王帅的个人网站 | 西方绘画的发展：从不像到像再到不像

说起西方绘画，有很多个角度可以去解读它的发展。前几天，有个朋友问我上海有什么好玩儿的，我就想起了三年前我去上海K11观看莫奈画展的事情。莫奈是印象派的创始人，最重要的风格是改变了阴影和轮廓线的画法，在其画作中没有非常明确的阴影，亦无突显或平涂式的轮廓线。

那么，我就产生了疑问：为什么他会创造这样的绘画方法？他用这样的方法是为了表达什么？他的印象派在西方绘画史上占有什么地位？在他之前和在他之后，西方的绘画都是如何发展的？等等。

带着这些问题，我重新看了一些西方绘画，在考虑了时间变量之后，发现西方的绘画大体是从“画不像”到“画得像”，再到“不画像”这样发展的。所以好奇心大胜，趁着假期来试卷梳理一下。

对于西方绘画，我并不在行，这样的“梳理”其实也是片面而随意的，大家不必严肃对待。如果出现了什么错误，可以与我联系。

另外，本文中引用的图像可能会因分辨率、大小等原因导致与原图差异过大，请大家不要产生“看起来也不过如此”的想法，都是我的错，跟原画无关。

那我们开始。

 

最早最早的画作，可以追溯到古埃及。那个时候的画，谈不上什么“像”，既不讲比例，也不讲透视，主要是起到记录的作用，法老和艳后们看个高兴就好，意思到了就行。那时候，人们虽然想要做到“像”，但技术上达不到。

看上图，是不是有一种拧麻花的感觉？下半身侧着、上半身正着，脑袋还是要侧着。为什么这样安排呢？因为这样最好画。你想想，正面的五官，在不懂什么叫透视的时代，极容易被画成一张大饼。下半身也是一样，腿虽然还比较好处理，但脚就没有办法了。要表示脚的长度，那只能从侧面来表现。上半身是正面，也是这个道理，因为侧面不好画呀。别说那时候的人们，就是现在没学过绘画的人，都不一定能把完全侧面或完全正面的人画好。总之一个原则，就是越立体，越难画。

到了公元前600年左右，在意大利沙诺河畔，有一座城市逐渐建立起来，叫做庞贝城（拉丁文：Pompeii），这座城市于公元79年8月24日被维苏威火山爆发时的火山灰覆盖。但正是因为火山爆发，宛如时光胶囊一般，为我们留下了宝贵的一瞬间，历史学家和考古学家才得以了解到了当时罗马人的生活情况。我们来看看那个时候，庞贝城的壁画：

是不是已经有一点儿逼真的感觉了？人物不再是被平铺在画布上，开始有了透视感，身体线条已经有了美感，而且隐约能看到肌肉线条的明暗对比。据说，1599年那个发现庞贝城的建筑师挖出了一些色情的壁画，当时的宗教观念对这些色情艺术的控制非常严，因此他又悄悄地将它们掩盖了。我不知道上图算不算色情，也不知道这个故事是真是假，但这两个结合起来，至少可以推断，那时的绘画技术已经开始接近真实了。不然你想想古埃及的那种风格怎样表现色情，哈哈，反正我想不出来。

从这时开始到文艺复兴前期的这一段时间，西方的绘画基本上没有什么进步，反而还有一些退步。

这幅画画的是贝加莫的圣母玛丽亚，可以看出，这种风格虽然较古埃及的壁画有进步，但比起庞贝城的壁画，确实是退步了很多的，整个画面几乎没有立体感可言。但如果结合了当时的社会政治情况就知道了，欧洲人把中世纪称为“漫长而黑暗的时代”，那个时代整个欧洲都被教会笼罩，大多数的作品也都是宗教题材，他们的诉求其实也很简单，只要看起来大概能明白画的是什么就可以了。这样的状况一直到了文艺复兴时期才有了改变。

对于我们文科生来说，文艺复兴可能只是课本上的一个知识点，但从人类艺术史的角度来看，真是要特别感谢这个非凡的时期。

这幅画是被誉为“欧洲绘画之父”的乔托·迪·邦多纳（Giotto di Bondone）所作，他被认定为是意大利文艺复兴时期的开创者，他认为宗教人物如圣母和耶稣是有血有肉的人，因此他特别加强了人物画中的肌理和阴影感，也将过去平板的金或蓝色背景改为透视画法的一般风景。

上面那幅画的名字叫“犹大之吻”，画在帕多瓦的斯克罗威尼礼拜堂内，是乔托最有代表性的圣经历史画杰作之一，画面上耶稣双目盯紧犹大，满眼怒火，犹大则十分紧张。整个画的光线、色彩、构图都集中在中心人物形象上，犹大的黄色大氅明亮而醒目。全画用重色调，上部深蓝，下部褐色，造成一种沉重的黑暗感，以渲染这种斗争的紧张气氛。虽然画的是圣经故事，但从生活的光明和黑暗两个方面表现了一个真实的人的形象，表现了正义与邪恶的搏斗。

当然，虽然乔托是文艺复兴的开创者，但大家千万不要以为整个文艺复兴时期的画都是这个样子。有“文艺复兴三杰”称号的那三大巨头大家还记得吗？他们就是达·芬奇（Leonardo da Vinci）、米开朗基罗（Michelangelo）和拉斐尔（Raffaello Sanzio）。一提到这些人，大家就大概知道那个时候的绘画技术能达到多高的水平了。像蒙娜丽莎（意大利语：La Gioconda）这种太出名的画我就不在这里罗嗦了，我们来看几幅其它的。

这幅画的名称是维特鲁威人（意大利语：Uomo vitruviano），是由钢笔和墨水绘制的手稿，描绘了一个男人在同一位置上的“十”字型和“火”字型的姿态，并同时被分别嵌入到一个矩形和一个圆形当中，这幅画有时也被称作卡侬比例或男子比例。

达·芬奇这种对人体比例的追求，还体现在另一件事上。达·芬奇曾得到于佛罗伦斯圣玛丽亚纽瓦医院（Ospedale Santa Maria Nuova）解剖人体的许可，30年内，他共解剖了30具不同性别年龄的人体，这种对身体结构从里到外的精通，让他的绘画作品充满了无穷的魅力。

米开朗基罗与拉斐尔在绘画上，则各有各的偏好。米开朗基罗的绘画以人物“健美”著称，即使女性的身体也描绘的肌肉健壮，他的雕塑作品尤其如此。因为本文讲绘画，就不贴那个著名的大卫（David）了，我们来看看他的画。

这是著名的西斯廷天顶画，米开朗基罗用了4年才完成，作品描绘了343个人物形象，中心部分是创世纪中从开天辟地到洪水方舟的九个场景。图太大，我们来看一下左下角：

这是米开朗基罗西斯廷天顶画的一角，画的是利比亚女先知（The Libyan Sibyl）。看了这幅画，你大概能理解刚才说的什么叫做“即使女性的身体也描绘的肌肉健壮”了吧？

而拉斐尔则以绘画“秀美”著称，画作中的人物清秀，场景祥和。他的宗教画擅长将宗教的虔诚和非宗教的美貌有机地融为一体。

这幅西斯廷圣母（Sistine Madonna）是拉斐尔23岁时的作品，是他圣母系列中的代表作。画中的圣母抱着圣子从云端降下，体态丰满优美，面部表情端庄安详，秀丽文静，一对晶莹的目光，注视着苦难的人间。下面的两个小天使格外有趣，稚气童心跃然画上。整幅绘画构图严谨，透视处理更佳，虽是稳定均衡的三角形构图，但下图的两个小天使则使画面空间出现不稳定感，从而形成了一个环状的形象组合。为使画面的云际具有深远感，拉斐尔避免了焦点透视法则，采用多视点和并列法，人物的形体互不遮掩，整幅画面虚实相生，而又流畅平稳。

文艺复兴的巅峰时期，就是16世纪了，文艺复兴三杰最好的作品都是16世纪的作品，整个16世纪已经把“美”画完了。到处都是美，总有腻的一天，到了17世纪，“不美的”绘画就出现了。所以，我要给大家介绍另一位著名的“米开朗基罗”：米开朗基罗·梅里西·达·卡拉瓦乔（Michelangelo Merisi da Caravaggio）。卡拉瓦乔带来的是一种激进的自然主义，他为了达到真实和灵性，创立了以明暗对照法为特点的新风格，兼具近乎物理上精确的观察和生动，而且充满戏剧性。放一幅图你们自己感觉一下：

被斩首的圣施洗者约翰（Beheading of Saint John the Baptist），这幅画是卡拉瓦乔绘制过的最大的单幅祭坛画，幅画中人物的大小都与真人相仿。这幅画也是唯一有卡拉瓦乔签名的画作，这个签名位于约翰喉咙流出中的血中。

此后，画家的光影的重视到了更高的程度。17世纪荷兰黄金时代绘画的主要人物、被称为荷兰历史上最伟大的画家伦勃朗（荷兰语：Rembrandt Harmenszoon van Rijn），就是一个着重捕捉光线和阴影绘画技术的大神。

《夜巡》（荷兰语：De Nachtwacht）大家或多或少都看过，看到图中那个有一束光的小女孩儿了吗？逻辑上讲小女孩儿出现在这幅画中是十分不合时宜的，但伦勃朗的处理使其并不十分突兀，反而十分自然。同时小女孩儿的色调与后排的暗色调形成了对比，如同舞台高光的亮色描绘在阴暗背景下的人物，富有戏剧性，并深深打动人心。