高效练琴，通俗的说就是两个人同时练习，你练一个小时能达到人家两三个小时的效果。
高效练琴，首先要合理分配练习时间，把基本功练习，练习曲和乐曲这三项的比重合理的把时间分配出来。一般来说，建议基本功比重最大，其次才是练习曲和乐曲。基本功是任何一个学乐器的人不可能抛开的基本点。基本功是熟练掌握好自己所学的乐器保持进步最好的方法。那么不可或缺的就是节拍器，还有校音器，最好琴前放一面镜子在旁边，用于观察自己的演奏姿势和手型是否正确，因为不正确的姿势和手型，都不可能达成高效率练琴这一说。那么我们想象一下，我们在练基本功时，眼睛盯着乐谱，不时看看镜子，耳朵听着节拍器，心里最好还能有和节拍器重叠的节奏律动，身体在好的姿势下拉二胡，如果这些都能一一兼顾的话，那就是在一个很专注的状态下去演奏二胡了。基本功本身来说音符简单，节奏单一，我们更有可能去把注意力放在以上几点上。那么，节奏稳不稳，音准好不好，音与音之间的转换是否自然，音色是否统一，就都在脑子里浮现出来了。
高效练琴还有一点，就是不要自嗨式练习，音符节奏对错不管，气息手型通通随意，这样的练习方式，等同于在水中生火，即便着了，也持续不了多久。所以我建议，把自己当做自己的照妖镜，一点不完美就请重头开始，即便成功完成后，也不要马上继续下一个内容，而是能够用多次重复复制的方法来固定练习内容，这是在实现效率练琴前最痛苦的阶段，但也是必经的阶段。当你熬过了这个阶段，我们就可以真正来谈谈关于效率练琴的方法了。
基本功如果能做到上面的一些细节去练习，一段时间后你的专注力和音乐素养都会有很大的提高。说白了就是自己对自己的要求，对音乐的要求变高了，这个时候你演奏出来的东西，本身的起点就不会低了。
接着来说练习曲，练习曲的意义在于，每一首练习曲，都是作曲家通过该乐器的技术特点或难点来针对性谱写的。所以练习练习曲前，我们首先要搞清楚自己练的练习曲，想要让练习者练习的目的在哪里；比如说有的是想锻炼你的耐力，有的是想加强你的连音。然后，一般的练习曲相对枯燥重复，那么这个时候，通过前段说过的针对基本功的练习方法，对音准节奏和对乐器的掌握度都有一定的火候时，至少一首练习曲百分之七八十的内容，是可以轻松完成的，那么剩下的那些，就是这首练习曲里的难点了。还是那句话，不要自嗨式练习。通篇走一遍下来后，用铅笔把难点圈出，针对性的反复练习，再结合前后乐曲的连接，保证把难点磨平以后，基本上一首练习曲的百分之九十就完成了。
还剩下的百分之十，那就是音乐了。每首练习曲都有强弱表情记号，这些是做音乐的基本要素。我一般会让学生夸张练习，就是看到表情记号就神经质的去相应的做强弱对比，这样的音乐听起来不见得合理，但一段时间后，你至少就会对表情记号变得敏感起来。（强弱表情记号的演奏每个老师和演奏者有不同的练习方法，这个方法不一定合理，因人而异。不要拍砖）
最后，来说说乐曲。乐曲是学习乐器的人最终目的，那就是演奏音乐。一首乐曲从拿到乐谱到可以上台表演，需要经过三个阶段。第一阶段，熟悉乐曲；拿到乐谱的第一件事不是马上用乐器练习，而是先唱先听。现在基本上要想找到各种乐器乐曲的音频视频资料都不是难事，先拿着乐谱去听，用铅笔把分句和气口画出来，然后对着乐谱反复多唱几遍，对曲子有一个比较清晰的了解。有时间当然也可以去查找下作曲家的背景年代，更多层面的去了解乐曲。做完这些准备后，我们就可以进入第二个阶段了。
第二个阶段，是练习期，这个阶段大致和练习曲的练习方法一致，补充一个很关键的点，那就是“慢练”“慢练”“再慢练”(重要的事情说三遍)。美国伊斯曼音乐学院的一位教授教过我一个理论:“五十遍正确的慢练，一遍正常速度的练”。所有的乐器练习都是记忆性练习，如果练习者一开始演奏时有存在错误的音或节奏，一旦形成习惯后，改起来很不容易。所以，慢速的练习下，所有的问题都能更有效的去反应和掌握，往往通过反复的慢练后，一些程度达不到的技术难点，在回到原速后也会变得没那么困难了。经历过第二个阶段后，这首乐曲的整体框架已经基本构建完成了。
最后一个阶段，塑造期。一般练习一首乐曲一段时间后，都会出现疲劳期，审美疲劳。特别是乐曲的技术障碍都基本解决后，那么这时候我们则要去给乐曲加工润色了。塑造期要下功夫的在于两个方面，音色和音乐。
先说音色，好的音色是演奏者自己脑子里有所想象才能形成的。通过大量的基本功和练习曲垫底，这个时候已经能对乐器掌握和基本音色有所把控，但要形成属于自己又被大家认可的音色，首先脑子里得有这种概念。我说两个例子:
一，我们常见到音乐学院里有那种“练琴狂魔”，我见过最夸张的几乎连晚上睡觉都睡在琴房里了。但可悲的是，无论多么大量的练习，脑子里没有好的声音概念，演奏出来的音乐还是不好听。这种好听的音色不仅仅是让内行人觉得好听，很关键的是让外行人也觉得好听。外行人才不会管你演奏的是莫扎特还是贝多芬，人家只会被声音和旋律所吸引，所以吸引人们对你演奏的音乐感兴趣，首先你得有打动人的音色。
二，大学时参加过一个夏令营。那年的驻团钢琴家是勃朗夫曼和阿格里奇，关于这两位音乐家的成就与背景，你们完全可以百度出来。有一天是两位大师先后跟乐队和伴奏。先是勃朗夫曼的《贝五》钢协，做为一个欧洲各大主流乐团每年都会有演出合约的钢琴家，当然是很棒的排练了，无可挑剔，无论技术还是音色都是绝对赏心悦目，何况还是贝五钢协那么著名的曲目。然后换成阿格里奇的《贝一》钢协，说实话稍微有点冷门的作品，中间休息时看到阿格里奇跟调琴师时耳语了几句，调琴师按她的吩咐调整了一会，然后她上琴，第一个触键下去，整个排练厅都安静了。同一台施坦威，出现了完全不同的一种音色，太美妙了，所有人都屏住呼吸去聆听她的演奏，仅仅只是活动手指而已。这不仅仅是调琴师的功劳，而在于演奏家本身对音色想象和乐器的掌控。真正好的音乐家会知道怎么去调配乐器的音色，而达到自己的理想效果，这些不是光靠练习能出得来的，而是需要思考和想象。不然，为什么再小规模的音乐会，演奏者或乐团都需要走台呢；走台的目的不在于多一次练习的机会，而是通过舞台或剧院的现有条件，通过演奏者的理解和对乐器的掌控，找到最完美的音响效果和音色罢了。
然后，我们来说音乐。这里分享两句话，估计任何一个对音乐其定义的书上都会有。1.音乐源自于生活。2.音乐是一种语言。
我们练习乐器最终的目的不是演奏乐器，也不是乐谱搬运工。我们是在演奏音乐。那么音乐就需要情感和内容。关于第一句话，生活是什么，无非就是七情六欲，柴米油盐，所以到了这个阶段塑造音乐，我们要去尝试的为乐曲谱写自己的故事。有标题的音乐可以围绕标题去讲故事，没有标题的话，那就天马行空好了；
总之，乐曲这个时候在你脑海里每一段都有鲜明生动的形象和画面出现，那么这首曲子你就是演奏几百上千遍你也不会闷的。而关于第二句话，我的理解是，把你手中的乐器想象成一支麦克风，我们通过大量练习的目的，无非是把心中的音乐“唱”出来。只是不同乐器，这种演唱的方式不一样而已。基本功练习曲也练了，乐曲也过了磨合期了，故事画面也有了，剩下的就是看你怎么来拉，或者说怎么来讲这个故事了。
说白了，很多事情我们想有所成就，必须经历“简单--复杂--再简单”三个阶段，所谓的效率练琴，也就是经历过一切所知的复杂程序后，习惯成自然，回归到音乐本身的结果，这些东西说来轻松，要想做到，非常的难。别把目标定太高，比如说以哪个音乐家演奏家为目标，那都是扯淡。我们可以用跑马拉松的方法来借鉴，以一个比较短的距离来做为目标。比如说，我用两周的时间来解决适应节拍器的问题之类的小目标。练习乐器最大的痛苦，就是你今天发奋练习的目标，可能要在几天甚至几周后才能看到成效。而现今社会的整体浮躁情绪下，要做到这点。真的太难太难。所以，真正能做到效率练琴的人，必须得学会先思考后练习。我也经历过那么一段“思考三小时，练习一小时”的阶段。心里没有具体的所想和有效方法的辅助，练习乐器往往都是一种受打击，然后提高自信后又继续受打击的恶性循环。学习乐器加从事这个行业已经二十多年，真正体会到这点并能够在练习中完全实践的时候，自己早已过了黄金年龄，但俗话说“活到老，学到老”，什么时候真正动起来都不会晚。中国有句老话，“光说不练假把式，光练不说傻把式”，别做行动上的矮子。
最后，追加一个现有条件下最简单明了的效率练琴方法，那就是模仿加对比，当你对自己学习的乐器本身的音色或特性不是那么了解的时候，多去聆听比你好的人或者大师们演奏的音频视频，模仿他们的音色与音乐处理，本身也是一种事半功倍的方法。还有就是多多利用录音设备，你身处于演奏乐器的时候，不能发现问题很正常，但当你录下来后，回过头来仔细听，你就会发现自身的毛病和问题。不耻下问，把自己当做一块干海绵一样去吸收水分，永远不要把自己摆到一个比较高的位置，这时候，你的所有练琴时间看起来，都会是有效率有意义的。
