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任何一幅优秀的绘画作品都能给人直观的视觉冲击力和感染力，因为绘画是一种再现的艺术，可以将现实世界中有意义的场景呈现给观者，优秀的绘画作品都具有神采意境，问题来了：作为艺术爱好者，你认为画家是怎样让自己的油画作品具有神采意境的？ 画家让自己的油画作品具有神采意境一幅油画作品中是否有“神采意境”，直接体现出画家的绘画艺术境界的高低，油画是以“色彩”为载体、“素描”为基础，所以，对素描的描绘，及色彩的把握和控制，有关画家的技法和艺术修养，唯有卓越超凡的技法和崇高的艺术修养，这也才能创作出具有“神采意境”的油画作品， 优秀的、具有“神采”的油画艺术作品能将画家的思想感情、精神气质和美的感受表达出来，并使观赏者产生某种情绪和美感；而“意境”是油画艺术作品所表现的精神境界，是画家以笔触色彩技巧，表达对自然界和生活现象的观察、思考、感受，通过作品抒发自己思想、意趣、情操，意境越高，越能显示出美的魅力。 经过上段文字的简单叙述，就容易理解了：画家是通过实现对色彩的把握和控制，以及擅长“写生”，从而让自己的油画作品具有神采意境，无论是具有透视效果的写实油画，还是没有透视效果，只剩几何结构的抽象油画，都是依靠色彩来塑造形象、表现主题、烘托氛围，主题鲜明的作品，才能进一步追求“神采意境”， 要让画作的“色彩”体现出它的生命力，及和谐统一的整体画面效果，就要通过“写生”来熟悉了解各种色彩的特性和视觉效果，现实世界中的万物都有各自真实的色彩面貌，从而将现实的色彩场景反应在画作中，深化画面意境；还有就是，画家经常通过欣赏优秀的艺术作品来提高自身的艺术修养。 你好亲，很开心回答你的问题 油画作品中的神采，个人粗浅的理解是，艺术作品中的神韵风采，精神气韵 比如一幅人物油画，其画家用画笔，自己的构思和才华，绘画功底展现的一个人物的精神风貌，精神气韵。 油画创作的题材是人物，风景，静物画 那么我们来聊一下油画人物画，如何用画笔，构图，色彩，造型，光影体现油画人物的神采。 西方美术史上的人物油画，颇具神采的油画人物作品数不胜数，同时，画家表达油画中，画中人物的神采的方式多种多样 由于油画风格丰富多彩，包括人物油画，细分为写实古典人物油画，写实人物，印象派人物油画，写意人物画，抽象人物画 我们就油画写实人物来说，如何表达写实油画人物的神采？ 1选择自己最熟悉最亲近的模特创作 为什么西方美术史上，许多画家创作人物，如画家罗塞蒂，夏加尔，莫奈，莫里索，伊丽莎白勒布伦，伦勃朗等画家，都喜欢以身边人为模特创作，比如妻子，女儿 画身边最亲近的人，因为你最了解身边人的性格，气质，精神气韵，生平经历 画一个陌生人，你必须创作之前和模特交流，或者和模特相处一段时间，你才能了解一个陌生的模特，有助于你画出人物的神采 如画家莫里索的作品《做梦朱丽叶》，以自己的女儿为模特，生动描绘了一个十五岁女孩拖着下巴，心事重重做梦的年纪，包含母亲对女儿的感情。 2如果画肖像画，胸像画，面部表情刻画一定多下功夫 如维米尔的作品《戴珍珠耳环的少女》，画中少女回眸的含蓄双眼，颇具神韵，画家维米尔在眼睛的艺术化处理上下了很大的功夫，突出神采，眼睛的刻画尤为重要 3画自画像系列 自己最了解自己，如果自己都画不出自己的神采，精神气韵，那么又怎么画出别人的神采？ 西方美术史上，伦勃朗，伊丽莎白勒布伦，梵高的自画像都很成功，画出了画家自己一生的经历，一生绘画风格的演变，通过自画像画出了自己对人生的深刻感悟，颇具神采。 不管怎么说，一幅油画到底有没有神采和意境，不是自己说了算的，还是要接受大众和专家的评定。所以，艺术家要让自己的作品具有神采和意境，也不是全由自己的创作思维来决定的。 艺术家在创作时，肯定会有自己的创作目的，到底是为了忠实表达自己的创作思维，还是为了迎合市场需求。有了这样的想法，一幅画的神采和意境也会有全然不同的效果。 艺术家和普通大众在欣赏一幅画时，审美习惯和审美角度都是不一样的。对于普通大众来说，还是习惯以画得像不像来评判一幅画画得好不好，殊不知，这已经是两个世纪前的评价标准了。 不再追求逼真的当代绘画，才是更像艺术本身的绘画。 在19世纪印象派之前，大工业时代还没有到来，照相技术还没有发明和普及，作为描绘和记录作用的绘画，总是在追求画得越逼真越好。毕竟，民众需要一幅逼真的肖像画来瞻仰他们尊贵的国王与前人，需要一幅尽可能还原真实样子的风景画来聊以慰藉，需要一幅拥有高超写实技法的作品来彰显大师画作的价值，需要把理想的美清晰描绘出来给自己的子民们看来维持统治。 古典艺术，是需要逼真的，因为它的目的，就是要让所有看到的人都明白传达出的内容。所以，那个时候的人评价一幅画的标准主要就是画得像与不像，也就是顺理成章的事情了。那些看上去生动而逼真的肖像画，一般都是为皇室和贵族人士创作的，所以艺术家的创作目的主要就是满足这些人的审美习惯和需求。 但是油画艺术发展到今天，不再是贵族们独享的东西，艺术家的创作思维更加自由了。在这样的时代，如果一个艺术家的创作目的并不局限于养家糊口的话，他的创作目的也会变得越来越广泛。这时候可能会在作品中变现出一些独到的艺术内涵，这些东西可能一般人不太好理解，却能表达出艺术家自己的诉求。
创作思维变了，审美习惯自然也会跟着改变。比如梵高的画，当时根本无人问津，无论是专家还是普通大众都很难接受。人们厌恶他狂放不羁的色彩和粗犷的线条，甚至觉得有些画面不堪入目。但是几百年后的今天，梵高的作品所表现出来的艺术魅力让无数人为之倾倒，会把他的《星空》印在画册的封面，也会把《乌鸦飞过麦田》挂在家里最显眼的地方。 这个时候，无论是艺术家本人，还是欣赏作品的人，都对艺术作品的神采和意境有了新的理解。
就算是那些雅俗共赏的写实风格或超写实风格的作品，也与印象派出现之前的古典写实主义风格有了质的飞跃。至少在色彩表现力方面，已经是不可同日而语了。何况，有了摄影技术的帮助，让绘画可以更加自由的表现情感与思想，创作起来也更为轻松。 由此可见，不同的绘画风格，不同的创作思维，不同的创作目的，就会在自己的作品中表现出不同的神采和意境。 作为艺术爱好者，你认为女画家和男画家在创作过程中，各自都有什么优势？ 绘画作品的风格的形成，与画家的师承、家学、名家影响，及继承传承技巧有关外，又与画家自身的个性、气质、艺术素养、审美情趣、立意，以至人品等各方面都有密切关系，问题来了：作为艺术爱好者，你认为女画家和男画家在创作过程中，各自都有什么优势？
艺术一向以来都显得那么神秘，让人琢磨不透，就比如，在绘画艺术史上，古今中外有名的女画家极为少数，男画家却是很多，造成男女画家人数比例相差甚大的原因，三两句话是说不清楚的；我们言归正传，谈论一下，女画家和男画家在创作过程中，各自的优势，
开篇已经简单说明了，绘画作品风格的形成的诸多因素，这和画家是男是女无关紧要，所以说，要具体说明清楚，男画家和女画家在创作时，各自的优势，也是一件复杂的一事情，只能这么说，各自的经历、个性、艺术素养、审美情趣，都是男女画家创作中的优势优点，
又由于自古以来都是“男主外、女主外”的工作分配，也就是说，男画家经常外出、交际应酬，领悟人心难测；女画家长期在家、社交较少，所以，男画家在创作时，表达的情感通常较为复杂，以反映社会的现实状况为主；女画家表达的情感较为单纯，描绘的大多数是理想化的生活场景，
还有就是，男性显得刚强粗犷、女性显得细腻柔和，这也导致男画家的作品画面显得气势磅礴，女画家的作品画面显得更加柔美；如果是创作人体油画，男画家的作品则显得更有情调，更容易刺激观者的视觉感受，女画家的作品则多了些含蓄，这都是因为男女画家在面对人体模特时，心理生理不同的反应，所影响出来的画面效果。
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