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小伙伴们周末好！又到了时代审美系列，这个系列已经讲了四期了，每次都让叔大动“肝”戈，我们今天要聊的是“文艺复兴”时期的美学。  阿佳妮的脸就是一桩盛大的审美事件... 这四个字从中学起就频繁出现在课本里，令文科生脑壳痛的难记的大师，和他不太好对应的杰作，让那个人类群星闪耀的时刻，听起来是如此遥远且牛逼。 哪怕对西方艺术一知半解的人，都能说出达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、提香等艺术巨匠，以及《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》、《大卫》、《西斯廷圣母》等传世名作。 在大众心目中，文艺复兴几乎成了西方艺术的代名词，不断被人们推向更高的神坛，比上帝还像上帝。 西方人现在的文化自信，也大多都源于那三百年，是啊，意大利不仅发现了世界，还发现了自己，发现了“人性”。  但氧叔并不想跟别人一起吹什么“巨人的时代”、“美学史上从未经历过的最伟大、进步的变革”... 毕竟要真从美学的历史维度来看，中华美学五千年诞生的艺术臻品更多。（想多了解中华美史的小伙伴，可以看看李泽厚先生的《美的历程》） 今天的时代美学，要做的是也是祛魅，就像文艺复兴时消解了上帝的神圣和魅惑力，氧叔也想给大家还原一个真实的文艺复兴。 一个时代的美感，可以从这个时代的文化生活的各个方面提炼与反思出来。 不仅要还原文艺复兴时期真实的时代背景——它并不像世人所想的那样举世无双和生死攸关。 也要还原其真实的人本主义美论——看看它没被滥用之前。 01：人文主义之美  起始于14世纪中叶的文艺复兴，不是突然爆发的，而是在上帝的巨大阴影里苟了很久。 早在9世纪和12世纪就有两次复兴的疯狂试探，但都折腾不出水花，因为那时的西欧物质基础太差，种地的农民连自己都养活不起。 底层民众在天灾人祸之下瑟瑟发抖，寄希望于上帝，但后来上帝也不管用了，黑死病一碗水端平，连神职人员都没能幸免，很多地方教宗基层组织就这么没了。 但是，神逐渐暗淡的同时，人类从未停止过搞事情，农耕技术发展一定程度解放劳动力、十字军东征带动下积极开拓商路，形成资本主义萌芽。 越来越多的人从事手工业、商业和文化、艺术活动。  电影《天国王朝》，背景介于第二次东征和第三次东征之间 他们给尘世带来了新的希望，在旧航路里躺着赚钱的意大利率先富起来了。 加上佛罗伦萨的“无冕之王”——美第奇家族，不断向各行会和商会赞助建筑，试图将其商人的身份合法化，不仅获得了经济、政治上的话语权和社会认同，也用金钱砌出艺术巅峰。  文艺复兴的天使投资人 具体想让艺术表达啥也是有说法的，一个阶层能否成为一股独立的力量，其判断标志为“是否具备独有的思想武器”。 文艺复兴这场思想大解放的核心武器就是人文主义。 让上帝低下头、让人抬起头。 放弃来世幸福，回到世俗人生。 让人们的价值取向从自我贬低、服从权威和崇拜圣迹，转向个人主义、质疑精神。   充溢着人文主义精神的《罗密欧与朱丽叶》 所以我们可以看到，跟中世纪相比，文艺复兴把创作重点从上帝转移到了人，从超越世界（天堂）转移到了自然，现实主义艺术观诞生。 画中的人物表情不再呆板、无悲喜的“神性”，而是具有了人类一样的真情实感，有了亲情、友情、爱情，悲喜鲜明，艺术呈现着心灵。  犹大的紧张和耶稣的愤怒，《犹大之吻》 波提切利的《春》，四周有山桃树枝绿荫缭绕，人物也体现着精神方面的生动性，即天然的爽朗和悦、不受干扰的美感享受、平静无挣扎的内心状态。 人物不仅有情感和互动交流，还被填充出真实的皮肤质感和纹理。 并不是照着她的脸就能沙沙地描出来的，而是需要画家去发掘真实的人格，痣在哪里？泪沟是因何而成？岁月究竟怎样划过她的容貌、改变她的身体？ 这些日积月累所形成的痕迹，每一寸都有它特殊的意义。    艺术要有盘于人生，注重人的感觉、观察、经验，上帝只是背景。 所以那时候自传、传记、肖像画和自画像非常流行，还有展现人体之美的裸体，让美的意义在自我觉醒中不断被颠覆。 这个世界到底是什么样的，不再只是由上帝启示，凭借人的经验也可临摹。 比如提香笔下的维纳斯，据说灵感就是源于他的情妇，一边拧着头发、一边上岸，既是女神又是女人，并未超出人们的想象或范围，却让人们心中所蕴蓄的暧昧的本能得到满足。 这么来看，其实人文主义是一路走来可以说是“猥琐发育”，先在上帝的阴影里苟了好几百年，终于行了，还有大家族养着，艺术作品也很风流色情，充满白花花的肉欲。 就像拉斐尔说的“为了要画出一个美女 , 我应该看到很多美女”，是多么正确又不正经的人间真理。 那时的主流美人也不以神的完美圣洁作为标准，而是源于生动的现实生活。 《蒙娜丽莎发现史》中也提到，蒙娜丽莎的后代中有两个姐妹，有着和她一模一样的微笑。 书中还给出了文艺复兴时期美人标准： 前额光滑、宽度要超过高度，尽显高贵。 两眼大而有神，以黑色为佳，眼白稍稍显蓝，两眼之间距离要比例得当。 脸庞明亮清秀，圆形下巴、樱桃小口。 脖子细长、皮肤白皙、双手圆润散发光泽，乳房圆润、玫瑰色乳头，身材苗条、腰肢灵活。 达·芬奇在《绘画论》中动情写道：“请你在黄昏或阴天注意男人和女人的面部，他们的脸多么迷人、多么温柔呀”。 这股人文主义美学浪潮还体现在文学、雕塑、音乐等方面。 薄伽丘的《十日谈》，充分发挥人的想象力，原欲至上。彼特拉克更直接地说：“我不想变成上帝，更不想居住在永恒中…我自己是凡人，我只要求凡人的幸福”。 阿尔伯蒂也指出 ：“雕刻家要做到逼真，须尽量像活的东西，也就是尽量像人。 反映社会生活的世俗音乐获得了长足的进步与发展... 米开朗基罗雕塑《大卫》头部细节 除了人文主义作为文艺复兴美学的思想基础以外，理性主义和科学精神则是根本冲动。 正如丹纳所说：文艺复兴时期的人们，既有野蛮人的强烈的持久的幻想，也有文明人的尖锐而细致的好奇心。 既像野蛮人一样用形象思索，又像文明人一样懂得布置与搭配。 如果是人文主义唤醒了他们的胃口，但只追求感官的快乐像个狼吞虎咽的野蛮人，他们要求比粗俗的快乐高一级的快乐，所以需要一些理性主义和科学精神，让他们的吃相更加细致讲究。 02： 科学精神从此在美中扎根 文艺复兴的浪潮愈加势不可挡，更是引发了大航海时代，新航路的开辟让资本主义近一步壮大。 意大利也不再是领头羊了，随着经济重心的转移，文艺复兴先后传播到了欧洲大陆。 哥白尼推翻了西方统治了1000多年的地心说，建立了日心说；哥伦布发现新大陆，为地圆说提供了有力的证据 又因经济和商业的发展削弱了世俗原先对技术工艺的社会偏见，这一切都激发着人们求知探索的科学意识和精神。 艺术家也开始积极吸收数学等理论方法来提高他们的技巧，大大提升了理论水平和技艺的精度，从此，艺术与科学相结合，走向自律。 达芬奇的手稿 布鲁内莱斯基，用几何学和透视法，不需要内部脚手架就能完成穹顶建造。 布鲁内莱斯基穹顶 达芬奇亲自解剖过30多具尸体，在笔记中记录人体结构和肌肉、筋骨的变化状况和比例的关系，让“神圣的比例”成为人体绘画的法则。 达芬奇绘制的人体黄金比例 威尼斯画派捕捉光色构成的视觉印象，擅长描绘明暗。 文艺复兴时期的流行服饰，应该是深受科学研究理论影响，比如女士领口几乎以几何状的形态进行切割。 电影《另一个波琳家的女孩》，又名黑寡妇PK黑天鹅 受个人主义影响的服饰，无论男女都格外强化性别特征，确实体现着人性解放，但矛盾在于，人的思想解放了，服装却束缚了身体。 男人穿一件紧身短上衣，几乎是几何形的剪裁式样，僵硬的立领使得头部失去了活动自由。 女人的服装也同样僵硬，紧身胸衣迫使上身紧箍在一个尖端朝下的圆锥形里，宽大的裙子借助于裙撑而呈现为一个稳定的钟形。 男男女女为了贯彻个性，被体现个性的服装勒得直翻白眼，“人文主义”开始显露出被滥用的端倪。 03：美的天秤逐渐失衡 以古典主义为具体样态，是新兴资产阶级的遮羞布。 与古希腊和古罗马联手对抗中世纪，就像一个反对自己父母亲的年轻人，在祖父母那里寻求支持，颇有敌人的敌人就是朋友那味儿了。 但要让他们回去绝对不可能，毕竟，正是他们吹捧的古雅典一人一票决定了毒死苏格拉底 中世纪美学首次把理性和感性、灵与肉的关系摆在台面上，而文艺复兴美学情愿忘却中世纪所赐与它的一切——过分鼓吹古希腊和古罗马、过分追求灵肉合一，彻底抛弃神圣和正统的意义。 而随着资本主义的发展，人文主义越来越不“人”了，甚至越来越“反人”。 比如这个奢华浮夸的拉夫领，套在颈部后不利于头部活动，迫使人们表现出一种高傲尊贵的姿态，这点与文艺复兴思想中肯定人的尊严观点相吻合。 《玛戈王后》中阿佳妮所戴的改进版拉夫领，但剧里的她毫无尊严 人文主义之美，也从最初的充分展示人本身的自然美，变得越来越忽视人的生理条件。 更不用多提资本主义崛起之后，给全世界带来的灾难。 始于15世纪末、兴于17-18世纪的殖民主义 我们越从历史的维度去剖析美的踪迹，越能深刻意识到： 在多数情况下，艺术生产并非源于创作的冲动，而是源于社会的审美需求，一个时代的精神，正是这一时代的艺术所要去表现。 由此也越来越感知着美的纯洁和脆弱，从中世纪到文艺复兴，我们只能无奈的看着它跟着时代不停摇摆，从一个极端滑向另一个极端。 只不过，时代可以大到以经济、政治、文化等历史时期为划分依据，也可以小到每个人一生中的某个时期，童年时代、少年时代、青年时代... 中世纪美学，警示着我们在被环境逼迫的时候不把灵魂出卖给神。 文艺复兴之美，敲打着我们在能撒野的时候心怀畏惧和虔诚。 在时代巨浪里紧守自己的航路，才能牢牢稳住心中美和丑的天枰。 |
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