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周 京 新 中国美术家协会副主席。江苏省国画院院长。教授，硕士生、博士生导师。江苏省文学艺术界联合会副主席，江苏省美术家协会主席；中国国家画院特聘研究员，中国艺术研究院特聘美术创作研究员、博士生导师；享受国务院政府特殊津贴。 我是一个笔墨派 ——江苏省国画院院长周京新电话访谈  苏州写生之一 60cm×90cm 纸本水墨 我是一个笔墨派，我认为笔墨绝对不是一个束缚人的东西，而是一个能够激活人的东西。 采访者：正观美术馆记者（以下简称“正”） 受访者：国画家周京新（以下简称“周”） 正：这次展览名字叫做“正观味象”，将对回归传统做一个学术上的探索和梳理。那么您认为什么是传统呢？传统对中国画的发展有什么价值？ 周：中国画的传统是比较复杂的。明清以前，传统主题内核一直在步步延续，层层积淀 , 不断发展 , 这种内核也实际体现了传统文化精神 — 儒、道、释的交织，这是大的文化背景。就传统中国画本身而言，应该说五四运动以前的延续发展比较准确地传承了传统精神，五四运动以后的发展，则走得比较远，远到几乎自己不认识自己，利弊都是有的。概括起来讲，传统中国画语言的主体就是笔墨，无论是坚持、反对还是误解，都改变不了这一点。比较成熟的传统中国画笔墨语言至少有二千多年历史，在这么长的时间里，中国画一直在走构建笔墨、丰富笔墨、净化笔墨、延展笔墨的路，出现了一批了不起的大师，他们各自不可替代的贡献中有一个共同点，那就是：既文脉纯正又开天辟地。在我看来，笔墨是中国画之本，笔墨是中国画艺术表现的核心原则，所有构图、造型、线条、色彩、工笔、写意等等都是笔墨的派生系，都与笔墨相互关联，不可分割。在中国画的不断发展面前，传统是一个标准，这个标准的价值是一种永远不会衰竭的力量：支撑所有开了窍的好画家去纯正地开辟新的天地。  苏州写生之二 60cm×90cm 纸本水墨 正：吴冠中先生笔墨等于零的说法，意思就是“脱离了具体画面的、孤立的笔墨，其价值等于零”。您怎么看？ 周：一个画家如果断定笔墨的价值对自己来说等于零，是没有问题的，如果他还另有一番特别的、有价值的作为，那是很牛的，不靠笔墨也能画好画！但据我所知，所有真正算得上笔墨的东西，并没有一种是可以“脱离了具体画面”而“孤立”存在的。假如我说：脱离了具体的人的脑袋、孤立地存在着的头发 , 是价值等于零的头发……这有什么意思呢？这种正确的废话 , 说它干吗？ 我一向认为，传统中国画最独特、最有价值的东西就是笔墨，虽然它不是一个单纯技术性的东西，但它也绝对不是一个单纯精神性的东西，因为笔墨的独特技术性是无法回避的，撇开了技术性，笔墨就无从谈起。笔墨是一个很大很大的东西，是一个蕴含丰富的独特世界；笔墨也是一个很小很小的东西，是一种法度严整的独特技术。一味鼓吹精神，拿笔墨当遮羞布的，往往是技术低能、假装高深；一味强调技术，拿笔墨当劳动活计的，往往是精神苍白、徒劳无益；一味强调要传统，拿笔墨当祖坟守着的，往往是不思进取、难有作为；一味强调不要传统，拿笔墨当碍事儿的绊脚石的，往往是一知半解、不知所云。近一个世纪以来，专业中国画界对笔墨的认识每况愈下，是因为许多画家越来越不研究它了，越来越把它简单化了，越来越不懂真正的它了，以至于总是把它看小了，看空了，看偏了，看死了，最糟糕的是，把根本够不上笔墨的东西当成笔墨，最流行的就是直接拿速写当笔墨，好似把广场舞当成芭蕾了。  苏州写生之三 60cm×90cm 纸本水墨 正：您是在强调不要轻视对笔墨的研究，那么在您看来精神性和技术性是什么关系呢？ 周：我认为，笔墨的精神与技术就像血和肉，一定是不可分割的整体，厚此薄彼或一分为二都是自残行为。精神与技术的关系是相互依托、相互促动、相互生发、相互转化的。是笔墨，就应该精神内涵与技术质量俱佳并融为一体，且能呈显出独特的个性气象。技术质量差，精神内涵低，进而缺乏独特个性者，那都算不上笔墨。我是一个笔墨派，我认为笔墨绝对不是一个束缚人的东西，而是一个能够激活人的东西。 正：也就是说笔墨既要传承又要发展。既要研究学习，又要为我所用。这是否就是所谓的“笔墨当随时代”？ 周：笔墨“随时代”是自然而然的事情。元人的超逸，宋人的雍雅，值得我们学习借鉴，但不可照样子去“追”。一说学习借鉴就跟风，照样子去“追”古人的“风气”，是笔墨探索过程当中的一个误区，也就是说：一定要把自己装扮成古人才有笔墨，或者是若不把自己装扮成古人，笔墨就好不了，这就不是笔墨的问题了，而是我们这些画家的问题。 画画是个人的事情，你的笔墨如果不是你，“随时代”就跟你没关系，你的笔墨如果是你，你的画就是这个时代的。“时代”应该是由每一个独特的个性构成的，应该是多种多样的，可以有像天堂一样美好的东西，也可能会有像地狱一样苦难的东西，都是自然而然出现的。一个画家如果喜欢天堂的感觉，以自己的方式表现出来了，可能非常具有时代感；一个画家如果喜欢地狱的感觉，以自己的方式表现出来了，也可能非常具有时代感。然而，如果一个画家总想让自己变成嫦娥，或者变成钟馗的模样，那我觉得就有问题了，因为嫦娥和钟馗虽然都是好人，但老早以前就已经有过了，没必要再复制了。  苏州写生之四 60cm×90cm 纸本水墨 正：也就是说笔墨也好、时代性也好，都不能复制。 周：对！复制是艺术的陷阱；复制是艺术的地狱；复制是艺术的死敌；复制是艺术的一种灾害。如果我们认为某种很好的绘画风格里面体现了“时代感”，它出现以后，大家都照这样复制就“随时代”了，这是大错特错的。一切照搬照抄，雷同模仿，都是“随时代”的误区。 正：提到笔墨这种修养，您是否可以谈一下文化修养在中国画创作中所起到的作用，您认为艺术家所需要的修养都包括哪些？ 周：我认为文化修养应该是画家终其一生的追求，不能只是某一个时期、某一种阶段、某一种场合的需要，画家时时刻刻都需要修养自己，相当于人需要新鲜空气一样。但文化修养要避免一些误区，就是只注重知识层面积累，只注重画里做做效果，只注重嘴上说说快活，而忽略了一个更为重要的方面——自己的实际作为。我认为，修养首先看为人德行，即便是一个十分有个性的画家，也首先应该是一个德行达标的人。自以为修养很高，画得很好，很了不起，平时做人做事却损人利己，唯利是图，毫无顾忌，毫无廉耻，甚至没有底线，这种“修养”是缺德的修养。我相信，一切损人利己，唯利是图，毫无顾忌，毫无廉耻，甚至没有底线的“修养”支撑起来的所谓艺术个性都是不真实、不干净、不值得称道的。  苏州写生之五 60cm×90cm 纸本水墨 正：“人格高画格亦高”想必就是这个道理。那么感悟力呢？ 周：感悟力是画家综合修养中一个很重要的方面，“读万卷书，行万里路”是很重要，却替代不了感悟力。绘画是特殊的创造性劳动，一个好画家应该有一种能够灵魂出窍、天马行空的特殊感悟力。画家的感悟力如果不够，或者干脆没有这样的感悟力，那么再多的知识在他脑子里也会是废物，再好的毛笔在他手里也会像烧火棍一样，再怎么了不起的题材在他笔下也会成为垃圾。 正：您强调的一方面是修养，另一方面是感悟力。那么具体怎么做呢？ 周：修养离不开学习、研究、体验，真正用心去学习、研究、体验了，就会有效果，这些方面具体怎么做因人而异。有一点是共通的，那就是“善其身”，也就是洁身自重，善思善为，让自己的身心尽可能地保持洁净，让自己做人做事的底线尽可能高一些。其实，很多时候我们要面对的都是一些微不足道的小事情，比方说不随手扔垃圾，不随地吐痰，不闯红灯，遇到排队不插队，晚上开车尽量不开远光灯 , 等等。我每次出去写生都要带着一次性垃圾袋，每天结束离开的时候，一定要把周围的环境收拾干净，如果同行的人丢了烟头，我会让他们捡起来带走，他们捡不干净我就来捡，这样做我心里才踏实。 正：修养应该是反映到小节上的。 周：是的，小节是大节的影子，德行是修养的根基。若平时千方百计地攀权附贵，不择手段地追逐名利，转过脸来就号称自己在画里面有很伟大的精神追求，那一定是骗局，骗自己、骗别人 , 也弄脏了“艺术”这二个字。我坚信，高尚的精神与高超的技术一样，都只会在干净的地方生发出来。  苏州写生之六 60cm×90cm 纸本水墨 正：您对于写生的看法是什么？ 周：对于我来说，写生不是去打草稿或收集资料，写生就是创作。我喜欢面对实景、人物直接进行创作，现场完成作品。这时候我就像集编剧、导演、演员于一身，舞台不是在剧场里，而是在自然实景中。我喜欢这种自然的创作方式，眼前的一切都是鲜活自然的，那是一种滋养，也是一种享受。 正：那么写生与传统的关系呢？ 周：自古以来，写生与传统的关系就十分密切，外师造化，中得心源嘛。只是，现在西画观念主导下的写生与传统中国画的写生不一样，一个基本上是看着画，一个基本上是看了记下回去画，各有所长。 写生也是传统的一部分。不过中国画传统里面也有不足的地方，也有许多缺憾，比如传统画论当中许多说得很好的东西，实际上往往是做不到位的，就说“外师造化，中得心源”，是很了不起的，但我看只有少数大师做得到，大多画家是在师别人师来的“造化”，在得别人得来的“心源”，没有自己的作为。所以我一直认为传统中国绘画理论比传统中国画更了不起。 传统和写生的关联完全在于各自的感悟。我认为，通过写生可以感悟传统经典形成的路径，明白经典语言是怎么来的，以便自己去追求经典精神和品质，因为，堪称经典的笔墨语言一定是感悟造化而来的。写生是一种态度，是感悟造化、构建笔墨语言过程中的一种很棒的研究方式，体现出来的，则是一种讲求学理的科学研究态度。传统里的所谓“师造化”，往往更加注重修造境界，就是“得心源”。这样一种由外而内，内外交融的过程应该是人的内心生发灵机、外感而悟化、一种品位的升华。它是自由的，但也是有规矩的，那就是经典光芒照映之下，你的东西立不立得住。那也是一种为有创造潜质的人设置的标准限制，是谋求自由时必须挣脱的枷锁，也是构建新的完美时必须冲破的既有的完美。这两个东西看似是很矛盾的，像冰与火似的搞不到一块儿，而中国画恰恰就是在这种矛盾中寻求平衡和发展的。写生作为传统的一部分，过去、现在和将来都应该强调和追求经典性，无论是继承借鉴还是推陈出新都应该讲求经典。这就要求画家首先对经典性标准要有准确的理解认识，并真正对经典具有敬畏之心，真正在心里晓得好歹，而不是嘴上说着经典，手里搞的却是垃圾一样的东西。“外师造化”者真正能够“师”出名堂来，“中得心源”者真正能够“得”出感觉来，形成属于自己的经典，有实实在在、不可替代的贡献，在历史上留得住，那才是画家的本分！  苏州写生之七 60cm×90cm 纸本水墨 正：您去自然当中感悟到的东西，跟您的出发点，写意，写心……是由内而外的结合，是吧？ 周：是的。其实写意就是写心，技术层面的写意是精神层面的写心的一种实际呈现，所谓表现就是将自己眼睛里实际看到的它的那个它，搁在心里有标准、有个性、有章法、有目的地臆造一番，得出一个我的那个它。我认为，自然当中那些个原版的真家伙，对于绘画表现来说应该是有心有意地参照，并以我的方式取舍改造。这与无心无意只照搬，以及有心有意却不参照，是不一样的，前者会很被动，后者会很概念，一个丧失了自由，一个放弃了鲜活，都不是成功的写生。 正：您的作品是不是表达了对笔墨的热爱？ 周：是的，我热爱笔墨表现。笔墨已经成了我灵魂深处的一种自然畅意的释放，我喜欢笔墨表现所有的那种既很科学又很自由、既十分艰险又非常快活、既极端复杂又极端简单的活力。笔墨就应该是笔墨，笔墨更应该是“我”。 正：绘画是科学的么？ 周：我认为绘画很科学，笔墨的原理就是非常科学的。当然，这和自然科学不一样，绘画不强调必然性，但却是有规律可循的。绘画有自己严整的学理，当我们在“师造化”的基础上准确深入地把握住了这一学理的规律，继而修养成了能够灵活运用它的“心源”，并由此而直入真境，全无障碍地释放出自己神采……那是多么快活的事儿！  苏州写生之八 60cm×90cm 纸本水墨 正：对您影响比较大的画家，或者您特别喜欢的画家有哪些？ 周：我喜欢的画家古今中外都有，比方说：贯休、法常、梁楷、八大山人、徐青藤、任伯年、黄宾虹、德加、雷诺阿、塞尚等等，都是我喜欢的画家。以前我还喜欢黄山画派的梅瞿山，不喜欢石涛，后来我硬着头皮买了石涛全集回来，读过之后我又开始喜欢了。喜欢与不喜欢是可以改变的。不过我对任何一个自己喜欢的画家都决不去模仿，我觉得，他们值得我学习的不是语言形式和具体方法，而是潜藏在形式和方法里面的原理。 正：非常感谢您！我们的展览就是要对写生价值做一种新的探索。您对正观·味象这个展览有什么期待吗？ 周：我认为“味象”这个题目非常好，“味象”这两个字放在“正观”的后面，或者放在“正观”的前面，即“正观·味象”或是“味象·正观”都非常好。这样能够体现出一种当下视角对传统经典的审视，也具有一种标题设计的美感特质，展览标题的视觉美感也很重要的。正观美术馆在组织展览的时候，在考虑市场价值的同时，也很注意考虑学术价值，是非常值得称道的。但有一点对正观来讲可能会是一个一直有的难题，就是：每次都要找到一些好画家，这个的确不容易，我能理解，所以我建议不妨多去挖掘一些优秀的年轻画家。我觉得，年轻画家可能暂时不够成熟，但是只要有苗头，就值得关注和推介，比起某些很成熟、很老套、也很不敢恭维的“著名画家”，优秀的年轻画家一定更有价值。 正：谢谢您！  苏州写生之九 60cm×90cm 纸本水墨  苏州写生之十 60cm×90cm 纸本水墨 注：图文来自网上，如有侵权请联系删除。 |
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