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（图片与音频均来自网络）  演奏者：佐藤卓史 这首《天使的歌声》和第19首《圣母颂》是有一定联系的，它们都和基督教文化有点沾亲带故，两首曲子都有着类似的音乐气质——恬静而温柔，并且演奏上都非常锻炼踏板和触键。 作品的和声是Op.100里面比较丰富的一首，布格缪勒以钢琴去模仿竖琴华丽的琶音，就好像是在为一首优美的歌曲在伴奏一般。 这种流动性的和声音型有着非常优美的效果，很容易让人联想到那种固定音型的圣咏，就像巴赫《平均律》第一集开篇的《C大调前奏曲》(BWV.846)或者肖邦的《C大调练习曲》(Op.10 No.1)。 反正弹过的学生都很喜欢这个曲子。 作品G大调，单三部结构，曲式如下： A段：1-8小节 B段：9-16小节 A段：17-24小节 尾声：25-曲终 一开始的Armonioso有悦耳、和谐的意思，双手在演奏琶音时一定要自然而舒展，手指既不能太过伸平，也不能太过弯曲，需要把握好这个“度”。 手腕保持放松，双手的位置要根据音的不同走向来左右移动。 特别需要指出的是第1、2小节的最后一个音(描红的那两个)，看清楚咯，这是一个4分音符！4分音符！！很多学生会把它和前面的3连音一样，弹成了8分音符，一下子就缩开了。 中间段落调性转到了e小调，也就是之前G大调的关系调，带着一丝不太过分的伤感色彩。 正如之前的乐曲，这里cresc.(渐强)出现的频率很高，而后面往往会跟着p。 但是请注意，音乐的力度变化通常不会突然性的，而是有一个渐变过程(除非作曲家自己标记了“突强”或者“突弱”)。 比如从f到p，一般不可能整个乐句都是强，然后一直强到乐谱标示p的地方就突然弱下来，而是强了以后，根据乐句的走向有一个慢慢弱下来的过程。 可是这个过程作曲家不会写得那么仔细，都标记在乐谱上的，作为老师就应当靠自己的经验去告诉学生正确的力度处理方式。 当然，如果在弹奏第4、11、20小节时，学生能自己意识到要加上dim.(渐弱)去处理——这个学生有前途，我看好你！！ 和《圣母颂》一样，正确地使用踏板是这首乐曲的一大技术要点。但踏板的使用是取决于钢琴具体的音响效果，所以我在这里也不好指手画脚，给一个太生硬的指导。 从第25-28小节，左手部分是针对手指踏板技法的一种运用练习：通过手指弹保留音来达到延音的效果(描红的地方)，第28和29小节也一样。 所以这里的前面不建议使用踏板，以免造成泛音的混浊，变成浆糊一样的音色，在小节最后左手的两个音符倒是可以轻踩一下。 这里的左手部分让我想到一个很著名的作品，巴赫《平均律》第一册《c小调前奏曲》(BWV.847)的尾声，左手同样是这样的演奏技法。 从25小节开始就是尾声部分，最后是琶音后面跟着一个圣咏般的结束，这最后3小节的和声非常李斯特化，是他钢琴音乐里很常见的特征。 学生一定要弄清楚Più lento的意思，并地将这一术语清楚地表现出来。这是说更为缓慢地，意味着音乐要逐步地慢下来，而不是突然踩急刹，必须与之前的速度保持完整性。 PS：这些天都很忙，再加上本人又病了，所以好久没更新，很抱歉喔！ 布格缪勒还有几首就写完了，下一Part我打算写拉赫玛尼诺夫的《音画练习曲》。 这套作品的技巧很难，灰常难灰常难！可以说是处于钢琴史里技巧最巅峰的作品之一，和布格缪勒这种入门菜鸟级的小东东不可同日而语，不知道大家有没有兴趣？ |
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