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宛与洛认为，器乐作品具有更大的“开放性”，歌曲作品则相对没有那么“开放”。 所谓“开放性”，也就是作品带给听众的想象空间的大小。 “开放性”较大的作品，听众在欣赏之时，头脑中会产生更多的画面感。 “开放性”较小的作品，听众产生的画面感则较少、较单一。 那么，之所以我会认为，器乐作品较于歌曲具有更大的“开放性”，是因为器乐作品没有歌词的“束缚”。 可以做个小“实验”感受一下。打开一本书，然后用蓝牙小音响先播放一首轻音乐，纯音乐无歌词的那种器乐作品，音量调到适中。 你会发现，自己在阅读时，丝毫不会受到音乐的影响，反而还能更好地促进自己的阅读，精力变得更集中了。 再将纯音乐换成一首歌曲。你会发现，听着歌曲读书，很容易被“带跑偏”了，尽管把音响的音量调小一些也是这样。 因为我们人类，在成长、长大的过程中，尤其在认知能力尚未形成之时，语言系统是我们更早接触，并不断熟练、强化的能力。 也正因为有了语言能力，我们的思考、思想才能得以传播与交流，并不断在“反哺”认知水平。 有人会问，胎教纯音乐听的时间也很早啊，为什么音乐能力没有被开发出来呢？ 其实是有潜移默化的作用的，只不过那时听的纯音乐，我们的认知水平达不到理解那些音乐的能力。 比起带有“语言”的歌曲，器乐作品更难理解，也更具备想象空间。 所以我们听过的大部分胎教纯音乐，会随着时间的流逝逐渐淡忘，只留下一些旋律的记忆“碎片”。 但对幼儿的身心健康，是一种“滋养”，这里不再赘述。 到这里，大家也就能明白，为什么听着歌曲再再读书，不容易读进去了。因为你被歌词给“束缚”住了。 这也是歌曲不如器乐作品“开放性”更大的原因。因为歌词里唱到的内容、场景，会引导你只能顺着这个“方向”想象。 知道了器乐作品具有更多的“开放性”之后，那么对于每天都在“创造”器乐作品的学琴者们，对我们的练习，有哪些启示？ 以下是我总结的两点心得。 一、可以更好地锻炼思考、理解作品的能力 由于更为“开放”，所以没有了“标准”。 每一位学琴者的过往经历不同，受教育的程度也不同，学习能力、理解能力自然会不尽相同。 这样，在学习同样一首器乐作品时，就不能“照搬”他人的理解、分析，而要有自己的思考。 这也是很多学琴者很难进步的原因之一。只听别人讲解作品，而忘了自己也能理解作品。 想让主动思考成为一种习惯，你就需要在学习一首作品前，通过谱面信息理解、思考一下，通过示范演奏感受一下。 在学习作品的过程中，要边练习，边琢磨。如何能将一个乐句，演奏得好听，且自然地加入自己的演奏习惯。比如适当加入自己擅长运用的装饰音等。 在学完一首作品后，通过整首的练习与演奏，又会产生不同的感觉与理解。可以带上这些想法，与一起学习乐器的朋友们交流。相互借鉴，碰撞出更多思维火花。 二、可以更好地练习自身的演奏表现力 正是因为器乐作品有着更大的“开放性”，所以只要不违背原创上的错误，你的练习与演奏，可以更大程度地发挥主观能动性。 而后，逐渐地利用器乐作品这一特征，更快地形成自己的演奏习惯与演奏风格。 那什么是“原则上的错误”呢？也就是改动了乐谱的“骨架”，这点是绝对不允许的。 “骨架”包括：一首乐谱中的所有音符，所有节奏、节奏型，拍号，各乐段、乐句、乐节的顺序。 那什么是可以适当“改动”的呢？注意，这里我说的是“适当”。要改得合情合理，不可“画蛇添足”。 例如乐谱中的装饰音，技巧符号，力度记号，速度记号等各种表情记号。 这些根据自己的理解，以及学习他人的经验，可以适当地运用、删减、增加等。
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