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画友秋林：我在网上教的形式色彩（绘画创作基础课）主要是形式与色彩的训练让大家触及到个人绘画创作，和自己发生关系，和自己的生活发生关系，去除约束习性，更加直接更自由的自我表达，以下是学员橙子对画家作品的分析 注我个人微博@画友秋林，会常分享绘画学习与作品推荐。 关注底部二维码加我个人微信 关注我的绘画课 课程推荐：如何最快掌握画面基本能力 1937年7月9日生于英国布拉德福德。如今被称为“英国艺术教父”的他，早在11岁时就知道自己要当一名艺术家，26岁时已名声大噪。 1953-1957 就读于布雷德福德艺术学院（Bradford School of Art） 1957-1959 在保院做勤务， 权充国民兵役，作为反兵役制人土， 可诮尽责 1959-1962 就读于伦敦的皇家艺术学院。当时主流引导的是抽象主义，但霍克尼全然不顾这些，他的画充满象征主义。 1961年 霍克尼首次来到美国，结识威廉· S·列伯曼，当时纽约现代艺术博物馆版画馆馆长。开始与安迪・沃霍尔(AndyWarhol)等年轻艺术家交往。 1962年 与设计师奥西·克拉克交友。与杰夫·古德曼同游佛罗伦萨、罗马、柏林。从皇家艺术学院毕业，获得金奖。 1964年，他来到了美国洛杉矶 ，迁居好莱坞，只因为那里有充足的“阳光、海水和性”。美国西海岸特有的鲜活艺术和强烈的日照不停地刺激着他的感官，连空气中都是荷尔蒙的味道，这些事物给他带来了源源不断的灵感。在加州他开始尝试用丙烯作画，新的绘画材料使他的作品呈现出新的面貌。在这里，霍克尼创作了许多与泳池相关的创作，另外还有很多肖像作品，每一幅都带着加州阳光特有的躁动。 从1966年开始，霍克尼开始探索更逼真地表现对象的方法，于是透视、空间、明暗这些造型因素开始重新回到他的作品中来。 1967年在加利福尼亚大学伯克利分校授课，赢得英国约翰·莫尔绘画比赛大奖。 《Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)》 1972《American Collectors (Fred and Marcia Weisman)》1968《Christopher Isherwood and Don Bachardy》 1968
Model with Unfinished Self-Portrait, 1977作为绘画最古老的母题，霍克尼的创作离不开肖像、风景和静物这三大类，而肖像作为与“人”的关系最为紧密的题材，对霍克尼的生活无疑有着更为特殊的意义。“每当结束一系列其它类型的阶段性创作之后，我总是会回归到肖像创作中，并令我思如泉涌。”霍克尼说。这六幅作品是大卫霍克尼早中期的六幅双人肖像，双人就会产生关系，这或许是大卫霍克尼想表达的内容之一即人物之间的联系。从这六幅作品中我们可以发现一些特别的地方，每幅画中两个人的朝向都不一致，两个人物好像存在着一些矛盾、对立的关系，似乎把其中任何一个人物去掉这些画面都能够成立。但事实上画面中的人物又都是有一定关系的两个人，父母、收藏家夫妇...这其中产生的矛盾感是作品耐人寻味的原因之一。看到这六幅作品的第一感觉是十分安静，之所以会有这种感觉也和画面中的人物有关系。我们可以发现每幅画中都至少会有一个相对静止的人，或坐、或站、或躺，他们都成为了稳定画面的一个元素。可以看到这一时期大卫霍克尼的作品还都是偏写实的，场景中都会有自然的光影。《在艺术家的座位上》 1855年 作者 卡尔·布留洛夫（俄国）
其实看霍克尼的作品会有一种在看一些古典绘画作品一样，那种安静、静谧。因为觉得大卫霍克尼的作品有一种文艺的气质，所以就去网上搜集，无意发现了这幅作品，作品中的人物一站一坐，像极了霍克尼笔下的人物关系，也许这只是一种偶然，但霍克尼的作品确实是具有这种古典优雅的气质。看了大卫霍克尼的节目《隐秘的知识》，从中了解到，在古代时期，艺术家会通过透镜进行绘画，以保证能够准确地表现人物的光影和细节，所以我们看到很多那个时期的作品中的场景其实并不是真实存在的，艺术家就像一个导演一样，安排了这样的画面。因为技术的限制，所以当时一次只能画一个人物，所以艺术家是画了三次人物才画出了这样的作品，最终呈现的效果更像是三张画拼成了一张，所以人物之间的视角也不是完全准确的，中间的人实际上是在看拿着扑克的人的后脑勺。正是由于这种技术的限制，造就了那一时期古典绘画作品的特点。再对比霍克尼的作品，虽然霍克尼的作品没有那么直接的人物关系，但其中也存在了一点联系，无论这种人物之间视线的错误是有意还是无意，都让大卫的作品呈现出了一种古典的感觉。大卫霍克尼笔下的人物还是会偏写实一些，会注重人物的光影，但又是概括性的，霍克尼16岁就去艺术学院学习，画了四年的素描，有着非常扎实的基本功，所以这和他的基础是密不可分的。之前老师给看过莫迪里阿尼的作品，人物的形态是经过变形的，主动的，对比之下这一阶段的大卫霍克尼还是遵照还原真实光影下的人物，没有加入特别多主观的改变。从霍克尼的作品中可以发现，在环境的处理上，霍克尼运用了大量的直线，这种构成非常地现代主义。从霍克尼当时所处的时代背景可以了解到，在那个时期，波洛克、罗斯科等抽象派艺术家宣称他们用画面与观众进行意识交流，令英国乃至欧洲的观众耳目一新，所以那个年代盛行的是抽象绘画、概念艺术、行为艺术。由于大霍克尼的性格使然，对这些身边的“运动”和流派他并没有一味效仿,他在审慎地分析比较其艺术形式和深入思考自己的 艺术追求。所以霍克尼在那个时期的作品并没有太多抽象派的影子，但却能从中看到很多现代主义的风格特点，笔直的线条是这一系列绘画作品中明显的特征。20世纪60年代,极简主义绘画在美国盛行，霍克尼喜爱尝试不同的风格，所以这也可以理解，他在汲取不同的艺术特点来为他所用，现在看来这一尝试在当时看来是非常成功的。在整体构图上霍克尼的双人肖像都是纵向二分的布局，有一条水平线贯穿整个画面，呈现非常稳定、安静的效果。“自然主义﹝Naturalism﹞如同写实主义，也同样在揭示实际生活中的事务。两者之间不同之处，在于自然主义的对象是自然景观。自然主义画家认为在画自然景观时，要画得像它所呈现的样子，消失的时候也如写实般的自然。对于大多数人来说，这两种主义的分别是不太清楚的。”这是我在网上找到的关于自然主义的解释，有人说霍克尼的人物肖像作品属于自然主义风格其实我一开始是不太理解的，但后来从他的书籍中似乎可以解释得通，霍克尼的观看之道、还有他的一些其他书籍其实都是围绕“真实”在展开的，毕加索的画虽然很抽象，人物的形体都扭曲了，但其实它的画远比照片来的真实，所以霍克尼似乎也一直在努力地寻找真实的形式，这其实就是自然主义的特点，还原出它原本真实的样子，所以这不一定指代的自然景观，真实人物的关系也是表现自然的一种。从作品的细节也能看出霍克尼用了许多的点线面来进行画面的处理，这种手法也是非常具有现代主义特点的。它不同于写实主义，如果是写实主义，应该会和人物的处理手法一样，采用厚涂的方法，但霍克尼结合了一些点线面，人物的写实表现和环境的抽象表达相互碰撞，使整体画面呈现出了一种十分特别的气质。以《收藏艺术家》为例，一放大图片细节看会发现在同一快地砖上的短信线会有疏密的不同，以这些疏密来表现地砖的质感，因为在现实中，由于受到光线的影响，即使是同一块地砖上的光影都不可能完全一致。从上往下，地砖上的构成由点过渡到短线，由疏到密，由模糊逐渐变得具体，近实远虚，所以可以看出这个时期霍克尼绘画还是会依照于现实的一些现象作为依据来进行画面的处理。如果这一片地砖采用厚涂的方式，虽然说也能表现出那种光影，但霍克尼采用了这种点的手法大大地增加了画面的细节，这是这幅作品耐看的原因之一。霍克用这种几何的构成还是会依据现实的一些状态，以表现物体的体积感和真实感，所以由此可见这一时期的霍克尼注重的是观察，而非表达，其实并没有那么主动，包括人物之间的关系也是基于他的观察感受表现在作品中的。霍克尼关于水的描绘确实是十分的精彩，远远地看把水的那种通透的感觉很好地表现出来了。但放大图片的细节看我发现在水面的处理上能看得出颜料覆盖地没有那么厚，不像他在人物的处理上会一层一层地覆盖颜料，增加光影的质感。可以很明显地看到上面带阴影的水面和下面的水面质感不同，下面更蓝色的部分可以依稀看到颗粒，不知道只纸还是其他什么的材质，可以大概猜测在画下面的水时霍克尼在颜料中应该加入了比较多的水，所以颜料比较稀薄，看不出明显的厚度。这样对于水面的表现是有利的，因为水比较通透，在加上阳光的照射光影就会非常复杂。然后在波光的处理上霍克尼应该是事先就把这些扭曲的光线留出空来，因为有些地方好像没有看到特别明显的颜料痕迹，有一些反射特别强的地方就用白色颜料强调，当然这纯属于个人的猜测，至于能否真的达到这种效果还得以后尝试了才能知道。从这6幅人物肖像来看，整体的明暗都是比较温柔的，虽然有的画面中会有深黑色来压一下画面，但大面积还都是中等明度的，我认为这和大卫霍克尼的这一时期的表达有关。对比大卫霍克尼的艺术生涯，早期学生时代大卫霍克尼广泛吸收各种艺术形式，所以他的作品是复杂的、多样的，从他的明暗可以看出他张扬的性格，因为学生时代也可以理解，自己在学生时代的东西也是很生猛、很自我的。晚期大卫霍克尼极力摆脱自然主义，绘画更加追求真实，观看的真实，所以这一阶段他的用色会使用更加浓重的色彩，这种低明度是充满了整个画面的，感受性会更强。所以综合这三个阶段来看，早中期霍克尼的作品更安静一些，看这三个时期可以看到大卫霍克尼的转变是很大的，早中期的大卫霍克尼追求自然主义，那时候的他似乎非常受古典画派的影响，所以整体都是很古典、优雅、真实（大众的认知）的，没有太多的主张，收敛了他的个性。这一时期会有他自己的一些研究，也会在画作中融入一些个人的探索，但正如他所说，自然主义限制太大，他之后都在极力地拜托自然主义。看这一时期的作品，你会发现虽然画中的人物场景不一样，但整体的气质和调性是很相似的。所以我认为这一阶段体现更多的是霍克尼深入研究的状态，霍克尼会去用心观察人物的关系，用心观察水，所以他的作品呈现的是一种静下心来、专心画画的感觉，画面处理都十分的细腻。单从明暗分布上看，大卫霍克尼这一时期的作品会有一些相对完整的留白空间，画面内容没有铺满整个画面，这也是其作品呈现出安静特点的原因之一。从色彩上看整体也和明度一样，都是偏柔和的色系，冷色暖色都会出现，但饱和度过高的颜色使用的比较少，在《我的父母》作品中从所得图片来看，颜色的饱和度会较高，我大致对霍克尼艺术生涯的用色饱和度做了一个曲线的示意（仅仅是一个大致的感觉），整体来看是呈现逐渐变高后有回归的曲线状态，所以其创作时间1977年看，属于中后期，其用色的饱和度也是逐渐提高的。我发现在大面积的用色中霍克尼会使用蓝色、绿色、蓝灰色，但唯独黄色系是一直都会使用到的。对色彩理论一直不是很专业，所以我去网上搜集关于色彩冷暖的色轮图，我发现黄色色系是最为中性的，所以大面积使用更能营造出一种安静的、温和的气质。蓝紫色虽然也属于中性色，但还是偏冷的中性色。大卫霍克尼从小出生在英国，那里没有特别强烈的光照，所以一开始他的作品呈现饱和度比较低的感觉也是有原因的，因为所处的环境就是那样比较灰暗的，但之后霍克尼迁居到美国，那里有充足的阳光、海水，这对霍克尼来说是一个巨大的改变，受到这个的刺激，所以霍克尼的作品不再灰暗，使用偏暖的中性色似乎也可以解释得通了。因为那是迁居美国的原因，而且霍克尼还有一个专门关于泳池的系列，所以蓝色也是这一时期霍克尼常见的用色之一。再从情感上的分析，蓝色象征着自由、冷静，或许这也反映出霍克尼当时的一个状态，从他这一生做的很多事情都可以看出他是一个不喜欢被约束的人，再加上生活环境的改变更加刺激了他的创作。所以从这六幅肖像画整体来看，霍克尼整体大面积使用的都是中性色 偏冷色系，用比较明显的暖色比如说红色（不同饱和度和明度的红色）用来点缀画面，增加画面的耐看性，这一点暖色不要也不行，以这样的颜色组合营造出了安静的感觉。真正到临摹的地方才发现大卫霍克尼的作品是画了很多时间的，看似十分简洁，单就是那个地砖就都是一笔笔勾画出来的选择了一张喜爱的作品进行临摹，发现霍克尼的作品实在太细腻了，这些瓷砖的颜色每一块都不一样，冷暖明暗十分有层次，自己画的时候十分难控制。而且在颜色的调和上一不小心就会把颜色弄脏，之前做练习时毛笔有沾染一些其他色彩还不会有太大影响，但是在临摹霍克尼的作品过程中我就发现笔刷一定要很干净，很多颜色比如台阶，需要一气呵成。感觉十分困难，需要非常大的耐心和毅力。前面没做好时间规划，资料搜集花费太多时间了，还没有怎么开展临摹，临摹作品还在进行，实感任务艰巨，还望老师谅解。 这次依旧着重临摹大卫霍克尼的这幅作品《艺术家肖像》第一次临摹用的是8K大小的的纸张，一来是因为自己的笔比较粗，太细的的地方画不出来，然而大卫霍克尼的作品实际尺寸都非常大，所以细节也非常多，因此这一次改用四张8K拼接，这样一来也能够更加细致得临摹大卫霍克尼的作品。大卫霍克尼在植物的处理上非常细致，颜色变化非常多，由此看得出大卫霍克尼对于色彩处理的功力。有些颜色不是那么好调不出来，还在不断尝试。大卫霍克尼在植物的处理上笔触也很细腻，近处的植物多会使用点的手法，更细腻一些，远处的更多的是平涂，更朦胧概括，符合现实中近实远虚的规律。目前的工具无法达到这样的效果，所以需要再买一些更细的画笔。大卫霍克尼的作品颜色过渡得都十分均匀，笔触也没有明显的刮擦的痕迹，自己用的是尼龙平头的毛笔，要不就是厚涂的痕迹明显，要不就会有刮擦的痕迹，总之就是没有那么平滑，所以感觉和笔有很大的关系。这一临摹阶段感觉最大的难度就是对颜色变化的控制，画的过程基本就是放大大卫霍克尼作品的局部，然后看其中颜色的层次，但这样有个问题是比较容易陷入局部，对整体的感受就会有所忽略，只有在画完之后做阶段性分析总结的时候才会有去对比整体。目前还只初步完成了植物的部分，其他部分还在进行中。《完》本文由橙子编写整理出自公众号“艺课”转载请注明出处
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