乔托乔托性格开朗、活泼、机智、幽默。他出生在佛罗伦萨附近韦斯皮亚诺的农村 ，父亲是贫苦的农民。乔托从小上山放羊，后来在画坊当过学徒和帮工。他是画家契马布埃的学生。少年时代的乔托非常喜欢画画。他一边牧羊，一边用石头或小木棍在地上画些自然景物或由放牧的那些小山羊。有一天，契马布埃路过此地，见他正蹲在地上画画，发觉他天赋不凡，便让他到佛罗伦萨跟着学画。乔托进步很快，他不仅从古今名人的优秀作品中汲取养分，而且突破了中世纪绘画缺乏艺术生命力的缺陷，创作了许多具有生活气息的宗教画。他并不喜欢僵硬的拜占庭绘画风格﹝ltalo-Byzantine﹞，他认为宗教人物如圣母和耶稣，也是有血有肉的人，因此他特别加强了人物画中的肌理和阴影感，也将过去平板的金或蓝色背景改为透视画法的一般风景。此突破获得宗教界的喜好，使他大受欢迎。乔托·迪·邦多内（约1267～1337），14 世纪意大利最著名的画家。达·芬奇推崇他是'凌驾过去几个世纪的众多画家中最杰出的人物'。他幼年曾放过羊，后来跟随契马布埃学画。通过自己不懈的努力，博采众长，最终成为了意大利文艺复兴美术领域的开山祖师。他是第一个以自然的笔调和戏剧性的人物造型，来描绘装饰性宗教画的画家。代表作有《哀悼基督》、《犹大之吻》、《金门相会》等。 入选画作： 《犹大之吻》  乔托《犹大之吻》聚焦于基督和犹大之间心理交锋的瞬间。基督坚定的目光回应犹大的注视，眼神中只有对背叛者的谦卑和同情。乔托首次赋予形象鲜明的人性动机，以及传统绘画欠缺的心理深度与逼真感。 《犹大之吻》是13世纪后期意大利佛罗伦萨大画家乔托的代表作之一，它是欧洲文艺复兴初期的绘画杰作。在13世纪以前，意大利的绘画艺术一直受拜占庭艺术的影响，这是一种受罗马拜占庭帝国影响而产生的艺术风格，它的特点是高度的程式化，色彩艳丽而人物僵硬，重装饰而鄙视造型。特别表现在宗教画上，人被'神化'，没有个性，形象呆滞僵直。正是乔托的出现，才使意大利绘画真正摆脱了拜占庭宗教画风，并走向现实主义。 《犹大的吻》是乔托最有代表性的圣经历史画杰作之一。 画面上表现的是犹大带领了一队兵马，还有祭司长和法利赛人的差役，直奔耶稣，要与他亲吻。画面上耶稣双目盯紧犹大，满眼怒火；犹大则十分紧张。四周则充满着骚动，气氛极其悲壮。这幅画虽然是圣经故事，但从生活的光明和黑暗两个方面表现了一个真实的人的形象，表现了正义与邪恶的搏斗。整个画的光线、色彩、构图都集中在中心人物形象上，犹大的黄色大氅明亮而醒目。全画用重色调，上部深蓝，下部褐色，造成一种沉重的黑暗感，以渲染这种斗争的紧张气氛。画家用画笔赞颂了光明、正义的化身——耶稣，鞭挞、揭露了黑暗、邪恶和丑的化身——犹大。人文主义思想在乔托所生活的年代已经萌生，但还未形成一种思想运动，其特点即是与封建正统的神学思想相对立。人们开始从信仰神转变为信仰自己、尊重人性和人生的价值。乔托从构图上尽量采用活的人物和真实的世界，对绘画素材已具有人文主义精神的理解方法。当然，这个富有戏剧性的场面，还没有完全摆脱中世纪的僵硬呆板的构图形式。为了解决画面的不同层次，他把人与自然环境的关系安排得更加接近真实，扩大了画面的远近空间。为了使群像人物有主次，画家在用心探索明暗表现和物体的体积感。要处理这些复杂的绘画任务，在14世纪初的佛罗伦萨时代，还是艰巨的。虽然乔托一生的努力都在力求革新，加强形象的个性化，但还未臻于理想；尽管如此，他的努力是受到伟大诗人但丁的好评的。诗人在他的《神曲》里曾写道：'契马布埃强逞能，自负艺坛最英雄。而今乔托名扬远，竟将先生变后生。' 马萨乔马萨乔（1401～1428），出生于意大利的圣乔瓦尼·瓦尔达诺。是文艺复兴初期艺术革命的发起人和领导者。他在继承乔托绘画风格的同时，又进行了大胆的艺术创新，在绘画的空间透视、立体感效果等方面取得了很大的成绩。他为文艺复兴现实主义绘画革新奠定了坚实的基础，是一个承前启后的重要人物。代表作有《纳税金》、《布施和亚拿尼亚之死》以及《圣三位一体》等。1429 年后从画坛神秘消失，年仅27 岁。 入选画作： 《纳税银》  画面描绘了《马太福音》里的故事：税吏质问耶稣是否缴纳了税。画面中央税吏正在索要纳税银，场景延续至画面左边，彼得从鱼口中取出钱币。右侧，彼得交给税吏纳税银。马萨乔将三个独立场景浓缩于一幅画面之中，赋予角色人性化的感情，同时在古典主义基础上加入了技法的革新。 扬·凡·爱克扬·凡·爱克（1380～1441），出生于马斯特里赫特附近的马赛克。与同时期的胡伯特·凡·爱克合称为凡·爱克兄弟。二人同为文艺复兴时期尼德兰的伟大画家，尼德兰文艺复兴的奠基人。他们兄弟曾联手创作了规模宏大的《根特祭坛画》等。除了绘画上的成就外，他还对油画的材料和油画技术作了重大的革新和改进，对西方绘画的发展作出了巨大贡献。扬·凡·爱克的主要作品有《阿尔诺芬尼夫妇像》、《罗林宰相的圣母》、《圣巴巴拉》、《妻子像》等。 入选画作： 《阿尔诺芬妮夫妇像》 尺寸：82 × 60cm 类别：木板油画 收藏：英国，国家美术馆  这幅谜一般的双人像，描绘阿尔诺芬尼和新妻宣誓的场景，展示出扬 · 凡 · 艾克卓尔不凡的传递细节和光线的能力。夫妇的姿势和不同寻常的细节设置，都有独特涵义和象征性，镜中反射出夫妻背影和画家本人。装饰性拉丁铭文写着：「1434年，扬 · 凡 · 艾克在此。」《阿尔诺芬尼夫妇像》不但是新型油画深入表现的最早尝试，也是后世风俗画和室内画的最早先例。 作为西方肖像画中最重要的作品《阿尔诺芬尼夫妇像》，以人物内在感情的形象化表达和肖像的情节性处理取胜。在这幅画中，主人公阿尔诺芬尼和他的妻子正在举行婚礼，生活环境的描绘，给人以虔诚和平的感觉，在某种意义上赞扬了当时的平民生活方式和道德观念。 《阿尔诺芬尼夫妇像》是画家的一幅著名绘画作品。画中的主人公阿尔诺芬尼，相传是当时有名的卢卡商人兼银行家，也是意大利美第奇家族在布鲁日的代言人。这幅绘制于木板上的油画，记录的是他和妻子成婚时的情景。画家用极其细腻、严密的手法，生动形象地刻画出了一对上层社会男女新婚燕尔的精彩瞬间。画面上夫妻二人都面向前方，阿尔诺芬尼头戴礼帽，身穿考究的氅式礼服，右手举至胸前，仿佛在宣誓对爱情的忠贞不渝。他的左手优雅地托着新娘的右手。穿着绿纱裙的新娘，微微低着头，左手轻轻地抚在自己鼓起的肚子上，好象在默默祈祷要做个贤妻良母。画面人物典雅从容，彬彬有礼，把婚礼仪式演绎得天衣无缝。和人物相映成趣的是他们左右极富象征意味的各种物件。新娘脚下有一只长毛小狗，被画得栩栩如生，活灵活现，很自然地让人想到是在象征着爱情的忠诚。他们的身后精致豪华的吊灯熠熠生辉，红色的床被一尘不染，仿佛在暗示以后生活的美满和幸福。在背景中央的墙壁上，有一面富于装饰性的凸镜，象征着爱情的纯洁和永恒。这幅画表现出了极高的油画绘制技巧和水平。首先对事物的描绘极为细致、准确，可谓'于细微处见精神'，比如从那面凸镜里，不仅看得见这对新婚者的背影，还能看见站在他们对面的另一个人。小镜框的四周还镶刻着十幅耶稣受难图，图像细小得几乎辨认不清。小凸镜左侧挂着一挂念珠，每一颗都描绘得极为逼真、形象，绝不含糊。画家精微的观察力和细密的绘画手法确实令人叹服。其次，画家对光影的处理也极为传神。画面左侧窗户透射进来光线后，在阿尔诺芬尼夫妇的身前身后都形成了背影，画家准确地把握住了这一点。并且整个图画光线的明暗、强弱处理得恰到好处。画家还运用了多种色彩。在色彩的厚度、饱和度、浓淡度等方面都表现出了极高的水平。比如新娘：白青色的头巾、浓绿色的长裙、深蓝色的内衣、黄色的袖子，色彩搭配得鲜艳、醒目，浓淡相宜。而整个画面上各种颜色互相衬托，相得益彰，达到了极好的视觉效果。整体上说，这幅画在光线、空间、质感的塑造上，色彩的饱和度、鲜艳度的把握上以及刻画事物的精确度、深入程度上都超越了同时代的画家，这幅画也是后来发展起来的风俗画和室内画最早的先例。据说，凡·爱克也是油画材料和绘画技巧的革新者和改进者，他最先尝试用松脂或乳剂作为调色剂的颜料，从而能使画面在一昼夜间就可干燥而且不怕潮湿。这种方法后来被意大利画家纷纷效仿。而《阿尔诺芬尼夫妇像》，是扬·凡·爱克运用新型油画材料深入进行绘画探索的成功尝试，他通过自己大胆的艺术表现手法的探索和绘画材料的改进，为油画的发展开创了更为广阔的发展道路。 这幅画的画家真实地描绘了典型的资产者形象，不仅再现夫妇的外貌和个性特征，而且对室内的环境什物作了极其逼真的描绘，显示了画家特殊的造型才能。阿尔诺芬尼，这个在1420年被菲力蒲公爵封为骑士真实人物，在画上拘泥而彬彬有礼地正和他新婚妻子在洞房中迎接贵客：他举起了右手，表示一种仪式，象征矢志爱情；新娘则伸出右手，放在新郎的左手上，宣誓要永远做丈夫的忠实伴侣。华贵臃肿的衣饰是尼德兰市民阶层中一种富有者的装束。室内的所有细节，如蜡烛、刷子、扫帚、苹果、念珠以及两人之间的小狗，都带有一定的象征性，它们提示着对婚姻幸福的联想。画面上洋溢着虔诚与和平的气氛，以表达对市民生活方式和道德规范的赞颂。在背景中央的墙壁上，有一面富于装饰性的凸镜，它是全画尤其值得观者注意的细节(见附图局部)；从这面小圆镜里，不仅看得见这对新婚者的背影，还能看见站在他们对面的另一个人，即画家本人。《阿尔诺芬尼夫妇像》不但是新型油画深入表现的最早尝试，也是后来发展起来的风俗画和室内画最早的先例。 弗兰西丝卡弗兰西丝卡（1416～1492），全名是皮耶罗·德拉·弗兰西丝卡，因此有时又被称为皮耶罗或皮埃罗。出生于意大利中部的博戈圣塞波克罗，父亲从事皮革业，家庭生活富裕。在世时以稳重的色调，毫无破绽的构图，清澈而静谧的画风赢得了很高的声誉。他还是个数学家，写出了众多关于数学和几何学方面的学术著作。他的代表作有：《圣母像》、《鞭打耶稣》、《复活》、《基督受洗》等。 入选画作： 《基督受洗》 尺寸：167 × 116cm 类别：木板蛋彩 收藏：英国，伦敦，国立画廊  《基督受洗》是发生在施洗者约翰生命中一件极重要的事，乃是借由耶稣超自然形貌的显现来印证其中的神性。弗兰西丝卡把耶稣放置于画面的正中央，一条从拱形上端的顶点所拉出的视线，穿过代表圣灵的白鸽，再穿过由施洗者约翰手里所拿的碗中滴下的水珠，直下到耶稣脸庞的正中部位，然后再穿过他恭敬合掌的双手，最后到达支撑他全身重量的右脚跟上。 《基督受洗》是画家为家乡一座礼拜堂画的祭坛画。由于祭坛画的特殊要求，画面有上部的半圆和下面的长方形两部分组成。这幅画给人一种怪怪的感觉，神秘的气氛，甚至有突兀的想法。它的画面是这样的：画面中央的耶稣，赤露上身，披散着金黄色的头发，双掌合十放在前胸，像一个佛教徒一样。他的肤色像石膏一样白，让人眩目。他的头顶，有一只碗在缓缓向下倒水，这是圣约翰正在为他施洗。他头顶的上方，在蓝天白云的衬托下，有一只伸展着双翅，正面直飞的白色鸽子。这和《圣经·马太福音》上叙述的是一样的：'耶稣受了洗，随即从水里上来。天突然为他开了，他就看见神的灵仿佛鸽子降下，落在他身上。'位于耶稣右侧的圣约翰，穿着一身红色的衣服，披着一头褐色长发，正专注地为耶稣施洗。而在他们的身后，突兀地出现了一个和耶稣肤色一样白如石膏的人，正弯曲身子脱去上衣，好像要跳到前面的水池里洗澡的样子，这与耶稣庄严的受洗气氛极不和谐。耶稣的左侧有一颗高大的树，枝叶繁茂，和不远处的一颗树枝叶相连。树的旁边站立着三个衣色各不相同的女天使。中间的一个流露出惊讶的神色。在耶稣后方的小路上，有几个人在走动。更远处，是起伏的山岭，上面有蜿蜒的小路以及树木花草等。这幅画的布局十分严谨、精确。弗兰西丝卡把完美的图形，按照一定的尺寸、比例糅合在他的图画中。比如，耶稣头顶的白色鸽子，圆圆的头部正巧是半圆的圆心，它伸展的翅膀正好和长方形的上边线水平。而天空中云朵的形状也颇为奇特，像一个个圆盘子一样，很像近代人传说中的飞碟的样子。正如前面说的那样，这幅画有一种超自然的神秘色彩。如果解释为耶稣受洗时，有神迹显现，当然是有道理的。可是如此庄严的场面，却被脱衣洗澡的人，以及后面走动的行人和女天使惊异的表情衬托得不伦不类。并且在色彩和光线的处理上，有一种冷艳和触目惊心的感觉。耶稣、脱衣洗澡者和中间的女天使都是眩目的白色，与周围的色彩形成鲜明的对比，也让人感到有一种刺眼的不和谐。整个画面又有一种被落日或者某种神秘色彩笼罩的感觉。据说，现代人从中找到了印象派的感觉，可能就是缘于这种色彩和光线处理所达到的效果吧。画中的透视手法也运用得很高妙，近、中、远景层层叠加，近水远山、树木花草、蜿蜒盘旋的山间小径，都描绘得逼真、形象，和真的一样。弗兰西丝卡，是到20 世纪才被绘画界重视，并公认为是文艺复兴时代最杰出的大师之一的。他超前的绘画理念，不同寻常的用笔手法以及对色彩的独到理解，是同时代人不太理解的。不过，时间是最公正的裁判，好的艺术作品总有被人们理解和认识的那一天。 波提切利波提切利（1445～1510），15 世纪意大利最杰出的画家。原名亚历山大·代·菲利普，波提切利是他的艺名。出生于佛罗伦萨一个手工业者的家庭。由于他在绘画方面的才艺而受到了当时佛罗伦萨实际统治者美第奇家族的赏识，从而得以进入上流社会。他的宗教画人文主义思想明显，充满世俗精神，代表作有《三王来拜》、《圣塞巴斯蒂安》等。后期的绘画中又增加了许多以古典神话为题材的作品，风格典雅、秀美。特别是他大量采用教会反对的异教题材，大胆地画全裸的人物，对以后绘画的影响很大。《春》和《维纳斯的诞生》是最能体现他绘画风格的代表性作品。 入选画作： 《维纳斯的诞生》 尺寸：172.5 × 278.5cm 类别：布面蛋彩 收藏：意大利,佛罗伦萨，乌菲兹美术馆  画面上人物的体态和衣纹表现十分出色，人物与自然背景也达到巧妙的和谐统一。维纳斯是那样无动于衷地以羞怯和幽怨的感情在对待一切，她对于生活的未来不是充满乐观的信心，而是感到惆怅和迷惑，这也是波提切利矛盾世界观的反映。 希腊神话中，克罗努斯阉割了乌拉诺斯，重伤的生殖器坠入大海，孕育出美女维纳斯。《维纳斯的诞生》正是描绘维纳斯从金色贝壳里涌现。风将她吹至岸边，用玫瑰为她沐浴，仙子正把装饰着春天花朵的斗篷围在身上。此画是古典时代以来，最重要的描绘躶体之作。 画面所表现的是西西里岛的一个美丽的传说：一片漂亮的大贝壳漂浮在碧波荡漾的海面上，上面站着纯洁而美丽的维纳斯，翱翔于天上的风神轻轻地将贝壳吹到岸边，等候在岸边的时辰女神正张开红色绣花斗篷，准备为维纳斯换上新装。娇艳的玫瑰花瓣从高处纷纷飘落，更给优美的画面增添了诗情画意。维纳斯身材修长，容貌秀美，双眼凝视着远方，眼神充满着幻想、迷惘与哀伤。 古希腊和古罗马神话中的维纳斯（古希腊神话中叫阿芙罗狄特），在传说中是代表爱与美的女神。据希腊神话描述，她诞生于爱琴海的波涛之中，并且一生下来就已成年，既不必经历懵懂无知的童年，也无需面对死亡将至的暮年，实际上是人类所追求的永恒美的象征。波提切利的《维纳斯的诞生》就是根据这个传说创作的。他以特有的清冷、大胆的笔触，赋予了维纳斯一种空灵、出尘的诗意美。画面中，在波光粼粼的爱琴海上，花瓣从天空坠落。裸体的维纳斯略显娇弱无力地站在一个大贝壳上，她微曲右腿，身体向右微微倾斜，一头金色长发被海风轻轻吹散。她的皮肤光洁剔透，散发出青春的气息，美丽的面庞略显出某种淡淡的迷惘。尤其是那双纯真无邪的眼睛，笼罩着一种脉脉的忧郁和哀怨，反映出她刚刚来到这个世界时的无助和迷茫。维纳斯的脖子和双手显得长了一些，但是这更增加了她的优雅和风韵。画面的左上方，长着翅膀的风神正鼓起双唇把维纳斯徐徐吹向岸边，那里，来迎接她的春之女神身着华丽服装，正准备把一件缀满鲜花的红色披风披到她裸露的身上。因为没有受到庄严的宗教气氛的约束，所以这幅画显得生动活泼，整个画面虚幻、飘逸、恬静优美、不落俗套。画家秀逸流畅、色彩绚丽的艺术风格可见一斑。波提切利通过自己神奇的画笔把画中人物形体的起伏变化和衣褶的卷曲通过线条表现得淋漓尽致，不愧为文艺复兴早期最伟大的线条大师。另外，这幅画的绘画风格在当时颇为与众不同，不是通过明暗法来表现人体造型，而是通过轮廓线，使得人体有浅浮雕的感觉，并且极适合装饰之用。画家既受当时人文主义思潮的影响，又对当时新贵族们在权力和金钱的侵蚀下道德沦丧的现实世界感到忧虑，这种矛盾的心理通过画中有着成人身躯而又略带忧郁和困惑眼神的维纳斯表现得淋漓尽致。可以说，这既反映了作者对中世纪艺术的崇尚，又反映了他对'新柏拉图主义'的热衷。正是这种迷茫和矛盾使得他的作品超越了感官本身的审美享受，使人的精神世界得到了净化和升华。实际上，这正是当时被基督教会视为'异端'的古典的唯美主义与人文主义的结合，是精神美与肉体美的完美统一，也是对当时'美不能从非美中诞生，也不能逐步完成，美只能自我完成'的柏拉图哲学的诗意阐释。正是这种打破常规的、大胆的艺术笔法使波提切利笔下的维纳斯成为了美术史上最迷人的美女和最优雅的裸体，更为后世的绘画者开辟更为自由广阔的创作空间提供了借鉴。 达·芬奇达·芬奇（1452～1519），文艺复兴盛期的巨人和多才多艺的天才。是一位思想深邃、学识渊博的艺术大师、科学巨匠、文艺理论家、大哲学家、诗人、工程师和发明家。他几乎在每个领域都作出了巨大的贡献，被后代的学者称为'文艺复兴时代最完美的代表'、'第一流的学者'、'旷世奇才'。他出生于意大利托斯卡山区的小镇芬奇，父亲是佛罗伦萨的公证人。他早年曾在佛罗伦萨韦罗基奥的作坊作画，后来，在佛罗伦萨、米兰和罗马等地工作并享有盛名，晚年受法国国王聘用，在法国的安波斯终其余生。达·芬奇一生完成的绘画作品并不多，但件件都是不朽之作。其作品具有明显的个人风格，并善于将艺术创作和科学探讨结合起来，这在世界美术史上是独一无二的。 入选画作： 《岩间圣母》  画中人物虽然被一团潮湿的空气所包围，但是人体的轮廓在昏暗山岩的衬托下还是能明显地辨析出来。奇怪形状的悬石从湿漉漉的岩体上垂下，具有植物学准确性的花草竟能辨别出鸢尾花，银莲花，紫罗兰和一些蕨类植物。年轻的母亲以温柔的手搂抱着下跪的幼婴约翰，她的另一只手则向儿子伸过去。天使面向着观众，把他们引向画中，用手指示着这个场面。一连串手势代表保护、指示、祝福等含义。 《蒙娜丽莎》 尺寸：77 × 53cm 类别：板上油画 收藏：法国，巴黎,卢浮宫  成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。那如梦似的妩媚微笑，被不少美术史家称为'神秘的微笑'。 达芬奇《蒙娜丽莎》无疑是有史以来最为著名的画作。不仅打破了传统的构图方式，对女性刻画到腹部，呈现出典雅和恬静的典型形象。同时运用「渐隐法」，消除了中世纪以来画作呆木僵硬表情，呈现出鲜活的生气。人物轮廓形象模糊，仿佛融入背景之中。尤其是眼角和嘴角浸润在柔和的阴影之中，造成了含蓄的艺术效果，极大地丰富了形象的意蕴。折射出的女性深邃与高尚的思想品质，也代表了文艺复兴时期的美学方向。 《蒙娜丽莎》是达·芬奇最杰出、最神秘的肖像作品。蒙娜丽莎脸上挂着一丝淡淡的、十分含蓄的微笑，嘴角微翘，双眉舒展，仪态安祥。 《蒙娜丽莎》是一幅享有盛誉的肖像画杰作，它代表了达·芬奇最高的艺术成就。该画成功地塑造了资本主义上升时期一位城市富有阶层的妇女形象。画中人物坐姿优雅，笑容微妙，明亮的眼睛、纤细的睫毛、垂落在肩上的柔软的而微微卷曲的头发都惟妙惟肖。画家也特别注重精确与含蓄相结合，使人物的内心和美丽的外表完美统一，从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古神韵，那如诗如梦的妩媚微笑，被不少美术史家称为'神秘的微笑'。蒙娜丽莎交叉的双手描绘得柔嫩、精确、丰满,完全符合解剖结构，展示了画中人物温柔的性格，更体现了她的身份和阶级地位。并且蒙娜丽莎神秘的微笑与交叉的双手构成了完整的组合，造型极为优雅，把主人公的神韵完美地体现了出来。达·芬奇精湛的画技和敏锐的观察力可以想象是多么高超。从绘画技巧上来看，这幅画的构图，达·芬奇改变了以往肖像画多采用半身或截至胸部的习惯，代之以正面的胸像构图。透视点略微上升，使构图呈金字塔形，从而使蒙娜丽莎显得更加端庄和稳重。在对背景山水的处理上，画家淋漓尽致地发挥了他那奇特的烟雾状'空气透视'的笔法。这样就把肖像后面的山崖、小径、石桥、树丛和潺潺的流水都推向遥远的深处，更加突出了人物形象。并且人物两边的远景并不在同一水平线上，右边视平线显得较高，这样的处理使人物层次感分明，当我们集中看右边时，我们会觉得远景上升，人物下降；当我们集中看左边时，会觉得远景下降而人物上升。随着观察者观察侧重点的不同，人物五官的位置，似乎也在随之移动。画家还精心处理了所有物体的轮廓，以至于观者很难从中找到一条清晰而实在的边线。相反，在每一处形体发生转折的部位，却可以感觉到无数细腻而微妙的层次过渡。在色彩的运用方面，虽然此作品中并没有明快亮丽的色彩，但明暗对比法更好地表现出了画面的各种关系，使画面显得整齐、凝练，达到了删繁就简的奇特效果。并且，达·芬奇对画中人物微妙至极的表情处理，也拿捏得恰如其分。比如对人像面容中眼角、唇边等表露感情的关键部位的把握就极为准确、传神、栩栩如生。 达·芬奇的《蒙娜丽莎》不仅继承了希腊古典主义庄重、典雅、均衡、稳定和富有理想化、理性化的表现规范，而且又进一步突破了希腊古典艺术在人本特质上的局限，触及到了人物更深层的精神世界，为后来的艺术家在表现人物更深层、更内在、更微妙的精神方面树立了典范，提供了借鉴。而后世人对于画中人物真实身份的猜疑以及对达·芬奇精湛画技的诸多评论和玄想更为这幅画增添了神秘色彩。 博斯博斯（约1450～1516），本名为吉罗姆·范·埃庚，生于安特卫普附近的荷兰小镇塞尔托亨博斯镇，因而取名博斯。自幼随祖父和父亲在故乡学画，擅长用细密笔法，描绘充满民间趣味的作品。曾为圣约翰教堂内玛丽亚兄弟会礼拜堂作画。博斯的作品大多未标明年份，难于明确其风格的形成。主要作品有三叶式祭坛画《干草车》、《世上欢乐之园》、《圣安东尼的诱惑》和《最后的审判》等。一般被认为是超现实主义画的创始人。 入选画作： 《人间乐园》  博斯非同反响的大型三联画《人间乐园》：通过透视与风景的衔接，从左至右，描绘了人类从纯美的天堂，途经充满变数与挣扎的人世，逐渐堕落至罪恶地狱的全过程。充满奇幻色彩的想象，对20世纪超现实主义有深远影响。 《圣安东尼的诱惑》 尺寸：131.5 × 119cm 类别：板上油画 收藏：葡萄牙，里斯本，国立古典美术馆  这是画家为里斯本的圣约翰教堂而作的祭祀画，画面描绘了圣安东尼跪倒在礼拜堂前被众魔鬼和撒旦纠缠的情景。画面上各种各样想象中的魔怪被刻画得匪夷所思而又生动形象。博斯通过这些象征性和暗喻性的虚拟形象，影射出教会的黑暗、宗教戒观的虚伪，以及社会秩序的黑暗。 博斯创作的年代，正值西欧封建制度危机四伏，社会矛盾尖锐，人们对宗教和社会改革呼声越来越高的时期。这种沉闷而烦躁的社会现状，使画家对人类统治的世界丧失信心，从而流露出某种悲观厌世的情绪。他把这种对现实的不满和失望，通过扭曲和变形的手法反映在他的画面中。可以说，在他的画中，人类的理性文明已荡然无存，到处充斥着荒诞、怪异、混乱和疯癫的狂躁。而深受基督教神秘主义影响的他，又把基督教传说中的圣人，特别是那些经历了各种肉体与精神的折磨，仍然保持着内心坚定信仰的圣人，当成了自我拯救的榜样和精神的寄托。这幅《圣安东尼的诱惑》是为里斯本的一家圣约翰教堂画的祭坛画，也是画家最富代表性的杰作之一。画中描绘了圣东安尼跪倒在礼拜堂前被众魔鬼和撒旦纠缠的情景。传说，圣安东尼是一位虔诚的基督教徒，在父母去世后，他将财产尽数散给穷人，自己隐居墓地，苦苦修行。其间经历了魔鬼的种种诱惑，从未动摇过他的坚定信念。画面中心的圣东安尼跪倒在地上，孤独而又无助，各种魔鬼幻化成的离奇古怪的怪兽、恶魔重重围困着他。读着《圣经》的老鼠、披着铠甲的鱼、拿着刀坐在篮子里的猴子、人面兽身的怪物，天空中飞翔的轮船、远处的屋顶上饮酒作乐的传教士、裸体的女子，一个从楼上跳下的人⋯⋯在画面的左上方，出现了熊熊烈火，喷吐的火苗施虐地吞噬着远处的建筑物，浓重的黑烟遮掩了大半个天空，无助和毁灭的气息笼罩着大地。仿佛整个世界都疯狂了，所有的魑魅魍魉都粉墨登场，扭捏作态地尽情狂欢着。整个画面中，各种各样想象中的魔怪被刻画得匪夷所思而又生动形象。博斯正是通过这些象征性和暗喻性的虚拟形象，影射着教会的黑暗、宗教戒规的虚伪以及社会秩序的混乱。画面中一半晴朗的天空，一半被浓烟遮蔽的天空，似乎在告诉人们若不坚定自己的信念，就会被恶魔引诱，从而万劫不复，失去上天堂的路。而整个杂乱无序、狂魔乱舞的画面，也可理解为是对人类潜藏在理性背后的虚伪和可怕本质的揭露，'我们胆怯而软弱、贪婪、衰老、出言不逊。环视左右，皆是愚人：不虔敬者、傲慢者、贪财者、奢侈者、放荡者、淫欲者、暴躁者、饕餮者、贪得无厌者、嫉妒者、下毒者、离经叛道者⋯⋯末日即将来临，一切皆显病态⋯⋯'所有的天地万物都被无序地糅杂在一起，怪诞、荒谬、张扬而又病态，其实这正是人心中各种膨胀的欲望和徒劳努力的写照，是人生虚无中挣扎的艺术化。博斯以其特殊、夸张的艺术手法，天才的想象力，具有象征意义的人物形象，以及精密细致的笔法、精巧的构思，树立了自己独特的现实主义风格，因为被后世美术史家尊奉为'独特的现实主义大师'。 丢勒丢勒（1471～1528），是德国文艺复兴时期最伟大的画家、版画家。出生于德国纽伦堡一个金匠家庭，幼年跟随父亲学习金银细工兼学绘画，后来又跟随木刻画家沃尔格穆学习版画技术。他曾到过意大利的威尼斯，广泛学习各画派的绘画技术，从而形成了自己独特的艺术风格。他晚年著述了《论人体的比例》等作品，对后世的艺术教育贡献甚大。主要作品有油彩画《四使徒》、《亚当》、《夏娃》、《博士来拜》等，铜版画有《骑士、死亡与恶魔》等。 入选画作： 《野兔》  丢勒的作品当中融合了北方的精工细描，与南方佛罗伦萨画派的科学严谨。《野兔》一丝不苟的细节极为引人瞩目，照亮野兔的金色光线投下奇怪的阴影，把每根独立的毛尖都凸显出来，不同凡响的处理呈现出魔幻的质感，仿佛动物也在思考着观者。丢勒现存作品的多样性和品质，证明了其在艺术史的重要地位。 乔尔乔内乔尔乔内（1477～1510），文艺复兴时期意大利著名画家，威尼斯画派发展史上一位备受尊崇的绘画大师。出生于威尼斯附近的卡斯特弗兰科镇的一个农民家庭，自幼家境贫寒。曾和提香一同师从乔凡尼·贝里尼一起学画，后因过失被一起逐出画室。同提香有过一段时间合作。作品以对风景和光线的出色把握，优美的诗意氛围见长。他的主要作品还有《博士来拜》、《朱提斯》、《暴风雨》、《田园合奏曲》等。 入选画作： 《牧羊人的朝拜》  《牧羊人的朝拜》是文艺复兴盛期最精美的基督诞生画之一。圣家族在黑暗洞口接受牧羊人的朝拜，沐浴的柔和光线意喻基督把光明带给世间，玛利亚身着华丽的红蓝相间的织物。威尼斯淡金色的天空色调，和浓郁的田园氛围，让这幅基督诞生画与众不同。 拉斐尔拉斐尔（1483～1520），原名拉法埃洛·圣乔奥，是意大利文艺复兴盛期画坛三杰中最年轻的一位。他出生于意大利东部的乌尔比诺，父亲是宫廷的二级画师，他从小跟随父亲学画。后来到佛罗伦萨后，更是积极吸取各派画家的优势和长处。形成了自己和谐明朗、优美典雅的艺术风格，在文艺复兴时期独树一帜。拉斐尔的重要作品有《雅典学院》、《西斯廷圣母》、《美丽的女园丁》、《椅中圣母》等。拉斐尔·桑西（RAFFAELLO SANZIO)（1483——1520）是意大利文艺复兴盛期著名画家和建筑家。文艺复兴意大利艺坛三杰之一，他父亲是宫廷的二级画师。他从小随父学画，七岁丧母十一岁丧父，进画家画室当助手，学习了十五世纪佛罗伦萨艺术家的作品，从此走上了独创的道路。从二十二岁到二十五岁，他创作了大量圣母像，从此声名大扬。拉斐尔·桑西没有达.芬奇那样经验丰富博学深思，也没有米开朗基罗的雄强伟健的英雄气概。虽然他只活了三十七岁，却成为文艺复兴盛期最红的画家。他的风格代表了当时人们最崇尚的审美趣味。他是个绝顶聪明的人，他的聪明特别表现在善于汲取他人之长，而后加以综合的创造。他一生创作了不少作品，其中《大公的圣母》和《教皇利奥十世》等，还作了一些建筑设计，并为西斯廷小教堂设计画稿。他的才能又表现在他创造出最合乎当时人们的口味的形象，风格被特称为一种'秀美'的风格，不仅使当时人倾倒，并且延续了四百年之久，成为后世古典主义者认为不可企及的典范。 入选画作： 《花园中的圣母》 一天，拉斐尔在花园中散步，看见一位美丽的少女正在花丛中剪枝，艺术家被她那富于魅力的形象所吸引，立即敏捷地将这位姑娘的形象速写下来。不久，他用这位少女做模特儿，创作了这幅名画。 《西斯廷圣母》 尺寸：265 × 196cm 类别：布面油画 收藏：德国，德累斯顿博物馆 这幅画曾被网友PS得面目全非，罪过罪过…… 拉斐尔「圣母像」中的代表作《西斯廷圣母》，窗帘揭示了圣母怀抱圣子的三角形布置。圣母的衣着白红蓝三色，分别象征着纯洁、爱和真实。左下方是罗马教皇西斯廷二世，流露虔敬和恳切。右下方是基督教圣女巴巴拉。 拉斐尔的圣母像分为两类，一类是人间母亲的形象，另一类以女王式圣母的形象出现。西斯廷圣母则是这两种圣母特征的结合，是画家理想中最完美的圣母形象。构图采用较稳定的金字塔形，刚刚揭开的绿色帷幕，圣洁美丽的圣母双脚赤裸，晶莹的双目注视着苦难的人间，怀中的耶稣瞪着两只眼睛等待圣母给他决断将来。 《西斯廷圣母》是拉斐尔为西斯廷教堂创作的祭坛画，也是他的'圣母像'中的代表作。画中洋溢着一种祥和、纯洁、典雅、明朗的氛围，让人不自觉地就沉醉其中，迷失自我。画面仿佛是一处舞台，帷幕隐去，圣母怀抱圣婴，脚踩祥云，从天而降。她的步子轻盈、优雅，镇定自若。衣服虽然有红、黄、蓝三种颜色，但醒目而不张扬，妩媚而不轻浮。她的眼中流露出一丝哀伤和无奈，可能因为知道自己怀抱中的圣婴伟大的使命和悲惨的结局。但这并不影响她坚定的步伐。依偎在圣母怀中的圣婴，睁大了眼睛看着人世，稚嫩的脸上有一种与年龄不相符的凝重与庄严。圣母的左下方，是公元3 世纪的罗马教皇西斯廷二世。他身披法袍，谦恭地仰视着圣母子，满脸虔诚，摘下的宝冠放在右下边。他一手抚胸，一手为圣母引路。画面右下方，妩媚动人的圣女芭芭好像沉浸在深思之中，又好像能够体会圣母的悲痛和无奈，虽然跪迎着圣母，却将脸侧向了一边，不忍正视圣母无奈的眼神。画面的下端是一对小天使，天真的脸上写满了迷茫和疑惑，抬头看着眼前的一切。在这幅画中，拉斐尔以精炼圆熟的手法，甜美、悠然的抒情风格赋予了圣母一种世俗的美，她既是神圣之母，也是一位爱子心切的人间慈母，从而达到了一种把美丽与神圣、爱慕与敬仰的种种情愫完美地融为一体的艺术效果。这样高超的处理，一方面体现了画家精湛的的画技和人道主义情怀，另一方面也拉近了观赏者与圣母的距离，觉得她更加可亲可爱。从布局上看，画中人物主次分明、详略适当，整个画面简洁而又灵动。如果我们从上看，画面上方有意设置的帷幕给人一种亦真亦幻的感觉，仿佛尘世隐去，来到了一个圣地一样。这样处理，给人一种先声夺人的视觉错位，仿佛我们一下子就进入了某种境界。如果从下面看，小天使们向上张望的眼睛，就如同神秘的路标，很自然地就把我们的目光引向了上方。对于这幅与真人等大的人物像，画家的匠心独运可见一斑。从绘画技巧看，拉斐尔适当地运用了短缩透视法，从而使人物之间留出了纵深感的空间，给人一种厚重和真实的感觉。画家简短有力的素描风格也发挥得淋漓尽致，画中的线条被处理得简洁、壮阔，并有一种张扬的力量，比如圣母衣饰上的线条，西斯廷二世向右张扬着的长袍以及圣女芭芭向后飘拂的衣皱，仿佛都被一种神奇的圣风吹拂着一样。而圣婴和小天使的身体曲线都用了局部素描的处理手法，运用得恰如其分。在色彩处理上，画家运用了多种色彩，使人物形象鲜明、灵动，达到了很好的色彩效果。《西斯廷圣母》是拉斐尔33 岁时的作品，画家在这以前曾绘制了许多幅超凡脱俗、恬静、优雅的圣母，而这幅略带哀伤的圣母像，可能是画家在经历了许多世事后，对美的一种新的理解和表达吧。不过，不管怎样，《西斯廷圣母》都是艺术史上最动人的作品之一。 《雅典学院》 尺寸：底边长度770cm 类别：湿壁画 收藏：梵蒂冈，教皇宫 全画以纵深展开的高大建筑拱门为背景，大厅上汇集着不同时代，不同地域和不同学派的著名学者。作者希望以回忆历史上黄金时代的形式，寄托他对美好未来的向往。 这是拉斐尔为梵蒂冈宫绘制的三幅巨型壁画之一，以古希腊哲学家柏拉图所建的雅典学院为题材，以古代包括语法、修辞、逻辑、数学、几何、音乐、天文在内的七种自由艺术为基础，弘扬了人类对智慧和真理的追求。画面上，古希腊以来著名哲学家和思想家汇聚一堂，有亚里士多德、苏格拉底、柏拉图、毕达哥拉斯等等。不同时代、不同地域和不同学派的著名学者，一起自由讨论，情绪热烈。全画背景为纵深展开的高大建筑拱门，拱门的中心透视点直通向遥远的天际。 1509年，罗马教皇尤利乌斯二世聘请年仅26岁的拉斐尔给自己的梵蒂冈宫做装饰壁画。壁画分列四室，第一室的画题是《神学》、《诗学》、《哲学》和《法学》四幅；第二室是关于教会的权力与荣誉；第三室画的是已故教皇利奥三世与四世的行迹；第四室内的四幅壁画，则由拉斐尔绘稿，由其学生具体绘成。而第一室内的《哲学》，也称《雅典学院》，是这组壁画中最出色的一幅。 《雅典学院》以纵深展开的高大建筑拱门为背景，以极为兼容并蓄、自由开放的思想，打破时空界限，把代表着哲学、语法、修辞、逻辑、数学、几何、音乐、天文等不同学科领域的古希腊、古罗马以及当时意大利的文化名人会聚一堂。它的主题思想是预示着从古希腊、古罗马土壤中孕育出来的人类理性精神的复苏，也是艺术家对人类中追求智慧和真理者的集中赞扬。 整幅画气势恢宏、场面宏大。画中人物栩栩如生、活灵活现。画面的中心是柏拉图和亚里斯多德，柏拉图指着天，亚里斯多德指着地，他们边走边谈，引经据典的样子。而苏格拉底正在和一个诡辩家辩论，数学家毕达哥拉斯正在忙着演算数据，一群学者围着欧几里得热烈地争论着，画中央的台阶上，躺着一个孤寂的犬儒学派哲学家第欧根尼，这位学者是个典型的虚无主义者，主张除了自然需要之外，其他任何东西都无足轻重，所以他平时只穿一身破烂衣服，住在一只木箱里。这个人物在构图上起了填补空白的作用，⋯⋯总的说来，五十多个人物，或行走、或交谈、或争论、或计算、或深思⋯⋯完全沉浸在浓厚的学术氛围和自由辩论的气氛中，无拘无束、形态各异。画家对其中每个人物的神情和动作都作了精细的思考和细致的安排，使他们符合各自的身份和学术特点，其阵容之宏伟，堪与米开朗琪罗的天顶壁画一比高下。并且据考证，这里的许多形象，体格壮健，动作有力，与米开朗基罗的艺术形象多有联系。更有意思的是，有人认为，画中柏拉图的头像正是画家以达·芬奇的头像为范本描绘的，从中可以看出，拉斐尔对前述这两位大艺术家的崇敬心情。画上的建筑形式和人物装束都带着鲜明的古希腊风格，暗示着古典传统的回归。 从绘画技巧看，拉斐尔采用了拱形圆屋顶的建筑作为背景，而作为中心透视点的层层拱门，直通遥远的天际，富有节奏的台阶层层升高，甚至连近处地面上的几何图案和拱顶的装饰花纹都异常精确、逼真，表现出画家极高的透视法水平，极大地增强了画面的空间立体感和深远感。这幅画的色彩处理也很协调，乳黄色的大理石结构，与人物红、白、黄、紫、赭等色的衣饰相互交错，相映成趣。 《雅典学院》呈现给了人们一个理想美的世界。画面上人物组合井然有序，与空间完美统一，并在高度的和谐中保持着生动的变化，是整体美和个体美完美统一的典范。这些学术大师们被画家以其完美、优雅、抒情的艺术风格，流畅的线条、精确的造型，清晰优美的人物形象，永远地定格在了人们的视线中，而这些人类的智者也在拉斐尔无可挑剔的精湛画技中获得了永生。 米开朗基罗米开朗基罗（1475～1564），文艺复兴盛期最伟大的雕刻家、画家，同时兼具建筑师、诗人及工程师。他出生于佛罗伦萨近郊。少年时曾进入吉兰达约的绘画作坊学习，后又跟随多纳太罗的学生贝托多学习了一年雕塑，主要以自学为主。为了完全彻底地掌握人体结构，他曾亲自解剖尸体进行研究，其画风强健有力，能精确地表现出人体的任何一种姿势和动作。他的艺术风格以现实主义为基础，又兼具浪漫主义风格，有很深的人文主义思想。其绘画代表作有《创造亚当》、《最后的审判》和《圣家族》等。 入选画作： 《最后的审判》 尺寸：14.4 × 13.3cm 类别：壁画 收藏：梵蒂冈，西斯廷教堂 1535年末，教皇保罗三世不顾作者年事已高，要他为西斯庭教堂祭坛后面的大墙上绘制壁画。教皇这种疯狂的艺术剥削行为，使米开朗基罗身心俱悴。当时，米开朗基罗正经历着精神与信仰的危机，他选择《最后的审判》这一主题，展现了他的痛苦。 《最后的审判》是米开朗琪罗受命于罗马教宗，为西斯廷天主堂绘制的巨幅天顶壁画。尺度巨大，绘有400多个现实和历史中的人物原型。 这是一幅教堂祭坛壁画，表现的是人一生要不断违逆上帝旨意，犯下深重罪孽，但终将得到救赎。构图的中心是审判者基督，他以左右万物的姿态高高举起右臂，主宰着四周人们的命运。审判者外表的完善健美与严峻表情对比鲜明，是人的力量与神的力量的强大结合的体现。基督的上方是天使、圣母与天国人物围绕在四周，经过审判后正升入天堂的选民和被拖入地狱的罪人位于画面下方，最底部是阴森的地狱。整个画面流动着上升与下降的感觉，雄伟壮丽之中另有肃穆恐怖之感。那些正被拖入地狱的人们在痛苦挣扎着，表情充满了绝望和哀求。此画完成共花去了6年多时间，开创了将宗教人物画成裸体形象的先例。 米开朗基罗在创作了西斯廷礼拜堂天顶壁画25 年后，再一次走进西斯廷礼拜堂创作了《最后的审判》这幅巨作。此时的米开朗基罗已经变老了，然而大师的想象力和创造力是不会随时光流逝的。事实证明，他再一次创造了奇迹。不过，与25 年前相比，此时的意大利已发生了很大的变化，反对罗马教皇和封建统治者的运动此起彼伏，米开朗基罗的弟弟就在革命中去世，画家对教皇和皇帝们的恶行极端的愤怒。在这幅巨作中就包含着作者沧桑的人生体验以及对教皇等统治阶级的极端愤慨和控诉之情。《最后的审判》描绘了耶稣来临时，对人类进行最后审判的时刻。在画的底层描绘的是地狱的入口，左侧是复活的死者，右侧则是堕入地狱的灵魂。引渡亡灵的神驾驶着小舟穿梭在冥河中，冥界判官在审判这些灵魂。在画的第二层，七位天使位居中央吹响了末日审判的号角，左右两边是飞升天堂或堕入地狱的人，也有掩面痛哭、后悔莫及的人物造型。第三层是全画的中心，基督威严地高踞画面上端，圣母玛利亚依附在他的左侧。在他的周围是先知、使徒和殉道的圣徒。最上端两个半月形构图中一边是耶稣受刑的刑柱，另一边则是钉死耶稣的十字架。大致看，这幅画可以分成这样几个连贯而又独立的层次。从整体来看，这幅画以耶稣为视觉中心，形成左右对称的布局，人物的组合构成动势的漩涡形，犹如暴风卷过人群，体现出末日审判的混乱不堪。位居云端的耶稣，高举有力的膀臂作出最后审判的决断，他的面孔显示出一种令人敬畏的强烈震怒，这是他发挥神杖，彰显正义，惩治邪恶的时候。殉难的圣徒们，各自向耶稣诉说着自己的冤屈：如被剑射死的圣赛巴先、被吊死的劳伦斯等。画家把他推崇的但丁、碧特丽丝等意大利的英雄们，都安排在了画中飞升天堂的位置上，而那些代表恶势力的教皇们则被安排在了向地狱滑落的一方，在画家心中，上帝的审判是绝对的、公正的、唯一的，不管什么人，恶有恶报，善有善报。从表现手法看，《最后的审判》初看上去，似乎有些纷繁杂乱的感觉，可是细心看就会感觉到人物组合有序、比例得当，有着潜在和谐规律。画家把200多个真人大小般的裸体巨人塑造得栩栩如生。画面构图采用了水平线与垂直线交叉的复杂结构，使画面匀称而又有序。为了取得最佳的观赏效果，避免从下面仰视画中人物时，出现不协调的比例，画家特别将上面的人物画得大了一点，底部的画得小了一点。据说，1541 年的圣诞前夕，该画揭幕时，曾引起了整个罗马城的轰动。当时的教皇看到这幅气势磅礴、慑人心魄的宏伟巨作时，跪倒在它的面前，说：'上帝啊，当末日降临时，不要审判我的罪啊。'可是到了后来，由于教皇的司礼官切萨诺在新教皇面前搬弄是非，说在教堂里不适合放裸体像，于是，教皇命令大师的弟子沃尔塔拉给这些裸体画上了衣服。可笑的是这位画家却因此得了个'穿裤子的画家'的绰号。 提香提香（1490～1576），生于意大利的卡多列，是威尼斯文艺复兴时期最伟大的画家。早年曾赴威尼斯学艺，与著名画家乔尔乔内是师兄弟，早期曾多有合作，深受乔尔乔内风格的影响。乔尔乔内去世后，他成为了威尼斯画派的领军人物。提香不断超越自我，在绘画上取得了极大的成就，特别是在用色方面有极高的造诣，他的绘画风格和用色技巧对西欧各国绘画艺术的发展都产生了深远的影响。他的作品很多，代表作有《天上的爱与人间的爱》、《圣母升天》、《基督下葬》、《酒神祭》等。 入选画作： 《掠夺欧罗巴》 1551年，提香创作取材于《变形记》的「诗歌」系列。借助神话，以视觉艺术的形式呈现爱情、欲望和死亡。其中《掠夺欧罗巴》，描绘宙斯被腓尼基公主欧罗马的美貌吸引，化身白色公牛，将其掠至克里特岛的一幕。强烈的对角线构图和松散的笔法，拓展了威尼斯画派的情感宽度和表达技巧。 小荷尔拜因小荷尔拜因（1497～1543），德国宗教改革时期最著名的肖像画画家。生于奥格斯堡，卒于英国伦敦。自幼就在父亲老荷尔拜因的画坊中学习绘画，奠定了扎实的绘画基础。1514 年前往瑞士巴塞尔，受到了人文主义思想的熏陶，画艺也大有长进。后来由于画技精湛，得到英国亨利八世的赏识，成为了英国王室的宫廷画家。他的主要作品有《伊拉斯谟像》、《德国商人吉兹像》、《大使们》、《亨利八世》、《死神之舞》等。 入选画作： 《外交官们》 《外交官们》是文艺复兴艺术最让人过目难忘的肖像画作，充满隐藏的意义和让人痴迷的矛盾。画作展现两位法国法国庭臣的肖像。一丝不苟的写实主义中，航海、日晷和乐器等物件都赋予了象征意义，不仅是身份地位的象征，更反映了上流社会的优雅趣味。下部变形的骷髅形象，作为由来已久的死亡提示。 让·克卢埃让·克卢埃（1485～1540），出生地不详，从姓氏考证是尼德兰南部人，卒于巴黎。父子三代都是画家，路易十二时期到法国宫廷，成为法兰西斯一世的首席宫廷画师。是法国'枫丹白露'画派的杰出代表，以现实主义肖像画著称于世。著名的肖像画《法兰西斯一世》是其代表作，其他作品还有《沐浴的女人》、《法国国王查理七世肖像》等。 入选画作： 《法兰西斯一世》 尺寸：96 × 74cm 类别：木板油画 收藏：法国，巴黎，卢浮宫 1529年，让·克卢埃来到巴黎担任法王法兰西斯一世的宫廷画师，这幅肖像画是在他任职期间画的。画中的法兰西斯一世穿着豪华，仪态潇洒，尤其是他的两只手，作成了骑士般的风度(法王被号称'骑士国王')，华丽的绸缎大袍加强了形象的华贵气质。色彩较精细，衣服的绸缎质感画得很出色，银灰色调子上又添深紫、深黄、深蓝，衣服上的光泽给人以一种寒冷感。法王长着一对细小的眼睛，斜视画外，尖尖的下巴颏，使他的长相与身上的宽袍极不协调。表情更显得奸诈有余、仁厚不足。 《法兰西斯一世》是让·克卢埃的代表作，也是美术史上一幅著名的肖像画。画上的法国国王法兰西斯一世，虽然在世时并不受人民拥护，但对艺术有特别的偏爱，对当时正值巅峰的意大利文化也极为倾倒。他曾多次邀请意大利的艺术家到法国进行艺术创作，其中甚至包括文艺复兴巨匠之一的达·芬奇等人。法国现在举世闻名的卢浮宫也是他当时首倡用于收藏艺术经典的，此外他还特意邀请了大批意大利画家、雕塑家以及建筑师与法国的艺术家们一起参与枫丹白露行宫的扩建，促进了两国之间的文化交流，也直接推动了法国'枫丹白露'画派的形成。他的举动极大地赞助和肯定了当时的文艺成就，也为法国的文化、艺术事业的发展作出了不可磨灭的贡献。画面上的法兰西斯一世穿着豪华，仪态高贵典雅，王者之气十足。华丽无比的绸缎大袍很有质感，上面各色的花纹刻画得细腻、逼真，并且各种花纹对称排列，很有层次感，极好地体现了这位国王的审美品位，也把他海纳百川、兼容并蓄的开放心胸体现得淋漓尽致。他身后红、黑相间的花纹背景处理得极为细腻、精巧、一丝不苟，把国王金色的王冠衬托的熠熠生辉，体现了他至高无上的权力，也把画家精湛的构图技巧体现的淋漓尽致。国王有着细长的眉毛，狭长的眼睛，高挑的鼻子以及浓密的胡子，面相看上去端庄、威严，体现了他高贵的气质和居高临下的优越，也有一点奸邪的狡黠以及蔑视和宽厚不足的阴谋家味道。他的颈上有一挂项链，项链的底端坠着一颗宝石。左手扶着桌上的手套，右手握着短柄的宝剑，洋溢着骑士精神。让·克卢埃给国王法兰西斯一世绘制的这张典型的'外交式'肖像画，无疑是极为成功的。画面的色彩极有条理，他把背景处理成红、黑相间的图案，很好地衬托了国王的金黄色的锦袍，使人物形象鲜明、突出。而金黄色的锦袍又夹杂了深紫、深黑、深蓝等对称的花纹，既突出了袍子的华丽无比和可以触摸般的质感，也达到了搭配色彩、平衡画面的效果，使画面看上去色彩斑斓，很有层次。国王略微侧身的身体造型也选择得很好，看上去自然随意，避免了正面的呆板，也提供了画家艺术表现的空间。画中蕴含着一种静穆肃严的氛围，也很有飘逸悠远的韵味，把这位人世国王的世俗高贵之美提升到了某种脱俗的境界，增加了些许华贵高雅的神圣之美，这都体现了画家高超的运笔技巧，也是他对画中氛围出色把握的明证。让·克卢埃是法国'枫丹白露'画派的杰出代表，他在借鉴意大利各画派的绘画技艺的基础上，形成了自己沉静、含蓄、生动形象的画风。他对法国绘画艺术的影响是深远的。 丁托列托丁托列托（约1518～1594），文艺复兴后期威尼斯画派的重要画家。出生于威尼斯一个丝绸染织家庭。原名雅各布布·罗布斯蒂，丁托列托是其绰号，意为'染匠之子'。他自幼就喜欢画画，曾在提香门下学习。他天资聪慧，在绘画上吸收了提香多变的色彩和米开朗基罗素描的技巧，自成一家。作品生动形象，极富激情。代表作还有《圣保罗的皈依》、《圣母参拜神庙》、《基督受刑》、《最后晚餐》等。 入选画作： 《圣马可的奇迹》 《圣马可的奇迹》表现正置于死地的奴隶，被从天而降的威尼斯守护神圣马可挽救的情节，隐喻的宗教方式，象征了威尼斯的独立与拯救基督徒的使命。奴隶的倒卧姿态，倒挂的圣马可身躯，都显示了丁托列托表达急速运动中的人体透视的能力。构图奇幻、光影强烈，超脱了庄重和谐的文艺复兴画风，别具一格。 彼得·勃鲁盖尔勃鲁盖尔（1525～1569），16 世纪尼德兰地区最伟大的画家。出生于布鲁日附近的布鲁格尔村，曾在比利时的安特卫普习画，而后迁居布鲁塞尔，最后逝于此。他创作过一定数量的宗教画，但更喜爱创作以民间谚语、传奇故事等为题材的民俗画、风景画，其中蕴含着尖锐的讽刺和深远的寓意。代表作有《儿童游戏》、《雪中猎人》、《农民的婚礼》等。 入选画作： 《雪中猎者》 地景名作《雪中猎者》，是勃鲁盖尔风景领域的最高成就。从雪山顶俯瞰弗兰芒村庄的视角，左侧猎人和猎犬将观者的目光引导至右边的广阔风景。理想的构图结构、微妙的细节处理，使这幅组合式风景呈现出唯美的视觉感受。 埃尔·格列柯埃尔·格列柯（1541～1614），西班牙著名的幻想风格主义画家。出生于希腊的克里特岛，原名多米尼科·泰奥托科普利。最先在故乡学习绘画，后到意大利广泛学习各派画家的画技。1577 年来到西班牙，后来长期定居于托莱多。他的作品构图奇特，布局多呈幻想结构，用色大胆、新奇，呈现出梦幻般的奇特效果。主要作品有《圣母子与圣马丁》、《托莱多风景》、《脱掉基督的外衣》以及《拉奥孔》等。 入选画作： 《奥尔加斯伯爵的葬礼》 埃尔 · 格雷考《奥尔加斯伯爵的葬礼》气势宏大，描绘两位圣徒安葬奥尔加斯伯爵的一幕。画面上部天堂，下部尘世。遗体降下地面，灵魂飞升天堂。芥末黄、樱桃红和墨蓝的刺目色调，与埋入黑暗的背景对比鲜明。画作中对威尼斯式色彩的运用和变型拉长的形体表达，预示了未来表现主义的出现。 卡拉瓦乔卡拉瓦乔（1573～1610），意大利杰出的现实主义画家。出生于卡拉瓦乔，原名米开朗基罗·梅里奇，卡拉瓦乔是他的艺名。曾师从米兰画家培德查诺学画，继承了意大利北部现实主义民俗画的传统，并受到威尼斯画派的影响。到罗马后曾画过大量风俗画和静物画题材的作品，但并未引起注意。他一生生活艰辛，四处漂泊，年仅37岁就客死他乡了。他的代表作还有《基督下葬》、《圣母升天》、《诗琴演奏者》、《圣马太与天使》等。 入选画作： 《基督下葬》 祭坛画《基督下葬》是卡拉瓦乔最受倾慕的作品之一，描绘基督被钉十字架后，由约翰、尼哥底母、马利亚等人为其下葬的悲剧场景。强烈的自然主义、明暗对照的光影技巧，以及围绕事件的对角线构图，既融汇了古典意味又充满现实主义风格。 保罗·鲁本斯鲁本斯（1577～1640），17 世纪巴洛克绘画风格的代表者。生于德国锡根一个律师家庭，曾到意大利学画，广泛吸收提香、韦罗内塞等人的绘画风格，也受到了同时代卡拉瓦乔艺术风格的影响。他的画色彩鲜明，线条多变，形体夸张，很受当时上层和富裕市民的喜爱。他熟悉七国语言，还是一位出色的外交官。代表作品还有《基督下十字架》、《苏珊娜·芙尔曼》、《瞻仰圣母》、《圣家族》等。 入选画作： 《玛丽皇后在马赛港登陆》 鲁本斯在1621年到1630年期间，应聘当了政府的外交顾问，参加了许多外事活动。在这一时期，他为法国皇后完成了以《玛丽·美第奇生平》为总标题的幅历史画巨作。这套历史画也是画家艺术生涯中最能显示其艺术影响的伟大巨构。 《战争与和平》 巴洛克绘画代表性画家保罗· 鲁本斯，政治寓意画 《战争与和平》曾充当和平使者，促成英国与西班牙之间的和平。画面中央的和平女神、丰裕之角的孩童以及橄榄枝环，都意喻和平带来了繁荣、财富、丰收和幸福。鲁本斯以热情洋溢，气势宏伟，色彩丰富，运动感强的独特风格，成为巴洛克美术当之无愧的翘楚。 伦勃朗伦勃朗（1606～1669），荷兰现实主义绘画巨匠。生于莱顿一个磨坊主的家庭，家境贫寒。曾跟随当地画家亚各布学画，后来又到阿姆斯特丹学画。1632 年开办新画室，进行了大量创作，最著名的有《蒂尔普教授的解剖图》等。他后来遇到了很多不幸的事情，生活趋于艰难，经济拮据，负债累累。他的一生留下了500 多幅油画，把荷兰的肖像画、历史画和风景画发展到了极致，为油画的发展作出了极大的贡献。他的主要作品还有《花神》、《浪子回头》、《100 荷币版画》、《浴女》等。 入选画作： 《夜巡》 尺寸：363 × 437cm 类别：布面油画 收藏：荷兰，阿姆斯特丹，霍兰国立博物馆 这幅伦勃朗受雇于阿姆斯特丹射手连队所作的肖像画，展现了巴洛克传统的绚烂风俗场景。伦勃朗通过大师级的明暗法和戏剧性场景，跳出传统集体肖像的陈规，另辟蹊径。描绘了卫队上尉率领黄色铠甲的中尉集结队列。历史画般的光影和构图，体现了精彩的逼真感、强烈的舞台感和动态感。手势、眼神、火枪和旗帜的视觉交响，以及随色彩渐变的透视，使画作充满了扣人心弦的魅力。伦勃朗混合象征主义和写实的手法、场景和隐喻，将传统俗套的题材，改造成超越时代、地域和类型的杰作。 《夜巡》是伦勃朗艺术和生活的一个重要转折点。这幅画并非描绘夜间的景象，而是描绘白日的街巷中阿姆斯特丹警备队的群像。但因表面清漆的氧化等因素，形成了今日阴暗的面目。《夜巡》是伦勃朗为阿姆斯特丹城射手连队画的一幅群像。他们每人出一百弗罗伦(荷币)，想要与别人占有同等的位置。但是，伦勃朗却没有把射手们安排在豪华的宴会或欢乐的娱乐中去，却将每个人物多少带有些做作的豪情和风姿加以表现。 《夜巡》是伦勃朗最著名也是最引起争议的一幅作品。这幅画背后的传奇故事和这幅名作一样引人注意，发人深思。这幅画是当时阿姆斯特丹的射击手公会16 名军官（一种武装保安组织）向画家订做的一幅集体肖像画。据说当时的每一个军官都拿出了100个荷兰盾，希望画家能把他们按照各自的身份和军阶都正面画在画上，集中放在一个层面上。可是画家彻底打破了这种平衡，他选择了一个以两个队长为首领的紧急集合的场景，画上的人物被放在了不同的空间层面上，有先后主次之别，甚至有的被放在阴暗的角落中，有的只呈现局部。画作完成后，射击手公会拒绝接受，要求画家按照他们的意思进行修改，画家拒绝修改，认为画家有权对自己的作品做作出完工与否的决定，双方争执不下，闹成僵局。最后诉诸法律，画作遭到退定，画家退还了订金。这件事给伦勃朗带来了极大的伤害，他名誉扫地，成了阿姆斯特丹最不受欢迎的画家，订单稀落，弟子也不再登门，经济名画档案越来越困难，最终宣布破产，搬到了贫民区，直至在贫病中去逝。这幅画是画家人生的一个转折点，整个改变了画家的以后生活，也从中折射出了艺术家在忠于艺术和满足世俗需求中出现的差异和无奈。画面采取的是近舞台剧的形式，队伍纷纷涌上街头，画中两位身着不同服装的人走在队伍的前列，构成了画面的中心。他们一个身穿黑军服，头戴黑礼帽，披着红披巾，一个穿着黄色军服，戴着黄色的帽子。二人正在沉着镇静地商议问题，准备对整个队伍的行动作出决议。其他队员跟在他们身后，有的手持长枪，有的挥舞旗帜，有的在互相议论，队伍出发时的紧张气氛跃然纸上。在人群中还有一个形象鲜明的小女孩，夹杂在人群中惊慌失措的样子，是整个画面的意外插曲，其实有人认为她是光明和真理的化身，是唤起人们反抗异族统治的光荣记忆。不过整个画面除了两个队长和那个小女孩外，其他人物都被安排在了暗色调的中、后景中，光线明暗对比强烈，人物主次分明，画家着意留出了大量黑色的空白，给人留下想象的余地。可是到了19 世纪，由于油画失色，表面的光油呈现黑褐色，有人误认为画家描绘的是晚上的场景，因此取名《夜巡》。后经专家鉴定，画家采用的是白天的自然光线，描绘的也是白天的场景。在这幅画中，画家通过独特的构图和色彩及明暗的处理，塑造出了一种紧张、神秘、动感的队伍出行氛围。打破了巴洛克艺术中那种激动不安和讲究排场的法则，而是更多地关注人物的内心活动。正如画家本人说的那样：'艺术家的天职是创造美的形象，而不是计算有多少个头颅。'虽然他的后世生活极端艰辛，可是他为绘画艺术所作出的卓越贡献，历史是不会忘记的。 乔治·拉图尔拉图尔（1593～1652），17 世纪法国'卡拉瓦乔主义'艺术的代表人物。生于德国吕内维尔附近，具体事迹不详。曾长期被人遗忘，直到20 世纪30 年代才被重新重视。他的作品以宗教题材为主，擅长表现夜间烛光下的人物，被称为'烛光画家'。代表作有《木匠圣·约瑟》、《手摇弦琴演奏者》，还有这幅《忏悔的抹大拉的玛丽亚》。 入选画作： 《油灯前的抹大拉》 法国画家拉图尔是17世纪的「光线大师」，《油灯前的抹大拉》是其经典之作，描绘抹大拉以手托腮，在微暗的光线下耽于默想，为自己的罪忏悔。膝上的骷髅，意指提醒要正视死亡，充满了清醒、沉静和悲哀的反省。画面构图严谨，内心表达细腻，具有雕刻般的充实感。运用燃烧蜡烛的夜光以极端写实手法描绘光与影的变化；风格独特的深刻质感，明暗对比强烈的空间表达，流露出神秘而动人的气氛。 普桑普桑（1594～1665），17 世纪法国最伟大的古典主义画家。出生于法国诺曼底地区的一个小城维莱。从小就酷爱绘画艺术，后曾跟随多位画家学画，也曾潜心古希腊、古罗马艺术以及文艺复兴大师们的作品。担任过短暂的宫廷画师，后来回到意大利，并长期定居罗马。他的代表作有《花神的庆典》、《诗人的灵感》、《萨宾妇女被劫》、《酒神节日》以及《屠杀婴儿》、《台阶上的圣母》等。 入选画作： 《阿卡迪亚的牧人》 尺寸：85 × 121cm 类别：布面油画 收藏：法国，巴黎，卢浮宫 尼古拉斯· 普桑《阿卡迪亚的牧人》，展现夕阳西下，传说中的世外桃源阿卡迪亚，四人围着墓碑的探讨。墓碑拉丁文铭刻「即使在阿卡迪亚也有我」。男女牧人构成形象化的情绪对比。希腊雕刻风格的服饰，牧歌式的悲凉情调，崇高的艺术表现手法激发思古之幽情，也隐含着对「死亡」更深层次的讨论和思索。 作品的背景是希腊阿尔卡迪地区。在古代，这是一个与世隔绝的地方，阿尔卡迪这一名称表示理想中的牧歌般的世外桃源。但即使在美丽的阿尔卡迪也无法逃避死亡。最初的作品中，牧羊人与其说是恐惧，莫妨说是以好奇心在研究坟墓。而这里则洋溢着更加庄严而冥想的气氛。 《阿尔卡迪的牧人》是普桑在罗马时期的重要作品之一。阿尔卡迪是希腊神话中的一个田园牧歌式的乐园，也是生命永恒的幸福之地，就如同陶渊明笔下的世外桃源一样。画中的背景是一片风景优美的墓地，近旁的树木枝叶繁茂，和煦的阳光照在地上，远处是连绵的山峰，蓝天上飘着白云。画面前方有一块大墓碑把画中的四个人分成两半，右边的一个年轻牧人把左脚站在墓碑前的石块上，右手拄着长长的牧羊棍， 左手指着墓碑上的文字，转过头询问他身旁的一个少女，好像在问'是这样吗？'他身后的少女穿着黄、蓝色的衣服，正若有所思地在考虑什么。墓碑的左边，一个衣着蓝袍的牧人半跪在碑前，正伸出手指聚精会神地辨认墓碑上的文字，好像在说：'真是这样吗？'墓碑上的拉丁文是'牧人们，如你们一样，我也曾生活在阿尔卡迪，体验过幸福，而如我一样，你们也必死亡。'画面的最左端是一个站着的牧人，手扶墓碑，正低头看着这一切。画中墓碑上的文字显然是全画的'画眼'，所有的情节都围绕它展开。而这个关于生命和死亡的哲学命题，在这幅画中被处理得平静、超然、美丽。人人都在思索或者疑问，但都心平气和、坦然面对。很显然他们都拥有着健康、美貌，都洋溢着生命的活力和青春的激情。那么，画家通过他们各自发问或者思索的表情想告诉我们什么呢？是告诉我们：不管生命曾经多么美丽，不管你体会了怎样的幸福，到头来都会化为虚无，消失在另一个阴暗的世界里。还是告诉我们：如果你真诚的活过，好好地享受过了幸福美丽的人生，那么死亡也没有什么可怕的，因为美丽的人生就已经永恒。或者他更是在讽刺世人，当年轻、健康、美丽的时候，又有几个人认真地考虑过我们生命的意义呢？不管怎样理解，当我们面对这样一幅画，看着墓碑上的文字时，心灵总是难以平静，因为它揭示了一个事实——不管生命多么灿烂， 最终都会消失得无影无踪，就如同墓中人一样。可以说这幅画深刻的哲学味道，也是它吸引人的原因之一，因为它给人生命的震撼和思索。从绘画技巧看，画面布局严整，结构紧凑。整幅画以墓碑为界分为两半，蹲着的两个人和站着的两个人交叉对称，构图均衡平稳。人物形象刻画得栩栩如生，询问的神情、伸出的手指、蹲着的姿势都很逼真、生动。从色彩上看，画面上蓝色、黄色、红色的衣服与风景中的白云、蓝天、黄色的树叶、青色的山峰水乳交融，连成一片，把画面渲染得如同仙境，给人亦真亦幻的纯美之感。整幅画既有古典主义的庄重、严肃、神圣的崇高美，也不乏浪漫主义的思想和激情。普桑贯通古今，融合百家的高超绘画技能由此可见一斑。 《阿尔卡迪的牧人》是普桑的代表作。在这幅画里，三男一女四位牧人正在辨认墓碑上的拉丁文：'Et in Arcadia ego'，不管ego是否死亡本身，整个画面表现的确实是对'死亡'的讨论和思索。天色有点暗，有三棵远近不一的树都倾向左边，石墓线条端庄，四个人神态各异。画面的右后方，在较暗的地方透出晚霞，这几缕光线使整个画面显得特别优美，这种对幽暗的平衡，使人丝毫感觉不到死亡的可怕。的确，使我们害怕的不是死亡本身，而是它所代表的'分离'（至于说对'无意识'的恐慌，是荒唐可笑的，因为既是'无意识'，也就不会感觉到失望或痛苦的可能。）'分离'是我和别人的，甚至是我和自己的。但这种分离不独死亡才具有。死亡只不过表示分离的不可逆转，而其他类型的（'生的'）分离还可以给人一个幻想的机会。幻想的可能性在于其本人的想象力和创造力。 委拉斯凯兹委拉斯贵支（1599～1660），西班牙现实主义绘画艺术最伟大的代表人物。绘画史上伟大的'宫廷画师'之一。出生于塞维利亚一个破落的贵族之家，11 岁开始学画。1623 年受邀成为宫廷画师，从此以后，为众多的贵族王室绘制肖像，并确立了他在肖像绘画史上的重要地位。他的代表作品还有《卖水人》、《煎鸡蛋的老妇》、《教皇英年诺森十世》、《火神的锻铁场》等。 入选画作： 《宫娥》 尺寸：318 × 276cm 类别：布面油画 收藏：西班牙，马德里，普拉多美术馆 这是一幅超级有内涵的画，是应西班牙国王菲利普四世的要求画的。在画中，画家没有直接画出国王与王后，而是让画面中央部位（邻近景深处）的一面镜子反射他们的形象。福科在他的著名的《词与物》中解读这幅油画时指出，'我们要假装不知道景深处的镜子到底反射的是谁，并在其存在的概念上质问这反射为何'，如此就会看到，'当目光以直角穿越画面时，主体与客体、观众与模特，都在无数次交换角色'，这样，这幅画变成了'古典表象的表象'、它指向'一种本质性的虚无'、'相似性的基础的瓦解'、'主体的取消'，总之，这是一个无主体的开放的民主的空间。 委拉斯凯茨高度感染力的绘画巅峰《宫娥》，利用镜子反照的空间，记录了自己为西班牙国王作画的场景，以及公主突然闯入的偶发瞬间。这幅精心构建的「关于油画的油画」，运用透视法、几何学、视错觉等，呈现出多层次的空间与丰富的视觉效果。委拉斯凯兹为创作者找到了独立自主的存在意义。画中能找到所有现代前卫创作的先进元素，不断启发著后来的艺术创作者。 这是委拉斯贵支晚期的一件重要作品，描绘了宫廷里的日常生活。小公主玛格丽特被描绘得既庄严又具有掩盖不住的稚气，占据画面的中心位置。一名宫女向她跪献水杯，画面的右边是正在作画的画家本人。画家把自己安排在这一颇富戏剧性的情节中，使整幅图画具有浓郁的生活气息和情调。 《宫娥》是一幅表现当时西班牙的小公主玛格丽特日常生活场景的作品，也是画家最为出色的一幅表现宫廷生活的作品。画面的背景是一个很高的大厅，左边立着一个大画架，画家本人正在看着画面前面的模特一丝不苟、专心作画，可谓是'画中有画'。居于画面中心的小公主玛格丽特，在众人的簇拥下，显得耀眼尊贵。她衣着华丽，正襟危坐，一脸严肃的样子，让人很自然地感觉到宫廷礼仪的威严。一个女仆蹲在地上正把一杯茶水递给她，很恭敬小心的样子。她的右侧侍站着她的年轻女教师，后面是两个男仆。右前方是一个伴玩的侏儒和一条大狗。在画面右边的边缘一个女孩把一只脚踏在大狗的身上，样子很是可爱。越过小公主，我们可以看到后面被分割成不同空间的墙壁。墙上悬挂的一个大镜子正反射出站在前面的菲利普四世和王后玛丽安娜。至此，我们才知道画家原来正在给国王夫妇作画。墙壁的上方隐没于阴影中的是鲁本斯的画作。大厅的底部开着一道门，一个宫廷侍卫站在门前的石阶上，从后面看着眼前的一切。这幅画极为成功地运用了透视法，大厅交成直角的两堵墙，以站在石阶上的宫廷侍卫为投影点，而从门外投进来的光线又很好地衬托和强调了这一点，达到了令人诧异的立体感和真实度。可以说从后门投射进来的光线以及挡住光线的后门，在衬托大厅纵深度这一点上是极为关键和重要的，这一点从构图到光线的处理都反映出了画家精湛的画技。另外，画家'画中作画'的构思也极为巧妙。我们在欣赏他的名作，而他通过自己入画作画的方式告诉我们他是怎么作画的，并通过墙壁上的镜子告诉我们正在为谁作画。这种自问自答的方式增强了我们的欣赏趣味，也启发了我们更多的想象空间。'文章贵曲'，其实作画也是，这一耐人寻味的点睛之笔，无疑为图画增色不少。 画中光线和色彩的处理也很独到。一束光线从公主右侧的玻璃窗上射进来，照射在公主和其他人身上，突出了人物形象，然后又与后门射进来的光线遥相呼应，互为衬托。中间设置成黑色调。整体光线明暗对比柔和，过渡自然，详略适宜。画面上的色彩比较艳丽，表现技巧复杂多变，把宫廷人物华丽的衣饰描绘得淋漓尽致。对人物的面部表情，不管尊贵与否，都刻画得一丝不苟，比如画中侏儒的面部特征就刻画得很生动传神。 委拉斯贵支是卓越的宫廷画师，也是伟大的现实主义画家。他运用油彩的技巧让同时代的许多画家大开眼界。他既为宫廷的王公贵族作画，也为那些出身低微的平民，甚至陪人玩笑的侏儒认真作画。正如他自己说的那样：'我宁可成为首屈一指的粗俗画家，也不愿当耻居人下的优雅画家。'也许正是这种身居高位，仍能平民心怀的心胸以及献身艺术的主体意识，才成就了他独树一帜的绘画技能吧。 华多华多（1684～1721），法国著名画家，洛可可艺术的前期代表人物。出生于瓦朗谢纳一个手工艺人家庭。1702 年来到巴黎，曾先后在舞台画家基罗和版画家奥德朗门下学艺。他的作品充满了梦幻般的色彩，艳丽典雅，很好地迎合了当时人享乐和浮华的生活情趣。代表作有《爱之园》、《任性的女人》、《意大利的喜剧演员》、《热尔森画店》以及最著名的《舟发西苔岛》等。 入选画作： 《舟发西苔岛》 尺寸：129 × 194cm 类别：布面油画 收藏：法国，巴黎，卢浮宫 西苔岛，是希腊神话中爱情与诗神游乐的美丽岛屿。华托将画作转变成梦幻和浪漫的奇幻故事。聚焦于贵族男女成双结对，准备离开西苔岛之时，中了爱情魔咒的恋人留在维纳斯前，即将离去的女子回眸，恋恋不舍。梦寐以求的天堂胜景和永恒之爱，毕竟只是海市蜃楼，洛可可式淡淡的忧郁气氛弥漫画间。 华多活跃于18世纪初期的法国画坛上，是一位天才画家。他的早期作品表现的多是下层平民生活，后期则致力于描写贵族青年男女们在田野和庭院里谈情说爱、寻欢作乐的场面，为此他被人们称为'风流画家'。华多的画为同时代的洛可可画家提供了范本，为洛可可绘画艺术的产生奠定了基础。他的许多作品都表现贵族的纵情享乐，但作品题材的庸俗并没有掩盖他过人的才华，相反，他能够使这种世俗的游乐生活看起来具有一种非凡间所有的清幽闲适。 华多生活在法国路易十四过渡到路易十五的年代。这一时期，由于路易十四的大力改革以及'重农抑商'政策的推行，法国资本主义经济得到了长足的发展。伴随着经济的发展，文学艺术也蓬勃兴盛起来。由于富裕阶层和宫廷贵族艺术趣味的转变，加之受到中国出口到法国的大量瓷器、漆器工艺上精美花纹的影响，传统的古典主义艺术不再流行，一种全新的艺术形式——洛可可艺术开始盛行起来。'洛可可'为法语音译，其本意是用贝壳和石子组合成的装饰品。这种风格表现为艺术品上多用纹样花饰，大多纤细、浮华、繁缛精巧的特点。在绘画上，一般都色彩柔丽，极尽铺张浮华之能事，绘画的题材多为神话故事。一般都是表现爱情的热烈、亲密的主题。人物形象大多娇艳妩媚、富有肉感，带有很强的感官刺激效果。华多是'洛可可'艺术的前期代表性人物。《舟发西苔岛》是他的成名作，曾给他带来了极大的荣誉。画面描绘了一群贵族男女，正从无忧无虑的爱情乐园西苔岛愉快归去的情景。西苔岛是希腊神话中爱神和诗神游玩的美丽岛屿，实际上也是当时贵族和富裕阶层梦寐以求的自由爱情和尽情享乐的精神乐园的象征。画面的远方是蔚蓝的浩渺大海，让人想到这是一个远离尘世的爱之岛屿。在这个小岛上长满了高大的树木和各色的花草，一群尽情玩乐后的贵族男女正恋恋不舍地依次登船，准备离去。画面的前方，紧挨着岩壁长着两棵枝叶茂密的大树。岩壁上，雕刻着一尊断臂的爱神像，她的身上放满了鲜花，显然正是这群对爱情充满无限激情和幻想的贵族男女放上的。爱神像的下方，一位男士正一边抱起坐着的女士，一边在她的耳边说着话好像正在向她许诺着什么或者正哄她离去，显然都带着依依不舍的神色。女士前方的地上还放着一个布娃娃。他们的前面，一个男士正拉起一位撒娇的金黄色头发的女孩，显然这个女孩正在撒娇着不愿离开这美丽的爱情之地。他们的前方一对夫妇正互相搀扶着准备上船，其中的妇人回头看着撒娇的女孩，脸上充满了会心的微笑。他们的脚下一只小花狗也回头看着发生的一切。再前方是一群已经陆续登舟的人，他们有的互相拥抱，有的大声说笑，都无限的留恋着这个小岛。画面左边还站着几对年纪较大的贵族男女，正在互相说笑。在他们的头上飞满了长着小翅膀的爱神之子——丘比特，这些胖乎乎的小人也在互相打闹、嬉戏，非常可爱。整个画面被虚无缥缈的景物笼罩着，让人感觉到这确实是一个远离尘世的神仙所在，从而也把画中的人物置身于一个充满幻想、浪漫、欢愉的天堂之地。使这发舟离开西苔岛的场景充满了缠绵悱恻的难舍情怀、离别之意。画中人物形象虽然比例很小，但都栩栩如生，形态各异，都用自己的方式表达着各自离别的心情和想法。华多因为这幅画而轰动沙龙，声名大振，并因此被法兰西皇家艺术院接纳为院士。只可惜好景不长，四年后，画家因肺结核病就与世长辞了。 舟发西苔岛，法国画家华多最负盛名的代表作，1717年创作。西苔岛，是希腊神话中维纳斯居住之地。画中描写三姐妹各自带着自己的恋人准备乘船向西苔岛，寻求爱情乐园的情景。人物组合的各个细节很有生活情趣，以写实的前景与抽象的虚无飘渺的远景，构成一幅世外桃园式的、欢乐与爱情共存的幻境。 夏尔丹夏尔丹（1699～1779），18世纪法国著名的静物画画家。出生于巴黎一个木匠家庭。前期曾从事过多种手艺工作，后来自学绘画成才。1728年因创作静物画《鳐鱼》，被接纳为法兰西美学院院士。画风平易、朴实，所画静物平淡写实，让人感到亲切可爱。为当时的启蒙思想家所推崇。代表作还有《午餐前的祈祷》、《有猎物的静物》、《市场归来》、《神情专注的保姆》等。 入选画作： 《吹肥皂泡的少年》 一个衣着破旧但不失整洁的少年正从室内向室外吹着肥皂泡，他聚精会神小心翼翼地将肥皂泡越吹越大，越吹越大。还有一个孩子，看上去仅有3、4岁，正踮着脚扒着窗台使劲从室内向室外观看……题材非常普通，情境极为单纯，这是一种清闲、安逸的生活情趣，反映了下层平民的孩子们自然、俭朴的快乐生活。 《午餐前的祈祷》 夏尔丹《午餐前的祈祷》是18世纪风俗画的杰作，与当时矫揉造作的洛可可截然不同，表现了家中静谧虔诚的一幕。年幼的女孩，在饭前祈祷时犹豫不决，不知所措地抬头望向母亲。简朴虔诚的气氛，充满了含蓄却浓郁的感情色彩。厚实粗糙的画面质感，更接近现实生活的本来质地，捕捉了平淡生活中易于忽略的温情瞬间。 庚斯博罗庚斯博罗（1727～1788），英国著名的肖像画家和风景画家。出生于萨福克郡的一个羊毛商家庭。他的母亲是位静物画家，他自小就受到了良好的美术教育。他把肖像画和风景画很好地融为一体，于风景画中画肖像，在肖像画中加上美丽的风景。笔触奔放，充满活力。代表作有《蓝衣少年》、《令人尊敬的格雷厄姆夫人》、《西敦夫人》以及《安德鲁斯夫妇像》等。 入选画作： 《穿蓝装的小孩》 新颖别致的蓝色调不但没有任何不适之感，反而使人感到眼前一亮；活泼、跳跃的蓝色绸缎，变幻莫测的衣纹、高光；不落俗套的蓝色与含蓄、变换丰富的黄灰、蓝灰、绿灰、红灰的背景形成了奇妙的和谐对比。 《安德鲁夫妇》 尺寸：69.8 × 119.4cm 类别：布面油画 庚斯博罗以描绘英国的田园景观著称。代表作《安德鲁夫妇》将新婚夫妇置于画面一侧，背景是他们大片的私有地产，玉米象征着丰饶和茂盛。安德鲁夫妇和艺术家自幼熟识，还是中学同学，但关系从未平等过。强烈的社会鸿沟，造就了夫妇毫无顾忌的高傲态度，以及望向艺术家的鄙夷神情。 肖像作品往往蕴含有浪漫主义情调，画家喜欢把自己的个性融入到描绘对象之中。特别是对女性肖像的描绘，更是多用灰调和冷调，使得画面和人物都看上去相当柔和。庚斯博罗的风景画同样非常出色，而且他的许多肖像画的背景既与人物相统一，又可以独立存在，构成一幅完整的风景画。《安德鲁夫妇》这幅画表现的是一对夫妇在午后打猎休息的情景。大地在他们右边向远方延伸，从捆绑成束的谷物可以看出这是在秋天。画家原来的意图可能是想在图中放一只已被男主人公杀死的雉鸟，因为从安德鲁太太未画完的蓝缎衣披盖着的膝上隐约可以看见一只鸟形的轮廓。 《安德鲁斯夫妇像》是画家早期的著名肖像画。画中描绘了年轻的安德鲁斯夫夫妇悠然地坐在一棵大树下歇息的情景。安德鲁斯太太坐在树前的一个大铁椅上，穿着华丽的拖地裙，戴着一顶黄帽子。她的表情镇静、肃穆，不怒自威。她的丈夫戴着黑色三角帽，胳膊上夹着一把长枪站在妻子旁边，他交叉着双腿，表情随意、散漫。一只狗跟随在他身旁，正抬头往上看。画中的背景是一片非常开阔的田野，起伏不平的地势，远处有稠密的橡树林，也有零星地散布在田野上的橡树，他们的旁边是一块成熟的麦田。天空中布满了变幻莫测的云彩。安德鲁斯夫妇选择了行猎的途中或者特意假定的环境为自己作画，把自己置身于大自然的怀抱中，赋予了这幅肖像画浓厚的生活气息。不过安德鲁斯太太宽大的拖地裙与整个环境极不协调，她手中拿的东西，像是一个猎物，山鸡之类，但模糊不清。据此，有人推测这幅画并没有最终完成。画中色彩处理得清淡调和，天蓝色的衣裙、黄色的麦田、青黄色的树叶、蓝黑色的天空，整个色彩比较相近，对比柔和，过渡自然和谐，让人看起来赏心悦目。画中人物位置的安排，也很有独创性，并没有按照常规把人物居于画面的中心，而是位居一端。同以前的肖像画比较，手法变得灵活、多变，给人一种新颖的感觉。这样的画面处理使人物与环境水乳交融，互相衬托，相得益彰。庚斯博罗是一位个性鲜明的画家。在同时代的画家中，他的作品不同于荷加斯那样重视画面的'自律'，重视情节、教益。也与当时著名的肖像画家雷诺兹有着根本的区别，雷诺兹严守古代希腊、罗马艺术的古典主义规范，追求庄严、恢宏、肃穆的艺术效果。而庚斯博罗作画往往是自发的、即兴的。他打破了用色、构图方面许多规范的窠臼，不拘泥任何程序，往往凭激情一挥而就，比如上面已经说过的，他在构图上的创新和突破等，就体现了这一点。还比如，有一次雷诺兹在学院讲课时告诫学生：蓝色是冷色，不能在画中做主色调。庚斯博罗听到后，有意与其较劲，特别约请一位工场主的儿子穿上蓝色的服装为作为模特创作了一幅以蓝色为主调的《蓝衣少年》。这幅画新颖别致，主蓝色与含蓄、变换丰富的黄灰、蓝灰等背景形成了奇妙和谐的对比，画作获得了极大的成功。庚斯博罗虽然是一个以肖像画家的身份扬名上流阶层的画家，可是他更喜欢风景画，正如他自己说的那样：'画肖像是为了赚钱，而画风景画则纯粹是爱好。'他非常喜欢画田园景色，油彩的处理手法流畅自如，线条生动有力，画面充满了诗意、典雅之美。他的肖像画获得了极大的成功，但他的风景画更成为后世的风景画画家努力的方向，并对莫兰、透纳以及康斯坦勃尔等后世风景画家产生了深刻的影响。 弗朗索瓦·布歇布歇（1703～1770），法国18世纪洛可可绘画艺术的典型代表。出生于巴黎，早先跟随具有洛可可风格的勒穆瓦纳学习绘画，后又学习过版画创作，曾自费到意大利学习过绘画创作。他的作品极力迎合王公贵族口味，把洛可可艺术发展到了最高水平。作品一般都色彩浓艳、纤巧华丽，充满色情意味。代表作有《里纳尔多与阿尔米达》、《狄安娜出浴》、《沙发上的裸女》以及《蓬巴杜夫人》等。 入选画作： 《戴安娜的休息》 画家竭力描绘的是裸女的形体美，纤小的手足，柔嫩白皙的肌肤，躯体坚实丰腴，裸体姿色性感而诱人。由颈项下延至肩臂胸部的曲线，圆润如珠，光彩夺目。有位评论家认为这幅画是布歇'最艺术性的裸体画'。 《躺着的少女》 《躺着的少女》是洛可可大师布歇最著名的画作，摆脱了神话或故事的叙述背景，呈现出对官能的直接赞美。柔美的光线、丰韵的肉体、迷人的织物，散发着致晕的香韵。整幅画作的基调是纯真的，正如画家所言：「她像百合花那样洁白，拥有自然或艺术所能赋予的所有美丽。」 弗拉戈纳尔弗拉戈纳尔（1732～1806），法国18 世纪最具代表性的洛可可画家，以描绘风流社会的爱情见长。出生于法国南部的香水之乡。曾师从夏尔丹学画，后来又转到布歇门下学习。他的作品风格多变，色彩华丽，充满色情意味。晚年时因绘画风格不合时尚逐渐没落，1860 年因贫穷死于巴黎。他的代表作有《秋千》、《瞎子摸象的游戏》、《为情人戴花冠》等。 入选画作： 《秋千》 尺寸：81 × 64cm 类别：木板油画 收藏：英国，伦敦，华莱士收藏馆 作为18世纪艺术最知名的图像，弗拉格纳尔的《秋千》体现了洛可可艺术的优雅和俏皮。右侧阴影中的丈夫正在推秋千，左侧则是藏在灌木丛中的情人。两位倾慕者同时沐浴在阴影中，但情人伸展的臂膀有明显的雄性气息。弗拉格纳尔将荡秋千的主题处理成不贞的象征，通过添加机智的细节体现了自己的风格。 这幅木板油画创作于1766 年，是弗拉戈纳尔最著名的代表作。作品描绘的是一对贵族夫妇在茂密的丛林中游玩戏耍。年轻的贵妇人正在荡秋千，眼光中充满挑逗，她故意把鞋踢进树林中，其夫被引得四处忙乱地寻找，她反而恣情大笑。作品趣味虽然轻佻俗艳，却很符合当时贵族的口味，无论题材与形式，都体现了典型的洛可可风格。 弗拉戈纳尔是最受杜·巴莉夫人——路易十五继蓬巴杜夫人后又一著名情妇——喜爱的画家。他擅长在妩媚的人物和华丽的服装上大显身手，在讨好女人方面很有功夫。最擅长描绘有关爱情或者偷情情节的肖像画，画面上常常是红花绿叶、流光溢彩，人物浓妆淡抹，极尽浓艳奢靡之能事。作品极富变化，大胆的情节、飞舞的笔触与传统手法大相径庭。比如在画中常常用东方的水彩、墨水渲染等多种手法来作画，使画面极富表现力。从艺术的角度来看，他在捕捉人物欢愉的细节以及描绘人物寻欢作乐的场面上，确实很有才华。《秋千》是一幅装饰性木板油画，也是画家被提及最多、最著名的油画作品。画面描绘的是在一个树阴浓密，鲜花盛开的花园，一个年轻美貌的少妇正在荡秋千的情景。少妇衣着华丽，面庞娇柔美丽，看上去悠然自乐，显然玩得极为开心。在她身后的树丛中，一个头发已经花白的老头正牵着秋千的绳子，乐此不彼地推拉秋千。据说，这位年龄比少妇大的多的老男人就是她的丈夫，显然是老夫少妻的格局。画面的左端，少妇面对的方向，一个年轻男子正躺在花丛中与少妇暗送秋波，女子还高高抬起右腿，有意地朝那男子踢飞了一只精致的绣花小鞋，不难想到，这二人瞒过少妇的丈夫正在嬉戏调情，而她的丈夫还被蒙在鼓里。只有花园里出现的三个生动形象的小爱神雕像，目睹了这一轻佻、滑稽的调情过程。据说，画面上的这个年轻男子就是订画者，一个著名的银行家。他订做这幅画，是有意炫耀自己的这段'爱情'经历的。这幅画画得十分细腻、精致，花园的树木花草描绘得极为美丽，少妇的华贵衣服更是画得如同云霞。画面上一束光线正好照在少妇身上，很好地调和了画面的光亮度，使画面明暗对比和谐、自然。在色彩的运用上，主要是绿色，把这春意盎然的季节渲染得淋漓尽致。少妇的粉红色衣服与周围的环境形成了鲜明的对比，可以说是'万绿丛中一抹红'，很好的突出了人物形象，也把这一'红袖翠软'的香艳场面描绘得入木三分。但是这幅画的格调总的来说是极其低俗的。以描绘男女间风流艳事为主题，在弗拉戈纳尔的画作中占有一定比例。与他的老师布歇一样，弗拉戈纳尔画过很多这种题材的作品。并且从内容与形式看，弗拉戈纳尔的作品更趋于媚骨和低俗，有些方面几乎还显出色情描绘的成分。比如他还有一幅描绘一位少妇在舞会上溜到侧室与情人仓促接吻的《偷吻》；一个贵族少年用梯子爬到阳台上与少女幽会的《约会》等。这些作品一定程度上代表了当时贵族的艺术趣味，也反映出了当时贵族生活的放荡淫逸。很多时候，艺术家也是悲哀的，弗拉戈纳尔的这些画就是完全为迎合上流社会而做的。为了挣钱糊口，他不得不给富人们画一些有关放荡、偷情题材的小画。正如他的朋友说他的那样：一个可悲的'为混饭吃而粗制滥造作品'的画家。不过，当我们不用道德的标尺，而是用艺术的角度来衡量他的作品，会发现他在用色、构图、人物的刻画等方面确实很有天分。 画面上，在浓密树阴的花园里，一个年轻女子穿着嫩粉衣裙像玫瑰一样在秋千上盛开。女子身后较暗处，牵着秋千的年老男子是她的丈夫。女子正面明亮处，偷窥裙下春光的年轻男子正与秋千上的少妇眉目传情。背后的老头却一无所知，只有小爱神看出来了伸出食指提醒。 路易·达维特雅克·路易·大卫（1748—1825）是欧洲古典主义绘画的先驱和代表性画家，在法国大革命和拿破仑时期雄踞法国画坛。他的作品大多表现历史英雄人物，构图严谨，技法精细，画风简朴庄重。其代表性历史画有《荷拉斯兄弟之誓》、《马拉之死》、《拿破仑一世及皇后加冕典礼》，肖像画有《雷卡米埃夫人像》等。大卫（1748～1825），法国新古典主义绘画风格的著名代表。出生于法国巴黎的一个中产阶级家庭。曾入皇家美术院学习，后获得了罗马大奖而奔赴意大利游学，深受米开朗基罗和拉斐尔等人的影响，对古典美术产生了浓厚的兴趣。在法国大革命时期，绘制了大量的历史画。他的代表作有《荷拉斯兄弟之誓》、《马拉之死》、《加冕》等。 入选画作： 《拿破仑穿越阿尔卑斯山》 尺寸：高270厘米 宽232厘米 类别：画布油画 收藏：4处： 巴黎Malmaison博物馆、巴黎凡尔赛宫、柏林Charlottenburg博物馆、维也纳Belvédère博物馆藏 本画的妙处在于，远景的简约和近景的细腻，色彩的冷暖对比极为强烈，人物和战马的细节刻画非常到位。对于这个理想化的形象，拿破仑本人也十分满意。 《跨越阿尔卑斯山圣伯纳隘道的拿破仑》再现了1799年——1802年第二次反法同盟战争期间，拿破仑率领4万大军，登上险峻的阿尔卑斯山，为争取时间抄近道越过圣伯纳隘道，进入意大利的情景。拿破仑军队进入意大利后，给那里的奥地利干涉军队出其不意的打击，最终获取马伦哥战役的胜利。跨越阿尔卑斯的壮举，堪与公元前3世纪迦太基统帅汉尼拔大败罗马军队以及公元8世纪查理曼大帝征战意大利的战绩相媲美。这场战役的胜利，提高了拿破仑的威望和地位，为他后来登上权力的顶峰打开了通道。 意大利战役后，西班牙国王查理四世向大卫订制了这幅画。大卫把画面人物安排在圣伯纳山口积雪的陡坡上，阴沉的天空，奇险的地势加强了作品的英雄主义气概，红色的斗篷使画面辉煌激昂。画面上年轻的拿破仑，充满梦想和自信，他的手指向高高的山峰。昂首挺立的烈马与镇定坚毅的人物形成对比。凡尔赛博物馆绘画部总策划人克莱尔·康斯坦女士介绍说，拿破仑对这幅画的创作进行了干预，要求对真实的历史细节作修改。其实，拿破仑翻山时骑的不是马而是驴子，穿的是普通军大衣而不是红色斗篷。他之所以要求做这样的修改，据说是为了渲染其'英雄的气概和史诗般的远征'。画作完成后，应拿破仑的要求，大卫和他的学生又画了4幅。这些画现分别存于凡尔赛宫、玛尔梅斯拿破仑博物馆等处。其中，凡尔赛宫的藏品在大卫生前一直由他本人亲自保存，悬挂在他的办公室内。由于极其珍贵，加之尺寸较大，搬运不便，这幅画只到意大利展出过。中法两国文化部趁法国文化年在华举办的时机，促成了这桩美术交流史上的盛事。继《法国印象派绘画珍品展》之后，法国名画又一次走进中国的美术殿堂，向中国观众讲述这个在历史上投下巨大身影、毁誉并存的伟人的故事。 《贺拉斯兄弟之誓》 新古典主义之父达维特，充满舞台感的政治寓言画《贺拉斯兄弟之誓》，讲述公元669年贺拉斯三兄弟和阿尔巴三兄弟。虽然彼此家庭间有婚约盟誓的羁绊，依然选择听从长者之命，在战争中互相战斗。兄弟们选择了政治理念高于个人动机，丝毫不为满面愁云的姐妹所动。画中强烈的信念激起前所未有的共鸣，表现了这个动荡时代的英雄楷模。 《拿破仑加冕》 尺寸：610 × 931cm 类别：布面油画 收藏：法国，巴黎，卢浮宫 这是大卫奉拿破仑之命创作的。为求真实地再现当时的情景，画中的许多人曾被画家请到画室作模特。画家忠实描绘了1804年12月在巴黎圣母院隆重举行的国王加冕仪式的场景。身穿紫红丝绒与锦绣披风的拿破仑，双手捧着皇冠，向跪在自己面前的皇后约瑟芬的头上戴去。画中人物多达百人，有宫廷权贵、大臣、将军、贵妇、红衣主教与各国使节，气氛庄严，场面壮观。作品宏伟的构图、磅礴的气势、巧妙的构思和写实的作风对后来的欧洲绘画产生了重要影响。 1804 年12 月，拿破仑在巴黎圣母院举行了隆重的加冕仪式，成为了法兰西帝国的皇帝。为了纪念这一隆重的历史性事件，拿破仑任命大卫为宫廷画师，画下了这幅规模宏大，人物众多的历史画——《拿破仑加冕》。据说，当时教皇庇护七世给拿破仑及其皇后约瑟芬的额头涂上'圣油'后，拿起皇冠正要亲自给拿破仑加冕，不料，拿破仑突然夺过皇冠自己戴上了，然后，拿起另一顶较小的皇冠戴在约瑟芬头上。画面中描绘的正是拿破仑给皇后加冕的一刹那，教堂里的气氛十分安静、肃穆，众多人物都屏息静气。身材'高大'的拿破仑，正意气风发地把皇冠高高举起，在他的前面对他顶礼膜拜的皇后约瑟芬正跪在他的脚下，准备接受这一无上的荣耀。皇后的两个儿子捧托着母亲的衣裙站在后面。头戴高大尖帽、手持权杖的教皇庇护七世神情黯然，无可奈何地站在拿破仑身后。拿破仑的周边站满了王公大臣以及参加典礼的各界人士，他侧面的观礼台坐着皇帝的家人，其中一位和蔼微笑着的贵妇人，正是拿破仑的母亲。不过，实际上拿破仑的母亲并没有参加这场庆典，因为那时她正在生皇后的气。因为拿破仑那时年仅35 岁，正是英雄正当年，可是约瑟芬已经徐娘半老，41岁了，并且其前夫是个保皇党，而她又不能再生育了，皇帝的母亲对这桩婚姻十二分不满意。可是为了保持画面的完整性，大卫还是把皇帝的母亲画了上去。观礼台的上面一层坐着画家和他的家人，以及朋友孟格斯、维安和格雷特等人。整个画面有150 多人，个个栩栩如生，都对当时风光无限的拿破仑流露出崇高的敬意和由衷的感佩。这幅著名的大型历史画，大卫用了两年时间完成。作为参加了盛典的观礼者之一，他很好的把握了当时的现场氛围，把这一人物众多，气氛异常寂静、肃穆的历史性场面生动地刻画了出来。难怪拿破仑看到这幅画时曾说：'这不是一幅画，这是处处都有生命、活生生的一个史实。'画面的构图也极为科学，大卫以皇帝给皇后加冕的场景作为中心，把加冕现场的横断面展现了出来，从而为最大限度地描绘这一规模宏大，人物繁多的场面提供了可能。在光线的处理上，以加冕的中心场景为核心，明暗对比强烈，过渡也很自然，从而使画面重点突出，详略适宜。当然，画家在记录这一场面时，也适当进行了艺术加工，比如画上并未出席的皇帝母亲，把众所周知的矮个子拿破仑画得高大庄严等，这都是为了表现的需要，很好的衬托了加冕的主题。这幅画在当时的影响是很大的，法国的一家报纸曾称其'场面是这样的静谧，所有的人物都这样的恭敬'，画出了'无上严肃的典礼'。同时，这幅气势夺人的加冕场面画作，也粉碎了当时一些革命思想家仍想改革的信心。 |
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