家的妻子朱理存到西藏生活了7个月，他被那些高原上被太阳照得像铜像一般的形象打动，他嗅着那股乡土味儿，用毛笔勾勒那里的男女老少和雪山草原，那7个月让他为艺术而疯狂。 1994年，马振声先生回到了家乡北京。但城市的生活无法打动他，他依旧关注着农民，而这一次，他将目光转向了西北。于是他和夫人多次深入到大西北，整个新疆几乎都布满了他的足迹。之后《葡萄架下》《戈壁龙沙起》等一系列充满新疆地域民俗风情的作品相继问世。 《月印平沙夏有霜》2007年 曲折的艺术之旅，实际上是马振声先生捍卫艺术本真的旅行。是这些肖像在告诉人们，这样的社会中还有这样一群人，过着这样的生活。 这些作品单一地看起来仿佛仅仅是这个社会的一角，但是翻阅马振声的画册，你会看到贯穿这些画面的是用水墨述写的完整而生动的人物画传。 艺术家简介 马振声，1939年出生于北京。1966年毕业于中央美术学院中国画系，获硕士学位。1973年到四川省美术家协会从事美术创作。中国美术家协会会员，国家一级美术师。1994年受聘为北京语言大学艺术系主任教授。1999年任重庆市国画院名誉院长。2007年受聘为中央文史研究馆书画院院部委员。中国美术家协会“蒋兆和艺术研究会”会长。
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