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今天为大家带来三十幅世界名画第三讲：达芬奇与《最后的晚餐》 文艺复兴的早期，欧洲的南部和北部分别兴起了两种不同的新风格。南部以乔托为代表，更注重感性和情感的表达，北部以扬范艾克为代表，更注重理性和视觉效果。用更简单的话来形容他们在艺术上的差别：那就是北方崇尚真，而南方崇尚美。这种分歧也符合我们今天对于南北欧的印像，北方人总会给人一种严谨甚至呆板的印象，而南方人则是热情如火甚至过于的随性。 南北方的艺术就这样平行发展着，直到一个叫梅西纳的意大利画家出现，他把北方的技术带到了意大利。不过意大利人拥有了北方的技巧，并不代表南北方得到了融合。梅西纳似乎过于眷恋技术，以至于忘记了自己是个意大利人,我们在他的画里几乎看不见南方充沛的情感。如果我不提醒,你一定会以为他是个地地道道的尼德兰画家。真正融汇南北开创文艺复兴风格的，是和梅西纳同时代的一个佛罗伦萨画家，这个人就是大名鼎鼎的达芬奇。 关于达芬奇的故事多多少少大家都会知道一些，比如画鸡蛋什么的。故事当然有真有假，不过达芬奇从小就爱画画是真的。米开朗基罗有一个学生叫瓦萨里，他写了一本《艺苑名人录》的书。里边记载了一个达芬奇童年的故事。瓦萨里说，达芬奇小时候，曾经在一个小圆盾上画出了吓人的吐火怪兽。而这张画被他父亲皮耶罗看到了，父亲毫不犹豫就把它卖给了佛罗伦萨的画商。画商觉得很好于是又转手高价卖给了米兰的宫廷。在那个时候，当你卖出去的东西被再次卖出，中间商还会分给你一些利润。达芬奇的父亲看到这第二份的收入之后，决定把达芬奇送到当时佛罗伦萨最好的画家那里学习绘画。这个最好的画家叫韦罗吉奥。在达芬奇之前，他可是佛罗伦萨艺术界的一哥，波提切利和拉斐尔的老师佩鲁吉诺都曾经是他的学生。 《艺苑名人录》 又译《由契马布埃至当代最优秀的意大利建筑师、画家、雕刻家的生平》 达芬奇在韦罗吉奥那里学画的时候，也很快就展现出了天赋。同样是出于瓦萨里的《艺苑名人录》, 1472年，达芬奇作为助手和老师共同完成了一张画。在画里他负责画背景和一个小天使，本来这都不是什么重要的地方。但完成后，韦罗吉奥深受震撼，这个二十岁的青年已经超越我了，他一定会成为最好的画家，看来，我再画画的意义已经没有了，我还是专心从事雕塑吧。从此之后他就真的宣布不再画画，只做雕塑。达芬奇则是因为这件事名声大震，正式开始了他不可思议的艺术人生。 《耶稣受洗》，韦罗基奥、达芬奇合作完成 说达芬奇不可思议，我们就必须提到他在绘画之外的广泛涉猎。在比尔盖茨的手里，有一套达芬奇的科学手稿，里面记录了他诸多设想，很多在今天看来仍然匪夷所思。另外，在米兰，佛罗伦萨和威尼斯，法国都有列奥纳多博物馆，里面展示了根据达芬奇的手稿制造出来的机械。很难想象在500多年前居然有人会想到机关枪，直升机，潜水艇，坦克，机器人，真是太奇妙了。 除了研究工程科技以外，达芬奇在很多方面都有建树，比如解剖学。他可不是为了画画研究一下肌肉骨骼就满足了，他是认真分析人体的每个部分，包括内脏和胎中的婴儿，然后画成插图留用。不过因为当时的戒律，有好多图都被没收并且烧掉了。但也不妨碍他成为文艺复兴时期最了解解剖学的人。他一共解剖过三十多具尸体，绝大多数外科医生都没有他经验丰富。还有，他还研究太阳能，天文学，地质学，密码学，还画了很多非常精准的地图.更要命的是，我们以为他是个画家，结果他一生有一小半的时间是以音乐家的身份工作的。 难以想象，这绝对是几千年才能出一个的奇才，他有着无法遏制的好奇心，无法估量的想象力和创造力。网上流行说他是一个穿越者，我觉得这个说法一点都不奇怪，因为对于一个人来说，这么优秀实在是太罕见了。 那么在其他方面都是如此优秀，而他最著名的身份，作为一个画家他能优秀到什么程度呢？接下来我们就要分析一下他最著名的两幅作品，《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》。 我们先分析《蒙娜丽莎》。这幅画几乎可以说是全世界最著名的画，每天在卢浮宫里都能看到人们远远地围着她拍照。自卢浮宫从1989年重新开放以来，没有一天例外。卢浮宫里有无数珍宝，但没有哪件作品能够享受同等的待遇。别说卢浮宫，全世界那都没有。 为什么蒙娜丽莎会这么的有名？这里面有两个原因：第一个叫因有名而有名。这是指一件东西或者一个人出名了，一旦他的名气在同品类里达到了某一个级别，那么接下来他会越来越有名。而且这第二波再出名跟他具体拥有什么特质已经没关系了，完全是因为他有名。那么蒙娜丽莎是怎么积累的第一波名气呢？这就要说到她本身的魅力。 蒙娜丽莎是达芬奇这位不可思议的人，花了十几年的时间持续完成的一张经典，这本身就是一个特质，蕴含了卓越的才华和旷日持久的奋斗。除此之外，蒙娜丽莎还拥有很多的开创性，在技术层面，比如明暗法，渐隐法，罩染法等等，直到今天我们还在延续着这些方法作画。 哲学层面，这是欧洲（艺术家）第一次用这么大力气去描绘一个现实的人。在此之前，人们只有描绘神的时候才会展现出类似的尊重。最后，就是这张画里描绘的神秘之微笑。人类对于解谜有着天生的兴趣，神秘的事物往往会唤醒我们的好奇。蒙娜丽莎是谁，她到底是笑还是没笑，这些都成为了人们经久不衰的话题。慢慢的，这抹微笑甚至成为神秘的代言人。 艺术学，社会学，人类学，诸多因素驱使蒙娜丽莎的名气越来越高，直到成就了她今天的地位。不出意外的话，在未来几百年里，都不会有新的作品可以取代她。因为蒙娜丽莎太有名了，对她的解读也很常见，所以我决定用另外一张画来说明达芬奇的艺术高度，我们要通过《最后的晚餐》来认识到，西方历史排名第一的大画家绝不是浪得虚名。
达·芬奇《最后的晚餐》@ 圣玛利亚感恩教堂, 1495-1498年 最后的晚餐，出自圣经新约的马太福音，在犹太教逾越节的晚上，耶稣聚齐了他的十二个门徒，对他们说了接下来的这番话“你们当中有一个人会出卖我，把我交给罗马人和大祭司。”门徒们听到之后都很惊慌，纷纷问耶稣，是我吗？耶稣回答，那人的手和我蘸在同一个盘子里。紧接着，他把饼分给大家吃，把酒分给大家喝，他说这是我的身体和血液，我为人而生为人而死。
这个场景可以算是基督教教义的核心，深受教廷和艺术家的喜爱。从3世纪开始，人们就用画来表现他。经过了1300年，我们能看到的最后的晚餐至少有上百幅，在加上那些遗失的，《最后的晚餐》成为了和《圣母子》《十字架上的耶稣》并列的基督教三大艺术母题。 1482年，三十岁的达芬奇，被作为外交礼物从佛罗伦萨送到了米兰，在一次音乐比赛上，他获得了米兰的领袖斯福尔扎公爵的欣赏，还获得了当场冠军。也许是因为米兰是更大的城市，也许是他相信斯福尔扎可以为他提供更广阔的施展天地，他决定留在米兰，为此他写了一封自荐信。在信里。他说明了自己的九项能力，包括工程，军事，建筑等等，在信的最后他还小心翼翼的写道，除了这九项能力，我还可以画画和雕塑。很难想象，在达芬奇的头脑中，他都没有把这两项能力算成自己的优势，仅仅是轻描淡写地一带而过。看到这封信之后斯福尔扎接受了他，给了他宫廷乐师的身份。但实际上，在之后的很长一段时间里，达芬奇并没有受到重视，他要养活自己和学生们还是不得不去接受一些画画的任务。
达芬奇的自荐信 12年之后的1494年，圣玛利亚感恩教堂的神父找到了他，希望他能为教堂的翻新画一幅壁画。内容最好是《最后的晚餐》。达芬奇从来没有画过这个题材，不过，在心里，他已经为这张画准备了二十年了。他曾经看过很多幅同题材的作品，包括古代大师和同时代大师的，没有一个能够让他感到满意。最早时候的画家仅仅是把这十三个人画在一起，在桌子上摆上象征牺牲的面包和葡萄酒，有的时候也会用鱼来代替，因为鱼代表的也是耶稣。 后来画家们开始关注如何把犹大和耶稣区分出来。要区分耶稣很容易，把他放在正中间就可以了。那犹大呢？有的画家会把犹大孤立出来，有的在他的脚下写上名字，还有的在他肩膀上画一只小恶魔。无论是哪种办法都难以令人信服。更重要的是，所有这些画家都仅仅做到了交代主题，没有一个能真正描绘出这一刻的重要意义。
多米尼克·吉兰达约版的《最后的晚餐》，1480年 佛罗伦萨奥尼桑蒂修道院食堂 现在机会来了，他要如何创作来超越其他人呢？ 首先，他要重新审视这张画的核心是什么？两件事，第一件：耶稣说出了一句令人震撼和绝望的话，第二件：犹大是那个叛徒。 怎么表现出耶稣说出一句话，另其他人感受到了震撼和绝望？达芬奇想到了水，一颗石头丢进了平静的湖水，湖面会泛起涟漪。耶稣的话不就是那块石头吗？而其他人就应该像水面一样，掀起波动，但这波动又不能是一致的，因为这毕竟是人不是水面，每个人都有着不同的性格年龄，他们对话语的反应也应该体现出这些不同，乔托已经给他做出了很好的榜样，而他，还要超越乔托。 接下来是犹大，所有观众看到这个题材一定都会去寻找犹大，我一定要让人可以找到他，但又没那么容易找到，因为故事里在场的所有人，除了耶稣以外都不知道谁是叛徒，所以犹大一定会掩饰自己，只是他无论怎么掩饰，在那一刻还是会多少露出一点马脚。我要把这种微妙画出来，让观众在寻找他的过程中得到乐趣。
Google Arts & Culture展示的高清版《最后的晚餐》 为达芬奇徒弟Giampietrino的临摹之作 接下来我们就通过画面来看看达芬奇如何实现他的这些设计。 耶稣处于画面的最中间，他微侧着头，双手摊开，眼睛没有和任何人对视，只是平静又略带悲伤的向外看着，这个动作暗示着他以及接受了自己的命运。在这张画里，十三个人，其他的人都是三人一组，只有耶稣是一个人。达芬奇为什么这么安排呢？这是耶稣作为神的尊贵待遇吗？我觉得不是，从他的眼神里我觉得达芬奇想说明他的孤独，他是个孤独的牺牲者，其他人无论多么爱他，都没有办法帮助他完成使命。
接下来我们再看他的学徒们，左右各有六个，每三人一组，每个人动作又都不一样。画面因为这些复杂的动作尔显得有些慌乱，但环顾整体却还能保持很好的秩序感。这个构图实在是太高明了。慌乱和秩序怎么能并行呢？我们仔细分析.第一个原因是环境，达芬奇把背景设计的极为规整，天棚上的格子透视，墙上的格子透视，桌子的绝对水平，所有这些极规律的线条都在约束着画面气氛，让总体上可以保持理性和冷静。 第二个原因是三角形的稳定构架。耶稣张开双臂，头和身体构成了一个等边三角形，这是最稳定的形状。他像是一个平静的核心，其他每三个人也都各自形成了不同的三角形，他们形状各异就造成了画面的动荡感，而这个动荡又是可控的，因为桌面这条线是所有三角形的统一底边。也就是说，三角形们在变化中保持了统一性，所以，这个变化仍然是有序的。
最后一个原因，是达芬奇对于比例的研究，达芬奇通过研究古希腊和古罗马的建筑，发现了美的一个重要源泉，那就是比例。就在之前的几年，他还画了维特鲁维人，至今都视比例美的典范。 在《最后的晚餐》中，总体的构图通过耶稣被分成了均衡的左右两部分，就像雅典神庙的正面三角一样庄重而神圣。但具体到细节的时候，对称式消失了，取而代之的是更美的黄金分割，我们以左边为例，六个人之间有一个明显的缺口，看似对称，实际上因为第四个人的严重倾斜，导致重心向这一侧发生了偏移，偏移到多少呢？大约正是黄金分割点。耶稣的右面也几乎是一样的，都是黄金分割式的比重。黄金分割被认为是最美的比例，在古罗马古希腊已经盛行，但在文艺复兴，是达芬奇重新发现了它，并且对后世产生了深远的影响。
说到这里，可能有听众朋友会质疑，我是不是过度分析了？没准达芬奇从没想过这些问题，只是碰巧被我解释通了而已。我觉得有必要和大家解释一下，我没有过度解读.在整个古典时期，也就是从文艺复兴到现代主义来临之前，欧洲的绘画一直都在遵从我刚才说的这些构图逻辑,已经成为了一些基础理论。今天国内的美院可能还在教授这些知识。我们所有后来的画家和绘画爱好者都要感谢达芬奇，因为他是第一个用图像完美展示了这些知识的人。他是这些知识的原点，他的光芒照到了后来的每一个画家的身上，无论他们有没有察觉。 达芬奇了不起，不仅仅是他画的好，更重要是他发现了这些美的规律。 好，基础知识先说到这里，接下来我们里要一个一个的分析角色了，我们可能不浪费达芬奇的良苦用心，在他之前还没有任何一个人能够做到他这样，在他之后也很少有人真的会如此的投入在细节的钻研上。
耶稣十二门徒（从左至右)：巴多罗买（Bartholomew）、小雅各（亚勒腓之子 / James, son of Alphaeus）、安德烈（Andrew）、叛徒犹大（Judas Iscariot）、彼得（伯多禄 / Simon Peter）、约翰（若望、John）、耶稣（ Jesus）、多马（多默 / Thomas）、大雅各（西庇太之子 /James, son of Zebedee）、腓力（Philip）、马太（马休 /Matthew）、达太（圣犹大 /Jude Thaddeus）、西门（热诚者西满 / Simon the Zealot）。 耶稣右手边第一个，看似最平静的长发男子是约翰，也就是耶稣最喜爱的门徒。丹布朗在小说里把他阐述成一位女性，这当然是为了小说的效果。事实上他只是具备一些女性的气质，这一点我们理解了达芬奇自身，就更容易理解他为什么要把约翰画的这么美这么柔了。
达芬奇一声没有结婚，也没有和任何一位女性传出绯闻，倒是他的几位学生和他的关系非常密切，其中有一个叫萨莱(Salai)的，是达芬奇最爱的学生.传说中他长得就非常秀美，而约翰这个角色正是以萨莱原型创作的。达芬奇自己喜欢美男子，于是也把约翰想像成为了类似的角色。这样一说，约翰和其他所有的使徒都不一样了。他有着特殊的定位，所以他的表现和其他同伴也不一样。别人的悲伤都可以表现出来，而他的悲伤是内化和深沉的。
萨莱画像 挨着约翰的白发人是基督教的重要人物，教会第一任教皇，圣彼得。他对耶稣有着无限的忠诚，在听到这个消息之后马上拿起了匕首，准备亲手杀了那个叛徒。我们可以看到他藏在身后的那只手，这只匕首并没有拿到身前，也说明彼得虽然急躁却也不失谋略。丹布朗把这之手说成了第十四个人的，理由是他看起来不象长在彼得的身上，其实这是由于这张画长期遭到破坏，好心的后人对他进行了一次次的修补。但好心办了坏事，修补的人水平没法保证，修补出现的结果就越来越偏离原作。  1990年，由联合国发起，对最后的晚餐进行了一次系统的修补，这张次修补应该是最好的一次，画面尽量还原了达芬奇的最初设想，但离最开始的效果应该还是有差别的。无论如何，这只手都不是第十四人的，它属于彼得，小说就是小说，我们不能太当真。 在彼得的身前，就是臭名昭著的犹大。他的脸是整个画中唯一一个笼罩在阴影当中的，我们看不到他的表情，但从动作上可以感觉到这一刻他非常紧张。他的左手像被吓到了一样的不自觉地张开，右手却紧紧的把钱袋攥在胸前。他的身体极力向耶稣相反方向挣脱，似乎马上就要逃走一样。达芬奇利用了三点来说明他是犹大，一个是阴影中的脸，一个是想逃走的动作，最后是那个钱袋。犹大是使徒里的会计，平时就掌握钱财，同时他又因为三十个银币出卖了耶稣，所以用在这里算是一举两得。
手握钱袋的犹大，慌乱中打翻了盐瓶（在下面的高清版中，会看的更加清晰）
Google Arts & Culture展示的高清版 在他们三个左边，最外侧的三个人分别是光头长胡子的安德烈，红袍长发的小雅各，蓝袍的巴多罗买。安德烈身体笔直双手举起。通常我们会解读为他要证明自己不是那个背叛者，但还有一个可能，彼得的匕首藏在身后，正好是安德烈的身前。他也许正在边躲边说“哎哎，小心点，别误伤了我”。 趴在他身上的小雅各似乎没有听清耶稣的话，他只看到了彼得拿起匕首，一脸懵地用另一只手怕打着彼得，似乎想要向他询问。最边上的巴多罗买似乎是个战士，他高大的身躯压在了桌子上，瞪着眼露出愤怒的表情，等待着耶稣的下一步命令。
Google Arts & Culture展示的高清版 我们再看耶稣的左手边六个人，身体挨着他最近的是大雅各，他听清了耶稣的话，但他不敢相信，只见他惊讶地张大了嘴，双手撑开，一句话也说不出来。在他身后的多马把头探了过来，露出满脸疑惑的表情，同时他把一根手指伸向天空。这个动作我们在达芬奇其他的画，比如《救世主》和《施洗约翰》中都看到过，似乎在表明不可捉摸的天意。 他们两个身后是整张画中表情最悲伤的菲力，他几乎都要哭了出来，他用力的把身子伸向耶稣，双手指向自己的心，表明自己的清白与忠诚。
Google Arts & Culture展示的高清版 最外面的三个人依次是马太，达太和西门，这三个人自成一组，互相讨论着发生了什么又如何应对。但从他们的手势上看，每个人也都只是不知所措。马太比较年轻，表情痛苦中带着愤怒，达太紧闭着嘴紧锁着眉，好像在思考，西门的脸已经完全模糊了，我们看不清他的表情，但感觉也是悲愤中夹杂着无奈。 这就是达芬奇刻画的十三个人，在同一个瞬间，每个人因为身份，年龄，性格和角色多方面的不同而展现了丰富的反应。而这种丰富的源泉，是达芬奇的野心，智慧和技巧。 对于达芬奇和《最后的晚餐》，我们给予多么高的赞誉都不为过，他是欧洲绘画的一个高峰，同时也是一个原点，它代表着理性与情感的完美结合，也代表着绘画不仅仅是再现现实，更是美，是创造。
《安吉利亚之战》保罗鲁本斯1603年的仿作 不过，达芬奇也不是完美的，在很多时候他也会犯错误。比如因为他过度沉醉于实验新材料，新想法，就导致了很多伟大的作品都没能留到今天，他和米开朗基罗斗法画的《安吉利亚之战》因为他尝试用了热蜡法，结果还没画完就因为温度问题全部垮掉。还有他设计的巨型青铜雕塑，也因为当时的技术根本无法施工而没能完成。就算是我们今天聊的《最后的晚餐》其实也是他的失败试验品之一。本来他被要求画一幅湿壁画，但是他希望能画出油画般的细腻，所以就执意采用了油性材料作画。结果，没出20年画面就开始剥落，这才有了后人无数次毁灭性修补的故事。
1975年的《最后的晚餐》 我们今天能看到的《最后的晚餐》已经是非常不清晰的版本，不过，即使画面已经斑驳，我们还是可以从中看到达芬奇卓越的才华和不可思议的创造力。感谢达芬奇，他给予了我们太多美的启发。如果没有他，不知道美学的发展要推后多少年。 好，本期节目就到这里，我们下期再见。 |
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