人体一直是艺术的重要表现对象，芭蕾更是空间与时间的艺术；因为它既是凝固的画作，又是舞动的音符，引发了艺术家们的无数幻想，并用作品带领观众再度体验芭蕾的美。
在奢华生活与享受艺术来说，意大利人可谓是名副其实的先驱，早在1473年，意大利人便以海格立斯这位宙斯力大无穷的儿子命名隆重举办了规模宏大的舞会；而到了1489年，意大利贵族冈卓·奇·波塔更是率先推出了芭蕾艺术的雏形——“席间芭蕾”，并迅速风靡整个意大利，随后在法国登峰造极。
芭蕾孕育于十四世纪意大利文艺复兴时期，降生于十七世纪后期路易十四的法国宫廷，并且开始在法国发展流行并且逐渐职业化，十八世纪在法国日臻完美，到十九世纪末期，在俄罗斯进入最繁荣的时代。芭蕾在近五百年的持久历史成长过程中，对世界列国影响很大,传布极广，已成为世界列国都全力成长的一种艺术形式。
名称：城市广场，芭蕾舞剧《金色公鸡》的背景研究，西文名称：The City Square. Study for backdrop for the ballet Le Coq d'or (The Golden Cockerel)，作者：纳塔利娅·冈查罗娃，创作时间：1937，大小：46.7cmx61.6cm
芭蕾舞为什么会起源于意大利？当然其实我们现在来看，芭蕾舞起源于意大利可谓是顺利成章的事情，文艺复兴运动赋予了人类以冲破中世纪黑暗与压抑的热情与智慧，而意大利的芭蕾具有热情奔放、动作舒展、技术高强等特征，而芭蕾舞为什么会从意大利来到法国呢？
1533年佛罗伦萨当时的无冕之王家族梅第奇家族中的“小公主”凯瑟琳·德·梅第奇嫁给了法国国王亨利二世，这位时尚教母的到来不止带来了芭蕾，束腰、化妆、香水也一同被带来，这位梅第奇家族中成长的女孩对于艺术品味和奢华的生活十分热衷，也是因为她，法国一夜之间成为了一个欧洲的时尚大国，芭蕾在法国迎来了大发展。随着节日庆典奢华程度的上升，舞蹈的编排也渐渐的隆重起来，越来越多的舞蹈大师为年轻贵族精心编排舞蹈，有时他们还会加入故事情节来统一的主题。因此，舞蹈的核心早已从“参与”转变成了“表演”，而且表演形式也越来越戏剧化，比如专业设计的布景、精心计算过的舞台高度，以及少数舞台已经开始配有帷幕和侧面待场区。
1581年10月15日，《王后的喜剧芭蕾》（Ballet Comique de la Reine）在宫廷上演，场面奢华，更有趣额是，凯瑟琳王后和她的丈夫都出演了这部长达5个半小时的舞剧。由于一些重要的芭蕾舞剧的特征在其中得以确立，所以该剧被后来人称为“世界上首部芭蕾舞剧”。
拉·卡马尔戈在跳舞,La Camargo Dancing,尼古拉·朗克莱,1730,76.2cmx106.7cm
芭蕾大家已经了解，在意大利语中叫做“balletto”，芭蕾在意大利时期，是贵族聚会上交际舞和编排舞融合后的产物，说起“芭蕾”其实他并不完全算是舞蹈，更像是一种宫廷礼仪，配合宴席出现，它在宫廷中首先确保的是宫廷中的人们的行为举止是得体的，就像是如何迈步、鞠躬、牵手等；其次，它对衣着装扮的要求也十分严格；最后，它还有指定各大仪式上每个人行走、坐位规则的功能。
路易十四在《夜之芭蕾》中扮演太阳神阿波罗
到17世纪时期，路易十四的宫廷中，芭蕾舞才开始完善逐渐成为我们今天所知的艺术形式，这位“艺术家国王”十四岁就接受芭蕾舞的训练，在他15岁时就已经出演过太阳神阿波罗，同时，在他的统治时期，芭蕾舞迎来了巨大的发展，在他的一生中，曾担任过40部大型芭蕾舞剧中的80个角色，角色涉及面相当广泛，有时只是一位小角色或他每天练习击剑术和骑术。
名称：甘达卡尔，穿着马芭蕾服装的迪特里希斯坦王子，西文名称：Gundakar, Prince Dietrichstein in a costume for a horse-ballet，作者：扬·托马斯·凡·艾普，创作时间：1667，大小：60.5cmx49.3cm，收藏机构：维也纳艺术史博物馆
路易十四的肖像，Portrait of Louis XIV，雅桑特·里戈，1701，279cmx190cm
这副里戈所绘制的路易十四肖像画作于1707年，作为伟大艺术的一部分，我们可以看到，在这幅来自里戈工作室的肖像画中，路易十四的礼节性长袍、优雅的姿态和傲慢的表情宣告了他崇高的地位。尽管他覆盖了大片的画布，但里戈仍然关注细节，对国王的服装进行了详细的描述，甚至包括他的鞋扣。由于画中的每个部分都有其独特的重要性，里戈让我们一眼就看到了路易十四统治下的绝对主义。身后是庄严的红色帘幕，他一边看向我们，一边主宰着他的臣民；穿着绣有鸢尾花图案的加冕礼袍，里面衬着貂皮；在他身后，是象征着力量的大理石柱，浮雕描绘着正义女神忒弥斯。
画家总是把法国君主制的象征和加冕仪式的用具科学而准确地放入画面：剑、法杖、王冠、正义之手。里戈首先带出了这些皇家元素，但他知道如何保持路易十四的人性：他看起来很严肃，脸部粗糙，有皱纹，但他的眼睛却散发着明亮的光芒。他摆出了跳舞的姿势，他那理想化的“纤细”双腿也被展现了出来--里戈巧妙地唤起了国王作为舞者的过去。
芭蕾真正形成是在17世纪路易十四执政期间，当时的路易十四为了展现君主威望以及法国的繁荣富强，将其推广起来。起初，可以欣赏舞剧的只有宫廷贵族。直到17世纪末期，路易十四把芭蕾舞授权给歌剧院，才给了普通平民观看的机会。
擅长以轻松诙谐的方式记录法国奢靡宫廷生活的画家——尼古拉·朗克雷（Nicolas 尼古拉-朗克雷，一位擅长以轻松诙谐的方式记录法国奢侈的宫廷生活的画家，在18世纪初以洛可可风格描绘了当时的芭蕾舞明星在田园诗般的花园中跳舞。
玛丽-安娜-德-夏多纳夫(1664-1747)的肖像，扮演阿里阿德涅,Portrait de la comedienne Marie-Anne de Chateauneuf,dite Mlle Duclos(1664-1747),dans le role d'Ariane,Nicolas de Largilliere,1712,650cmx535cm
名称：芭蕾舞酒神，西文名称：Dessin Pour Le Ballet Bacchanale，作者：萨尔瓦多·达利，创作时间：1939，大小：51cmx65.5cm
芭蕾舞我们现在几乎只能在剧院或者影视中观看的到，同样，芭蕾舞也被视为“高雅艺术”，但是芭蕾的出现并不是那么美丽，甚至色情是芭蕾的主要元素，早期的芭蕾舞者开始穿上尖头鞋，主要展示女舞者的脚部动作。如果仅仅从这个角度来理解早期的尖头舞，那么关于它的真相往往不被理解。在欧洲的中世纪，女性穿的裙子非常长。因此，穿着尖头鞋跳舞，名义上要求表演者的裙子剪短，以显示脚部动作。
当尖头舞第一次在欧洲的街道上表演时，它大多是在高于地面的平台上进行的，如果穿上短裙，会发生什么呢？
名称：德加 在休息的舞者，西文名称：Resting Dancer，作者：埃德加·德加，创作时间：1879
当时，大多数妇女不穿内衣，当然也没有小胖子（因为没有小胖子这回事，当时穿一条宽松的裤子当内衣，在裆部是敞开的）。因此，女演员穿着短裙，在街头表演脚尖舞，其实是为了 "春风 "吸引观众。直到18世纪末，巴黎市才有法律规定芭蕾舞演员必须穿上 "胸衣"。失去了吸引观众的手段，足尖舞不得不寻找其他的生存方式，最终不得不成为现在所谓的 "高雅艺术"。
直到17世纪80年代，芭蕾舞界一直由男性扮演的女性角色所主导。直到后来，才出现了女性舞蹈家。1720年左右，卡马戈和萨拉伊在舞台上竞争，为了在动作难度上超过对手，并吸引更多的观众来观看舞者的 "裸体"，高跟鞋被软底鞋取代，长及脚踝的裙子被缩短到小腿顶部，笨重的衬裙被更轻、更贴身的内衣取代。增加了很多踢腿和转圈的动作。当时，游泳池的座位被一般的下层观众占据，这使得坐在前排的观众与其他观众有不同的看法，他们经常看到芭蕾舞演员 "赤身裸体"，而不是欣赏芭蕾舞的动作，一些更大胆的舞者干脆把所有东西都放在裙子下面。一些更大胆的舞者在裙子里什么都没穿，这逐渐引起了道德当局的注意，然后舞者们被迫穿上双层长裤以确保。教廷还认为，裤子应该是蓝色或黑色，以防止肉色的裤子误导公众。
名称：芭蕾舞女，西文名称：Ballerina，作者：让·皮埃尔·卡西涅，大小：92cmx65cm
在《卡萨诺瓦回忆录》（Casanova. Memoiren）中，还讲述了另一个幽默的故事：尼娜，一个葡萄牙美女，来到巴塞罗那，加入了芭蕾舞团，没有什么技术，但擅长跳高。在演出的第一个晚上，她赢得了起立鼓掌，因为她把腿抬得很高，以至于掀起了裙子，露出了长裤。根据当地的规定，在舞蹈表演中，禁止暴露自己的长裤。不遵守规定的，将被处以一个金币的罚款。然而，尼娜并不知道当地的规则，在听到欢呼声后，极力遵从，为了两个金币再次踢腿跳舞。后来她被告知，她必须为这一罪行从国库中缴纳两个金币的罚款，但她的发誓是没有用的。
名称：西班牙芭蕾，西文名称：The spanish ballet，作者：爱德华·马奈，创作时间：1862，创作地点：法国巴黎，收藏机构：菲利普斯收藏馆
第二天晚上，尼娜脱下长裤，继续表演她的高踢腿，让剧院一片欢腾。更衣室里的省长很恼火，叫来了礼仪检查员，对这个不守规矩的芭蕾舞演员进行处罚，同时说："把她带到这里来。" 尼娜站在州长面前，看起来很无辜，也很粗鲁。州长说："你怎么敢？"，但尼娜回答说："是的，我没有违反你的法律，没有人再看到裤子了，我提前准备好了，脱了衣服。" 在场的人不得不抑制住自己的笑声，但州长疯狂地爱上了这个美丽、机智的女孩。
拉·卡马尔戈在跳舞,La Camargo Dancing,尼古拉·朗克莱,1730,76.2cmx106.7cm
在前面的描述，我们都知道芭蕾的起源与兴盛，但是时至今日，芭蕾的基调都现有变化，尽管芭蕾扎根传统，但是这一艺术形式在当代流行文化中的形象却很大程度上源于一位艺术家 ：埃德加·德加（Edgar Degas）。
舞蹈者，The Dancers，埃德加·德加，71.1 x 59.1 cm
埃德加·德加（Edgar Degas）意大利矫饰主义：德加非常喜欢彭托莫（Pontormo, 1494—1556/57) 、阿尼奥洛·布龙齐诺(Agnolo Bronzino, 1503—1572)作品中的线条特点、优雅与比例。让-奥古斯特-多米尼克·安格尔：安格尔倡导将素描作为艺术的基础，他也是掌控线条的大师，这给德加留下了深刻印象，贯穿了其艺术生涯的始终。居斯塔夫·库尔贝：库尔贝描绘现实生活中的人和事，对德加艺术主题的选择产生了影响。埃德沃德·迈布里奇：德加研究、临摹了迈布里奇的人物、动物动作瞬时摄影作品。爱德华·马奈：在性格与艺术上，德加与马奈有许多共通之处，两位艺术家都关注时代焦点，以构建全新的画面词汇。日本艺术：德加的艺术融合了日本版画的平面性、裁剪方式、特殊视角和不对称性的特点。埃米尔·左拉：左拉的自然主义作品及其时代主题、完全的现实主义和城市背景，在德加的一书中得到了回应。摄影：德加练习过摄影，其摄影作品影响了他艺术的形式特征、创作方式与绘画技法。
德加是一位法国艺术家，他创作了大约1500幅芭蕾舞题材的绘画、版画和素描。这些画作经常被一群穿着蓬蓬裙的年轻女性所包围，她们的裙子像花瓣一样飘扬，这往往是德加最受欢迎的主题之一。乍一看，德加描绘了一个纯真和美丽的世界，就像一个六岁的女孩在进行第一次排练。但事实上，在这些作品的背后，隐藏着一种令当代观众震惊的黑暗文化。
舞蹈课，The Dance Lesson，埃德加·德加，约1879年，64.5 x 56.2 cm，大都会艺术博物馆
在德加的时代，芭蕾舞和舞者受到前所未有的喜爱和追捧。但到了十九世纪末，这种形式急剧恶化。充其量，芭蕾舞在歌剧中是一个庸俗的噱头，让观众有机会瞥一眼舞者的腿。
传统上谦虚的芭蕾舞成为一种不雅的景象：在巴黎，芭蕾舞演员的成功几乎完全取决于一种淫荡的社会习俗。在当时，性工作是芭蕾舞者职业地位的一部分。巴黎的大歌剧院加尼耶宫（Palais Garnier）是专门为此目的而设计的：在舞台后面有一些豪华的房间（称为沙龙），艺术家们可以在上台前进行热身。但它也成了一个男人的俱乐部，剧院里富有的男性成员在这里商议、会面和追求芭蕾舞演员。
这种关系伴随着一个不平衡的权力结构。芭蕾舞团的舞者往往在年轻时就进入剧院的芭蕾舞学校。这些仍在训练中的舞者被不屑地称为 "小老鼠"或者”小猴子“。他们中的大多数人来自工人阶级或贫困家庭，常常为了养家糊口而加入公司，工作辛苦，几乎没有喘息的机会。
名称：德加 三个舞者，西文名称：trois danseuses，作者：埃德加·德加
这样一来，芭蕾舞者的收入和事业就与在后台活动的男宾直接联系在一起。他们被要求符合剧院客户的喜好，对于贫穷的舞者来说，这就是他们的生计。此外，公众和贵族金融家的赞助是剧院得以生存的财政基础。
这些杰出的男性公众成员有权决定谁能获得令人羡慕的角色，谁会被淘汰出局。作为舞者的 "老板"，他可以为她提供富裕的生活方式，如舒适的公寓和个人舞蹈课程，这将有助于她在公司的进步。芭蕾舞机构的妓院文化是如此普遍，以至于历史学家洛林-库斯（Lorraine Coons）在她的文章《艺术性还是炫耀性？巴黎歌剧院芭蕾舞团的 "老鼠"》写道，即使是最著名的舞者，无论多么清白，也难免被怀疑有非法活动。
名称：德加 两个舞者，西文名称：Two Dancers，作者：埃德加·德加，创作时间：1898，大小：95.5×87cm
德加对沙龙里发生的性政治很着迷。事实上，他很少描写实际的表演，更多的是捕捉舞者在后台、后台的准备工作，或在上课和排练时的情景。在《明星》（1878年）等作品中，德加描绘了一个舞者在演出谢幕时的刺眼灯光下弯腰鞠躬的情景，在这背后，一个身穿黑色晚宴夹克的男人，他的脸隐藏在金色窗帘后面，几乎看不到。这些朦胧的形象也可以在《粉色和绿色的舞者》（约1890）等作品中找到。有时，德加将观众置于窥视者的角度。例如，在《老歌剧院的舞者》（约1877年）中，他从幕后描绘了舞台上的表演。
事实上，德加总是特别关注现代社会的严酷现实。虽然德加与印象派画家关系密切并受到他们的影响，但他更愿意把自己定义为现实主义画家。他更喜欢描写芭蕾舞演员、洗衣女工、帽匠和其他巴黎社会底层群体的工作生活。在德加的画中，这些城市人物暴露在冰冷的人工光线下，这与莫奈和其他画家所推崇的 "外光派 "的清晰和平静形成鲜明对比；另一方面，莫奈对光线和色彩更感兴趣，而德加则专注于捕捉身体动作。
名称：舞台排演-2，西文名称：The Rehearsal Onstage-2，作者：埃德加·德加，创作时间：1874，大小：53.3cmx72.4cm
作为一个追求原创性的艺术家，德加小心翼翼地避免了美丽和轰动的形象。"到了19世纪70年代和80年代，每个严肃的艺术家都明白，同情性的视觉语言不再有效，"杰曼-格里尔曾在《卫报》上指出，"当时这样的作品已经成为一种陈词滥调。目光所及之处，都是乞讨的可怜孩子，或者是眼含泪水的女孩"。
"人们总是认为我是一个舞蹈家的画家，"德加曾对巴黎的一个艺术品经销商安布罗伊斯-沃拉德说，"但他们从未意识到我的主要兴趣在于动作和美丽的服装。"但对德加来说，芭蕾舞的艺术形式本身并不重要，更不用说那些色彩柔和的百褶裙了。他试图捕捉的是当时芭蕾舞的真实本质，隐藏在优雅和复杂的编舞和技术背后。
埃德加·德加，《14岁的舞女》，1878-1881年
在德加描绘的所有芭蕾舞演员中，最著名的不是一幅画，而是一个蜡像。这时，40多岁的德加视力下降，他转而将蜡像作为艺术表现手段来触摸。《14岁的舞女》（1878-1881）是一座真人大小的雕像。在德加的一生中，它只被展出过一次，那次展览引起了很大的争议，德加再也没有在公开场合展示过这个雕像。而这件作品的原始版本与公众今天看到的略有不同。当时，德加给雕像穿上了真正的芭蕾舞服、长筒袜和舞鞋，女孩戴着假发，用绿色蝴蝶结扎成双马尾，脖子上系着丝带。当时一些评论家将德加的雕像与杜莎夫人的蜡像相提并论；另一些人则匿名质疑："还能有什么更堕落的艺术吗？" 艺术评论家保罗-曼茨将这座雕像描述为 "早期的堕落之花"，"脸上有令人厌恶的丑陋"。曼茨的评论还强调了芭蕾舞者作为一个群体所面临的偏见。
这座雕像的原型是一位名叫玛丽-范-戈特姆的舞蹈家。为了生存，她可能也参与了底层芭蕾舞界的肮脏生意，事实上，当某位大老板看上了芭蕾舞者，剧院将会给他联系这位舞者，但是前提要缴纳会员费，这样他们就可以随意进出影院的前后台了。雕像完成后不久，她就从公众视野中消失了。她曾因排练迟到而被巴黎歌剧院芭蕾舞团开除。
名称：明星，西文名称：The Star，作者：埃德加·德加，创作时间：1878，大小：60cmx44cm
这幅作品是德加最著名的作品之一。他选择从高点俯视的画法。舞者的裙子似乎消失在舞台灯光之下，投下光滑苍白的淡紫色阴影。她裸露的胳膊和胸口呈粉色。德加用快速而又沉稳的笔触跟随舞者迅速地穿越舞台。舞台上的舞女不是名演员，也不是社会名媛，而是一位普通演员。画家以她们的舞姿为媒介，刻意追寻光与色的表现。通过对舞女的造型的描绘，表现出强烈的灯光反射效果。这幅以室内灯光为描绘对象的作品，成为印象派绘画中最脍炙人口的佳作。舞台上的布景与绿色的地毯，衬托着光照下的舞女，显得虚无缥渺、绚丽变幻，成为一个唯美的世界。
对角线将此画平分为两半。在画面右侧的上方，可隐约看见两位候场舞女，左上方有两个人正注视着舞台上的舞女。右侧画面被一整片的舞台所占用，一片绿意盎然的地板，似乎正在等待从舞台右边迎面舞来的佳人，因而使整个舞台暴露在夺目的光彩之中。
名称：歌剧院的舞厅，西文名称：Il foyer della danza al teatro dell’Opéra，作者：埃德加·德加，创作时间：1872，大小：32cmx46cm
对于法国芭蕾舞演员来说，生活是残酷的。这些舞者与德加的相处也不轻松。为了捕捉舞者的身体动作，德加经常要求模特在同一位置上保持数小时。模特们必须保持扭曲的姿势，忍受巨大的痛苦。他想描绘那些被他戏称为 "小猴子 "的舞者，在手柄上 "压碎他们的关节"。德加曾对画家皮埃尔-乔治-让尼奥说："在我看来，我总是把女人看作动物"。
毫无疑问，德加是一个无情而冷酷的人。他也是一个厌恶女性的人，他对女性的敌意甚至让他的艺术家同行感到惊讶--德加以厌恶女性而闻名，而在当时的社会中，两性之间是极其不平等的。当代观众欣赏他的现实主义描写，以及他对色彩的轻松运用。虽然我们可以从技术角度来欣赏德加的作品，但单一的观点会让我们忘记画中人物的悲剧性。当我们理解了这些画作背后的现实并再次审视它们时，我们可以看到画家是如何穿透芭蕾舞的花哨表面，揭示出一个痛苦和原始之美的境界。
结语
巴黎的训练是美丽却又残酷的，舞者们将自己的脚绑在硬邦邦的鞋子里，一遍一遍做着重复的动作，用不断地努力换来未来舞台上光辉的样子，芭蕾的历史是残酷的，但是今日的芭蕾确实美丽的象征。
