新型冠状病毒肺炎还没有彻底消失，所以建议各位最好不要出门拍照片了，不妨在家看看电影；提高审美水平的同时还可以学习下电影画面中构图、用光以及调色的技巧。
下面好机友摄影为您推荐23部摄影爱好者值得看的电影张艺谋是一个敢于突破传统色彩、寻求色彩的视觉冲击力的创作型导演, 在他的电影《大红灯笼高高挂》中就凸显出强烈的画面色彩感, 营造了唯美、浓烈的色彩艺术。
色彩在影片中不仅仅发挥了渲染的作用, 还是剧中的主要元素, 影片人物的命运跟随着色彩绿与白、红与黑、黄与紫的转换而经历了一次次的心灵洗涤, 从而掌握了全新的生命力量。
下图中的红色灯笼与暗蓝色环境产生了强烈的冷暖对比。在突出视觉冲击力的同时，也用绵长的红色灯笼表现出封建时代的漫长，而人物身处阴暗环境则代表了在封建社会下，一名知识女性不可避免的悲剧命运。在构图方面，该影片比较注重环境的描述，并通过前景、中景、远景增强画面的纵深感，观者的实现则会被吸引到画面的尽头，从而感受到女主角所处的无尽深渊。
色彩造型是张艺谋最为擅长的电影手段，《英雄》作为张艺谋初次尝试的商业大制作，再次祭起他自己的法宝——色彩。
影片中的不同部分有着不同的主色调，通过红、青、绿、白、黑来刻画影片中不同的情感。
书法本是风雅之事，而画面中演员穿着的大红色衣服似乎与“书法”的意境不符。其实张艺谋的目的就在于通过红色与“书法”的意蕴产生对比，预示着冲突的到来。
果然敌军万箭齐射，而写字之人文斯不动，继续书写着本国的文字。此时的红色又预示着献血与赤诚的、热烈的爱国之心，将气氛带入高潮。
《英雄》是一部场面恢弘的大制作商业电影，因此大量使用远景以及广角镜头进行录制。而大场面一定要有着眼点，所以兴趣点构图是此类场面常用的方式。
为了让兴趣点更突出、明显，往往会利用色彩对比、疏密对比、明暗对比等手法。
※点击型号学习各相机摄影、后期※ 点击此处学习其它更多型号相机 也可淘宝搜索“好机友摄影学习u盘” 为表现电影人物心怀天下而无所畏惧的气场，超广角镜头，近景，并利用中央构图也是电影中屡次出现的画面。
电影《影》中水墨画色彩美学的视觉表达方式，既有传统色彩的意象化隐喻，也有黑白色彩基调下色彩晕染的意境构建之美，二者在相互对立中融合贯通，并相互转化，将“阴阳美学”的对立和思想表现得淋漓尽致。
影片中的暗调场景表现出了张艺谋对场景光线的把控能力。下面的场景中，虽然光线昏暗，但建筑以及背景和地面的却依然有明显的光影层次。即便没有色彩的渲染，也丝毫不觉得画面单调。
女主从门缝看向门外时，透过门缝的光线打在脸上，与周围的暗调形成对比。而窄光源形成的局域光，也增添了画面的神秘感，并为电影最后的悬念做好了铺垫。
三分法构图在电影中也十分常用，但一定要注意画面的均衡性。下图作为主体的人物位于画面右侧三分线处，为了防止画面失重，在中间偏左，纵深方向上较远的位置安排了士兵；又在画面左侧，更远的位置安排了亭子。使画面既均衡又具有极强的空间感。
《影》在色彩方面的特点非常明显，那就是低饱和营造水墨画效果。为了表现出水墨画的意境，电影中的外景总是雾气弥漫，通过朦胧来表达意境。
舍去色彩则需要通过光影来弥补，画面的明暗对比就显得尤为重要。为了突出画面中船，则需要水面亮。这点与上文在小巷中骑马的画面有异曲同工之妙。形容电影摄影师的工作时，“画家”是一个被过度使用的词汇，但用它形容卡迪夫是绝对贴切的。他的电影仍然带有一种超凡脱俗的质感，那就是柔和的美。这在迈克尔·鲍威尔和埃默里克·普雷斯伯格导演的电影《黑水仙》中体现得最为真实。
在电影《深锁春光一院愁》中，道格拉斯·塞克和摄影指导拉塞尔·麦蒂用彩色胶片如糖果般的鲜艳画面，为身处郊区的寡妇主角（简·怀曼饰）铸造了一座监狱。
麦蒂总是会在电影的关键时刻悄悄进入低调的黑色照明，用色彩来揭示隐藏在多彩画面下的情感真相。
 我司出版图书推荐《慢门与弱光摄影技巧大全》慢门与弱光摄影一本就够！十多种慢门与弱光摄影题材一次掌握，助你摄影小白变大咖！可能是西班牙大师级导演阿莫多瓦最温柔的一次自传式讲述，依旧以其红色灿烂的色彩范式表述着自我的风格，是他的《童年往事》和《罗马》，将其细微私人的成长情感与国家历史，缝合成一场最真实的集大成之作。50多年后，导演托德·海因斯想要试试看他是否能够在电影《远离天堂》中使用塞克用过的那种1950年代的情节剧视觉语言。
拉克曼是一名技术奇才，他成功设计了一个架空网格照明方案以及一个令人眼花缭乱的饱和调色板。他甚至找到了一种控制阳光的方法，让室外实景有了一种外景场地的感觉。和塞克的电影一样，表面的美丽是一种压抑的形式，它禁锢着和种族主义、性别歧视以及恐同症做斗争的角色，同时以令人惊艳的配色方案描绘着他们的情感状态。
在著名的宴会厅场景中，他们让贵族生活看起来如歌剧般的宏伟和金黄；而在白天的场景中，从城堡的窗户透出来的光线暴露了饱受磨损的城堡上的物理裂缝。
这部曾因上映而惨遭“屠杀”的长篇巨作，已经被包括马丁·斯科塞斯在内的铁杆影迷们修复，让现代观众得以发现这部1963年戛纳金棕榈奖得主的荣耀。
面对生命、时间等极致、纯粹事物的一次思考，最大的新视角是突破影像与画面，而与声音、音乐之间的相互影响和作用。艺术与宇宙的某种相连接性，很神奇地在这一部被称为是“BGM之魂的坂本龙一”的——“病后”纪录片感悟里体现的淋漓尽致。
贝纳尔多·贝托鲁奇的表现主义倾向以及斯托拉罗用色彩创造情感的方式，是导演和摄影师在电影摄影天堂里的完美结合。
巴黎的场景是郁郁葱葱的，有着饱和的颜色以及预示着美好时刻的温暖色调。而罗马的场景是缄默的，当马塞洛背叛他自己的时候，我们能感觉到照明变得残酷。从未有人以如此富有表现力的光线和色彩来描绘如此复杂的人物，《同流者》可以说是彩色电影摄影史上最伟大的成就。
从来没有哪位电影摄影师像戈登·威利斯那样挑战观众在黑暗中的视觉感受。
当用黑色照明探索阴影世界的时候，总会有方向性很强的主光在定义构图。但是威利斯极其精准的构图，和导演弗朗西斯·福特·科波拉精湛的调度，似乎对曝光规则和基本的三点布光提出了质疑。不同于当时的任何电影，这种拍摄方式更像是文艺复兴时期的绘画作品。从前两部《教父》不同的画面风格也可以看出来，威利斯不仅仅是位“黑暗王子”（电影摄影师兼朋友的康拉德·霍尔给他起的绰号）。从柯达胶卷风格的婚礼，到迈克尔（阿尔·帕西诺饰）在阳光充沛的西西里岛上的爱情故事，再到IB彩色胶卷拍摄的青年维托·柯里昂（罗伯特·德尼罗饰）华丽的移民故事。威利斯创造的一系列画面风格都令人不可思议，这些画面组合在一起就造就了有史以来最具标志性的系列电影之一。如果要具体地从技术上解释《巴里·林登》的催眠之美，那么就是使用了由NASA设计，快速到只用烛光就可以照亮夜景的70mm镜头、精确到时期的拍摄地点、以及让库布里克可以以精确构图追求完美的看似无休止的镜头。
想要在如此宏伟的室内环境中获得单光源自然光（经常是在冬天以超广角进行拍摄），奥尔科特需要制造光线，而这需要大量的测试。奥尔科特使用Mini-Brute灯和描图纸给库布里克的画面配上灯光，以反映那个时代的绘画风格。他避开了当时的漫射光效，清晰地捕捉到了爱尔兰雾蒙蒙的氛围。电影摄影师内斯托尔·阿尔门德罗斯拍摄的《天堂之日》看起来像是一直都在光线最完美的魔幻时刻（Magic Hour）拍摄的。
就像年轻的琳达·曼兹异想天开的画外音和恩尼奥·莫里康内神奇的配乐一样，它让电影中理查德·基尔、布鲁克·亚当斯和山姆·夏普德组成的危险三角爱情都相形见绌。2013年有《阿戴尔的生活》，2015年有《卡罗尔》，2016年有《小姐》，2019年如期而至《燃烧女子的肖像》。女性主义视角下的女性情感故事讲述，似乎天然要求了其审美的高度及叹为观止的细腻表达技巧。
一向大胆创新的摄影指导想到要用非传统光源，即以前从未在电影中使用过的氙气灯、荧光灯和霓虹灯，来创造未来之光。不寻常的光源（主要是氙气灯）产生了宽阔的定向光柱，这些光柱是没有动机的（它们不是在模仿真实的光源），同时像探照灯一样地移动。
克罗嫩韦思的灯光设计激活了场景以外的未知世界。这些灯光让人们相信，在这个混乱的反乌托邦世界里，控制权掌握在未知的力量手中。
克罗嫩韦思的照明风格是黑色的，但是要比经典黑色电影中的光源更多。强大的定向光源在画面中形成了锐利的黑暗区域，在单独的场景中创造出大量的光和影。
这些光线照亮浓重的烟雾、雨水和霓虹灯，凸显了画面的质感。在《银翼杀手》宏大的未来主义场景中，电影的质感和氛围让故事背景感觉更为真实。
黑色照明和黑白有关，但是在电影《七宗罪》中，达吕斯·康第以创造性的方式提高了低调照明的使用（那些手电筒！）并且通过图像捕捉黑暗的氛围，而这正是大卫·芬奇在视觉和主题上都最为黑暗的电影。在这个略带绿色的、不饱和的世界里，康第仍然能找到温暖、柔和的光线来定义他的作品。独特的镀银工艺让这部电影呈现出现代彩色电影中最令人满意的黑色。康第从中间色调中提取了丰富的元素，使这部电影有了它的核心：一种柔和的光芒，在面对邪恶角色的时候，人性所散发出来的一种暗淡温暖的希望之光。没有哪位导演能像王家卫那样，通过色彩、质感和光线的表现力，捕捉到如此丰富的情绪和感觉。
他和三位重量级电影摄影师（杜可风、关本良以及李屏宾）的合作，使得每分钟的动作和眼神都被电影独特的红色色板、感性的光线以及烟雾缭绕所强化。
这部“爆片”除了讨论它在故事煽动和人物塑造及突破之外，还应看到DC对电影艺术层面的追求：小丑仪式化舞蹈的场面值得反复拉看，空间纵深和层次堆叠之下身体的异化表演，舞台灯光效果与寓意化色彩搭配，因此小丑的“黑化”层层推进且理所当然。甚至有一刻你不得以去认同，小丑只能成为小丑的无奈事实。
最好的表现是卢贝兹基追逐光线的方式，以及他所描绘的家庭图景，拥有明亮灵魂的母亲（杰西卡·查斯坦饰）和充满毁灭性黑暗的父亲（布拉德·皮特饰）之间的无止境斗争。对马力克来说，这种拍摄方式并不新鲜，但是这位摄影大师将他对于活着的痛苦的痴迷带到了一个全新的高度。这部拍摄于1992年的纪录片会出现在很多摄影师片单中，有人觉得这部片子间接成就了21世纪后的全球出境游清单。的确，其中很多拍摄的景象后来成为炙手可热的景点。这部纪录片豆瓣评分9.2。无论你处在学习摄影的哪个阶段，这部片子都能给你一些启示：我能拍什么？我能怎么拍？另外，不得不说片子很喜欢用重复的视觉元素为主题镜头。有人从本片里看出伯格曼、希区柯克、库布里克等一众电影大师的意象再创作，妙就妙在它可能由此创造出一种还无从被归类的新影像美学风格。这部电影以接近1:1的图幅呈现，黑白质感很迷人，有时像上世纪六十年代前的黑白摄影，有时候像当今ins中的情绪黑白照，让人忍不住按暂停截图。导演艾格斯拍摄了一部精彩恐怖影像诗，胆小的观众可以选择性观看。弗里克近十年后拍摄的与《天地玄黄》遥相呼应的片子。在《天地玄黄》和《轮回》中，我更喜欢后者。你将看到唐卡、监狱、工厂、超市、大阅兵，还将看到行为艺术、机械化生产、人生百态、文化冲突……如果你喜欢延时摄影，这部片子会让你看个饱，不同场景之间的过渡和切换也很有趣。《地球之盐》有一个副标题——塞巴斯蒂昂·萨尔加多的摄影旅程。 这部纪录片集合了摄影师的家庭录像、采访视频，同时跟随新项目拍摄，动态展示了海量的黑白系列旧作，是一部兼蓄着对地球壮阔美丽之赞颂，和对苦难之悲悯的作品。《地球之盐》豆瓣评分9.3，腾讯视频可播。
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