陈中林，1968年生于江苏南通。1989年毕业于苏州工艺美术学院绘画专业。师从当代著名画家蒋风白，范扬，霍春阳，唐秀玲，曾来德，诸位先生，擅长花鸟画创作。
现为中国国家画院范扬工作室画家，北京市西城区书协理事。
得霍春阳的雅，范扬的逸，创造自己的神
陈中林的老师范扬（中国国家画院国画院副院长，当代著名画家）曾评论他的画：“中林的画求简，计白当黑，有宋元意韵”。而另一位老师霍春阳（天津美院教授，著名写意花鸟画家）评价他的画：“可以跟古人相媲美，而且毫不逊色。”从两位绘画大师的评价中，不难看出陈中林的画中蕴含的宋元特质。
陈中林作品
宋元绘画既是中国传统绘画的集大成者，也是基石，代表着中国传统书画的最高峰。因此宋元绘画也是学习国画的必修课，更是评价国画作品的准绳。评论一位国画画家的作品有宋元意韵，其实是对其极高的评价。陈中林的作品，正是因为其宋元气质和韵味，可以让人眼前一亮，在众多国画作品中脱颖而出。
陈中林作品
而这种脱影而出，并非只是因为外在的表象。就像时下流行的国风类选秀节目，参选者身着国风的装扮，唱国风的歌曲，虽然外表看上去都是“国风”，但能跳脱出来，让人一眼就记住的，从来都不是外表最像的，也不是唱歌技巧最好的，而是由内而外散发出中国韵味和气质的。
这种韵味和气质是与生俱来的天性，加上日积月累的文化修养，在她身体里逐渐形成。最后才是通过表演技巧，不着痕迹地呈现在我们面前。这种韵味和气质，仅通过外在表现和技巧，是无论如何都无法达到的。
宋元种子 深埋于心
陈中林作品的宋元气质的形成，首先源于他骨子里的宋元，陈中林从小就向往宋元诗人一般的田园生活，真正热爱宋元文化的人，才能拥有一颗宋元的心。而陈中林的性格中原本就有恬淡平和、随意洒脱的一面，所以他作品中的宋元意韵，也是他天性使然。可以说，在学习绘画之前，“宋元”的种子就已经深埋在他的内心。
陈中林作品
陈中林在苏州工艺美术学院的时候，绘画专业所学的课程内容也都是中国传统绘画，因此，他最初建立的理论体系就是纯粹的中国传统绘画理论。当时他的绘画老师蒋风白，是当代著名中国画家，是国画大师潘天寿亲授弟子，一生都在钻研中国画。
陈中林作品
而当年蒋风白老师给陈中林临摹的，都是代表着国画最高水准的大师级画家齐白石、潘天寿、吴昌硕、任伯年的原作。
陈中林作品
临摹是学习绘画的起步，起步的高度决定了他未来的审美和艺术高度，而陈中林整体的画面感的安静、简逸，就是在这个时期时形成的。此时“宋元”的种子已经在他内心扎根。
追本溯源 理解“宋元”
无论是山水还是花鸟，宋元在中国画史上的地位都是极其重要的。陈中林的主要创作题材为花鸟，花鸟画在经历了秦晋的萌芽，唐代的迅速发展，到了宋元时期的花鸟画，已经发展到了最为成熟、最灿烂的时代。读懂陈中林的画，需要站在历史的角度来看中国花鸟画的发展。
（宋 王冕 作品）
北宋时期因皇帝喜爱，大力倡导绘画发展，并建立了翰林书画院（后人简称画院），为全国画学最高学术机构。直至南宋末年经久不衰，为两宋绘画艺术的发展奠定了坚实的基础。院体花鸟画多为画工所创作，其在形式、内容和技法上都遵从统一和严格的院画体格式，对于客观事务的描绘和反映确实达到了非常精细的程度，画风稳重严谨，形式精细，雅致，艳丽，但是缺少精神和情感的表达。
（宋 王冕 作品）
而院外文人士大夫画家则推崇野逸风格，他们的花鸟画在创作技法上较为随意，侧重于一种情趣的追求。将创作者的情感倾注于客体中，或借景抒情，或托物言志。文人士大夫推崇“天理”，他们认为，动物和人一样，也有感情、也有伦理道德。所以他们在作画时，会推己及“人”，把花鸟当做和自己一样平等、有灵气的生命。
到了元代文人画进一步发展，中国画开始更加注重强调境界，强调笔墨，由宋代开始的墨笔花鸟画，到元代已经形成自己的特征。元代花鸟画的整体面貌呈现为“不求形似，以写胸中逸气”，强调借物写意，追求主观情感。
（宋 赵佶 作品）
而因为元代特殊的文化政策，无论是画院画工还是文人士大夫都不再受到赏识和重用，两者逐渐走到一起，实现了创作群体的融合。因此，元代花鸟画更具融合性，一方面，画院的一系列创作技法得到了批判性的继承；另一方面，文人所倡导的精神追求也被融于其中，并强调两者之间的平衡。至此，中国花鸟画进入了全新的发展时期。
画院的“雅” 文人的“逸”
陈中林的画面整体风格，给人感觉，可以概括为“雅”和“逸”，这也正是宋元画的精髓所在，来自画院的精细画工呈现出的“雅”，来自文人士大夫随性创作的“逸”。而陈中林的画面的雅源自于他最初的艺术审美，而陈中林的逸，则来自他内心追求的自由绘画的状态。
陈中林作品
随性洒脱 强调意境
在创作思想上，陈中林更符合文人士大夫的随性洒脱，更追求主观情感。他在画画前，从不在心里构图，也从不勾线，直接落笔，随着落下第一笔呈现的状态，再延伸出第二笔、第三笔.....没有停顿一气呵成。看似随意而为，每一处落笔皆有关联，正所谓，一生二,二生三,三生万物，他在落笔瞬间巧妙建立了画面关系，最后在画面整体呈现的状态上做出局部调整，调整的过程也是寥寥几笔似随意而成，无刻意修饰。
陈中林作品
陈中林认为“胸有成竹”不是在画画之前，把竹子的构图形象都想好了，而是你对竹子这个物象本身的深入了解，要了解竹的生长原理、属性特点、变化状态等等、在全部了解之后自由发挥。如果把它的样子全部想好，画出来的东西就会死板。
追求内心 借物写意
陈中林一直坚持画内心的东西，他的画面所呈现的就是他创作时的心境，也正是宋元文人士大夫所遵从的“主观情感”。文人士大夫推崇的“天理”，更是在陈中林的绘画中表现的淋漓尽致。
陈中林作品
他自然深入观察花鸟情态，遵循花鸟本身的自然状态，同时更注重画中呈现生命气息。为画中一花、一鸟、一草、一木，都赋予生命的灵气，于花鸟草木中轻叩生命的本真，他的画有着静观万物的包容与淡然。陈中林认为要画宋元，不是只取宋元表面的笔墨，追求固定的技法，而是要理解宋元的精神内涵，追求他们内在的意蕴。
水墨见长 书画并重
笔墨是中国传统画的根本，宋元画更是水墨见长。水墨运用和表现也是陈中林在作画时最看重的。陈中林的笔墨的运用更具融合性，在不同的作品中可以看到他水墨运用自如变幻，他画的牡丹完全用水墨写意的表现方式，效果却达到工笔画的质感和细腻。
这也正是中国画笔墨运用的精妙之处，水墨落在宣纸上，流淌晕染的状态没有办法预估，笔墨间点线的分寸没办法精确的测量。而全靠画者的落笔力道和分寸拿捏，靠着无法精确设计的笔、墨、水、纸关系的把握，而呈现出的效果却精准有度恰到好处。中国写意花鸟画，除了讲究笔法、墨法，其实还有水法。水的运用在创作中发挥着极大大作用。陈中林观荷花在水中状态得到灵感，在画荷花时巧妙利用水痕和宣纸的关系，还原荷叶的叶脉特点，表现出荷叶浮于水面，在水中随风而动的生动状态。
陈中林作品
在中国传统文化发展的过程中，书法的发展要先于绘画的发展，在绘画盛行的宋代，文人士大夫将绘画视为与书法、诗词一样的载体，用以抒怀咏志。并重书画也是宋元画的一个重要特征，苏轼、文同、米芾等文人名士都是其中的代表，他们注重诗、书、画、印的结合。
陈中林作品
陈中林的作品同样是书画并重。陈中林开始学习书法，是在苏州工艺美术学院，当时的书法老师是苏州三老之一的邬西濠。邬西濠先生是中国书法家协会会员，曾任苏州书法家协会副主席，一生从事书法教学、研究和创作。学生时期的书法学习让陈中林的书法打下了坚实的基础。而到北京之后，他又拜师国家画院副院长曾来德先生，这让陈中林对书法有了新的领悟，在绘画中的书法运用更加自如，与画的表现相得益彰。
陈中林作品
陈中林在绘画中的书法，不只是作为提款来配合画面，更是把书法作为画的一部分。他有时把书法提款做为构图的一个灰面，有了字的衬托对比，整个画面就会有空间感。在整体写意的画面中；有时会把书法提款作为一个硬的面，在画面上进行布局。陈中林画画的习惯是，画完即落款盖章。每幅画画完，写的字就是他当时的心情状态，跟这幅画的感觉正好是对上的。如果当时不写上字，时隔几天心情状态和画时的心境就不一致了。
继承宋元 融合现代
陈中林作品
陈中林追溯到宋元绘画的本质，一步步汲取传统的滋养，但同时也在一步步地背离，在传统与现代观念的冲突与融合中，不断寻找更好的方式来表现自己内心的“宋元”。没有院体的浮华，也没有文人的傲骨，他所继承的宋元，更多是简逸，淡雅，随性，洒脱，融入自己今时今日的所思所感，最终呈现出属于他自己的绘画语言。
