墨非蒙养不灵，笔非生活不神——感悟中国画写生

作者：孙辉

（沈阳师范大学美术与设计学院）

摘要

清代画家石涛在《苦瓜和尚语录》中有段很精彩的论述:'墨非蒙养不灵, 笔非生活不神, 能受蒙养之灵而不解生活之神, 是有墨无笔也;能受生活之神而不变蒙养之灵, 是有笔无墨也。'道出了写生是绘画中的一个重要的训练的过程。无论我们去临摹, 还是去创作, 时刻都与写生分不开。临摹后, 如果不去写生, 即使临摹得再精确、形象, 也是缺乏生活气息, 使之作品失去生命得意义。写生中使我们更加明白继承传统的重要性。

历代大师所遗留的表现手法, 以及表现形式, 都为我们在写生中提供了描绘自然的手段, 这就使我们更加重视传统。同时我们在写生中寻求自我创造的切合点, 时代不同、环境的变化, 这样在写生中我们根据现有的材料来表现自我的感受, 从而创新。所以, 作为一个从事绘画的艺术人, 应该把写生足够重视起来, 到写生中不断的去挖掘自己的潜力。

关键词

写生、中国画、笔墨、创新

正文

写生, 是高等艺术院校美术专业的一项重要基础课程, 也是绘画创作的重要途径。但回头一看, 当今的画坛不断地讨论着当代艺术的各种话题:从文化到图像, 从观念到方式, 从创作到操作, 如此不胜枚举。而唯独少有谈到写生的。近年来随着摄影科学的广泛应用, 一些人因为摄影的方便和快捷而放弃了写生。“写生”因此似乎成了“习作”的同义语, 提不到“艺术”的桌面上。在目前印刷越来越精美的各种画册中, 写生作品也只占很少的分量, 而且也主要是供练习者参考的“教材”。

但是理论来源于实践, 实践是理论形成的重要依据。社会生活作为艺术创作的素材, 只有通过艺术家在艺术实践中能动地认识和创造地反映过程, 才能够形成具有一定的思想的艺术作品。艺术家只有深入体验社会生活并积累社会经验, 才能创作出真正的反映人生社会本质的、永恒不朽的艺术作品。所以, 作为艺术家应该不断的去深入生活, 写生是绘画实践的重要表现形式, 可见写生的重要。

第一、我们在写生中明白了继承传统的重要性

写生的价值不仅仅在于练笔, 写生在学习过程中成为观察、造型、色彩感觉等能力的训练手段, 真正体现写生内涵的是作者在艺术上有意识的追求。写生的前提固然是面对物象的描绘, 但站在物象面前的“画家”这个主体的取向和探索, 则是支配了物象最终成为作品图像的关键。古人学画都是以师承的方式, 首先是临摹前人的作品, 从中掌握技法和笔墨。使自己的笔墨运用达到纯熟地步, 然后再到生活中去写生, 逐渐形成自己的风格。而现在和古代不同, 写生和临摹相互并进。

尤其初学者, 对于笔墨运用不够纯熟, 当其在表现时, 才知道自己的不足, 这时, 我们才感到传统的重要作用性。首先就去研究笔墨, 对墨的掌握, 包括浓、淡、干、湿的变化所形成的各种效果。这就需要长时间的练习, 同时去研究传统中的构图:从中体会开合、聚散、均衡、疏密、留白等产生的画面效果。再去临摹古典绘画作品, 这样就会更熟练的掌握皴、擦、点、染等技法。回过头来, 我们再去写生, 就会大放手脚了。

第二、在继承传统的同时, 我们又不断的创新

苏联教育家苏霍姆林斯基曾说过:“在人的心灵深处, 都有一种根深蒂固的需要, 这就是希望感到自己是一个发现者、研究者、探究者…”其间, 继承和创新是紧密连在一起的。在艺术发展中, 继承是手段, 创新是目的。写生正是创新的实践形式的体现。当然, 要突破传统和已先入的理念产生与众不同的新意, 对大多数画者来说还很难, 有些画家倾注毕生精力于这方面上, 也未能如愿。

这一点与个人的修养、耳濡目染等分不开。而我们在写生过程中, 当面对传统技法已经不能够满足个人的愿望表达时, 就需要新的技法来补充。所以, 我们就会根据面前的物象来不断的尝试, 经过多次的实验, 就会形成固定的风格, 从中形成新的技法。不然就会像中国画坛仿古之风盛行的明清以后, 以“四王”为代表的正统画家, 专事模仿, 离开古人不敢着一笔, 从不走出画室终日画于南窗之下, 完全脱离实际生活使中国画走向公式化、概念化的绝境。而同时代的石涛历游名山大川, 终日写生, 以山川为师, 提出“搜尽奇峰打草稿”的创见, 在实践中画出前无古人独特的山水杰作, 推动了当时画坛的革新, 并影响到后世。

从建国以来的新美术来看, 建国初期一方面左的思潮认为中国画无力反映现实生活, 不能为人民服务, 故轻视中国画, 另一方面有些老画家也很少去写生, 缺乏新时代的能力。而李可染提出“一手伸向传统, 一手伸向生活”。并身体力行这一主张, 多次进行旅行写生走遍大江南北, 写生遍及大半个中国, 结出了李可染山水艺术之果, 形成了“苦学画派”。

第三、写生又是我们创作的源泉

对于绘画艺术来说写生为艺术体验提供了条件, 写生作品也为艺术构思提供了材料的积累和审美情趣的积累。因为我们在生活中发现了审美, 写生能够让我们更加去观察生活, 使我们从中去思考。优秀的写生作品的价值是独立与独特的。它是画家面对自然的直接表现, 留住了画家即兴发挥的情感和创作的源泉, 也折射出时代文化的光彩。它的生动性和生命力同样具有“创作”作品的意义, 让人从中感受作者学养、才情与个性。艺术史提供了大量从写生之途通往创作之途的经验。

徐悲鸿画奔马要想画好奔马形象, 充分表现艺术家的意图, 就必须对“马”这个特定的审美对象进行具体观察、研究, 体味马的骨骼结构、动态特征。所以这就需要大量的写生。从中体会马的习性和对马的精神理解。这样才能通过马来表达自己的情感。又如元代大画家赵子昂为了画马, 不仅观察、写生。同时还学着马跑跳腾跃等各种动作, 运用自己的触觉运动来切身体验, 使自己感到更加真实。

再如宋代山水画大师范宽, 为了创作山水, 只身一人到人烟稀少的太华山和终南山居住常年累月写生, 不断地去观察山中自然景色, 体验山水的四时变化、晨夕不同, 在清贫艰苦的野外生活中神与物游。经过长期的写生范宽熟悉了山水风光, 加深了对社会的认识, 创作出最有特色的作品《溪山行旅图》。写生已不再仅仅是某种风格样式的流行状态, 我们必须要回头审视它的重要性。

显而易见, 写生在绘画中占有极其重要的地位。在写生中, 我们更加理解继承传统、学习古人的意义。同时我们在写生中不断的创新, 逐渐形成自己的风格, 使自己形成新的理念, 不断发现自我, 不断开发自己的潜能。所以, 做为一个从事艺术的人来说, 应该不断的去写生。