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杜泳樵 （1934－2007） 四川省岳池县人，四川美术学院教授，中国美术家协会会员。其作品以油画、水彩名世，素以表现上的杰出造诣和深厚的功力享誉画坛，并尤以色彩上的造诣著称，是影响了几代人成长的重要画家。 部分作品为前苏联博物馆、中国美术馆及私人博物馆收藏。生平被收入《1949—1989中国美术年鉴》、《中国美术60年》等历史文献。杜泳樵老师，寡言少语，坚守自己的艺术阵地，归隐山林，只因绘画是他的生命，生命相依。 婉拒多次成名机会，去世前一个月才举办了生平唯一的一次画展，让美术界感动震惊！画品人品超然。
2007年5月个人画展开幕式现场（于去世前一个月）
微风轻拂 73×92cm 2000年7月
瓶中的莲蓬 100×80cm 2001年
邻家女孩 81.5×65cm 2002年
1993年拍摄于川美陈列馆
水影拾趣 21.5×26cm 2005年
山居 1996
1991年夏隐居南山期间在凉台上作画
杜泳樵：谈谈自己的绘画一个画家要谈自己的绘画总是件有点尴尬的事情，通常的做法就是在自己的绘画之上冠以观念、理论或人生境界等等，以便为自己鸣锣开道和找到理论支持。 这种泛滥的空谈早为行内人所腻，却又不得不在自己“出场”时，照此“谈”一番。因为除此之外，如果要过多言及绘画的技艺和表现的话，就不免有匠人之嫌。 事实上艺术之广阔，既有难以诉诸言辞的深邃的一面，又有比较平实而易于表述的一面，比如技艺和表现。毕竟“艺术首先是一种匠人的手艺，艺术是从这里出发的(巴尔蒂斯）。” 一件艺术作品首先面临的依然是表现上的问题，也即技艺的问题，它首先应该经得起具体的技艺上的讨论。而对于写实绘画，它的用色、用线、造型或空间感的把握等等，首先就决定了绘画的基本品质，因为技艺或表现永远是艺术存在的基石。
每个画家都必须设法找到适于自己的绘画语言形式，并将这种语言形式尽量纯化和尽量个性化，但这个过程是很艰辛和很漫长的。 我初涉绘画时，就被油画对于光色的表现力所深深打动，所以对印象派作品情有独钟，同时，我对学院派严谨的造型又十分敬佩，故而，有意无意中，就将光色的表现和严谨的造型融合在了自己的画中，俄罗斯巡回画派在这方面做得很出色，对我不失为一种启示。 但是，西方油画中对于笔法的表现还做得很不够，包括现代西方油画，他们的用笔都太简单、少变化、少内涵，已远远不能满足我的需要。能否在油画中做到既不失表现光色和严谨造型的优长，又表现出中国写意画中用笔的情趣呢?
作为一个深受中国传统文化耳濡目染的画家，自然只能认定从中国传统绘画中去寻找更为丰富的表现手段，因为中国画在笔法上独立而丰富的表现性为我的探索方向提供了坚实的基础。 长期以来，我有意识地去研习体悟中国画的精髓，经过多年的琢磨尝试，逐渐在油画笔触的运用中，融入了类似中国画写意的笔趣：皴、擦、点、染，一波三折，行笔的快慢，以及行笔的滞重与轻盈，一笔之中就有干湿浓淡、冷暖虚实的诸多变化等等。 同时，又因为油画固有的特点，我在每笔之中又力求纳入丰富微妙的色彩变化，加之充分利用了油画厚涂法形成的肌理与部分薄油用笔相互交错重叠的对比效果，进而更加丰富了画面的表现性。
在这里，笔触已不仅仅是表现物象的手段，而是已被赋予了画家的情感、意志和个性，它本身形成的节奏、韵律就具有抽象性的审美趣味和独立的审美价值，这在局部中体现得尤为明显。
《山菊》/ 63x83.9cm
《两瓶花》/ 60x79.2cm
《牧趣》/ 81.5x116.5cm
《水上人家》/ 84x119cm
《怒放》/ 98x71.6cm
《渔舟唱晚》/ 68x84.1cm
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