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画史中有一个阎立本赏画的故事。有一次，阎立本看见一幅张僧繇的画作。初看平平无奇，觉得不过如此。再看觉得还行，能够称为佳作。第三次看到这幅作品，阎立本才发现了画中精妙之处。这个故事流传极广，说明了对于一幅作品的认识，有一个渐进的过程。即便像阎立本那样的名家，他在赏画的时候，也需要循序渐进，一点点体会到作品中的神韵。事实上，的确存在一些作品，刚开始看很难产生感觉。过了一段时间，返回头再看，就会觉得如珍似宝，难得一见。欣赏的标准从来不是一成不变的，每个人的审美都会随着时间的流逝而慢慢发生变化。
这幅邵弥画的《观山图》，刚开始看只会觉得作品淡薄，缺乏饱满厚重的感觉。明明是青绿技法的作品，偏偏画的还是秋天的景色。似乎有悖于常识。当你看了和邵弥同时代画家创作的正统山水，就会发现这幅画作是如此的清新自然。邵弥是明末清初的画家，他生于苏州，和董其昌、王时敏、王鉴等人并称为“画中九友”。邵弥作品文人味道很浓，他画的山水中充满了雅逸灵秀的味道。比如，他用青绿技法，是要画出秋天山水的丰富色彩。江南地区，即便到了深秋，草木也不会完全变黄，远山依然会有绿意。抛开是否写实的问题，如果把这幅画看成邵弥在描绘心情也十分容易理解。
艺术作品的创作目的是为了表情达意，邵弥画这样的作品，想要表达他的惆怅与期盼。秋天容易让人多愁善感，同样也容易让人蓄力待发。邵弥通过色彩的处理，将这两种情绪全部调动起来。无论葱郁的青山，还是岸边傲立的枯木，都在强调两种情绪上的反差。有的时候，画家在创作过程中会迷惘，是按照现有的创作之路一直走下去，画到最后成为一种本能创作，还是要挑战一下画出新鲜感。从犹豫不定，到决定挑战，就是一个蓄力待发的过程。因为有了这些内涵，让这幅《观山图》越看越有滋味，成了可以反复欣赏的作品。
此外，还有一点，《观山图》构图简约，舍弃了很多不必要的细节，让画面看起来十分干净利落。尤其是画面中的右半部几乎都是留白，这样大胆的处理，一不小心很容易让整幅作品没有重心。邵弥用颜色弥补了构图上的失衡，他在近景水边坡石上画了一位红袍文人。一点红色，犹如定海神针一样，让作品的构图稳定下来。在明代，红色的袍服不能随便穿着，必须是身居高位的显贵。邵弥这样处理，也暗含了一个道理，人的情感在很多时候是共通的，和身份地位关系不大。即便是身居高位，也和普通人一样有喜怒哀乐。他在作品中又多了一次表达情感的机会。
当然了，以上种种联想只是一家之言。你可以提出反对的意见。毕竟，每个人在欣赏的道路上，都要不断修正自己的观点。活到了，学到老，这条至理名言也适用于欣赏作品。 |
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