  依龚贤四要鉴赏隋牟人物画的禅意味道 周晶/文 当代国运昌盛，文化艺术发展方兴未艾，一个不争的事实就是文化艺术创作有数量缺质量、有“高原”缺“高峰”。原因一是门槛低，提起笔来就可谓自己是书画家，二是艺术鉴赏有差异，如莎士比亚所言一千个人心中有一千個哈姆雷特，很难有技术标准。如何鉴赏一位画家的艺术作品，无疑是一道难题。 《六祖坛经》有云：见性之人，立亦得，不立亦得。去来自由，无滞无碍，应用随作，应语随答，普见化身，不离自性，即得自在神通，游戏三昧，是名见性。”这个自性是每个人与生俱有的本性，但随着年龄的增长，许多人本性的童趣和天真就会随之逐渐流失。一个成年画家如能把这种童趣和天真形之于笔端，无疑是艺术创作上的升华。这类作品有画家关良的戏曲人物画等。而在隋牟的人物画里，越来越能品鉴到这种童趣天真与释道思想碰撞出来的禅意味道。 明代画家龚贤提出的鉴赏中国画的四要：笔法、墨气、丘壑、气韵。本文就是从四要的角度鉴赏分析画家隋牟的禅意人物画作品，以及这种创作的时代价值。 一、笔法 最早见到隋牟的禅意人物画册是在2014年，画册中有仕女图，也有罗汉图。印象最深的是罗汉系列，特点是中锋用笔，以书入画，以线造型，用笔肯定而准确，神态各异，憨意十足。有陈洪绶的高古游丝描影子，疏密相间，其间有颤笔，使线条的更具质感，变化更丰富。仕女图的用笔是中锋和侧锋并用，甚至用了一些山水画中常用蹭的笔法，这在水墨人物画的笔法中是非常少见的。现在这种中锋和侧峰的应用在隋牟的作品中更是应用自如，在花鸟画、山水画上也有大量的探索和实践。  二、墨气 墨色是中国画最重要的表征之一，也是最具神韵的东方艺术表现形式。从五代的石恪、宋代的梁楷、明代吴伟到清代的闵贞、黄慎、任伯年等都是水墨画的高手。 隋牟的用墨特点一是“活”，二是“浑”。其从卢沉老师的水墨构成中吸收了营养，浓淡干湿枯的变化应用丰富，黑白灰的对比非常强烈。“活”在墨色翻滚，笔致飞动。最有特点是对水的大量运用，通过水与墨反复碰撞，不仅有了画面的屋漏痕，更有了画面的厚重感。隋牟早期的罗汉画系列很“净”。近年以来，其更是惜墨如金，在墨上做了“减法”，墨色的对比少了，笔墨融合更雅致，画面也越来越“浑”了，但又不失一股清爽之气。在笔墨的“浑”中去探索和谐，如毕达哥拉斯学派认为“音乐是对立因素的和谐的统一，把杂多导致统一，把不协调导致协调。”的美学思想一样，是隋牟对传统水墨的积极探索。 三、丘壑 所谓丘壑，就是画境，至于“境”也是中国画创作中最难的部分。顾恺之《论画》中有：”美丽之形、尺寸之制、阴阳之数、纤妙之迹，世所并贵；神仪在心，而手称其目者，玄赏则不待喻。”顾恺之的艺术思想是画家画人物要有“精气神”的“神”，这个“神”就是心中的“画境”，这是主观意识加工后的艺术效果，如明代的陈洪绶笔下的仕女都是“胖脸”，而清代很多画家笔下仕女图都是身材苗条的女子一样。根据个人风格的不同，这个主观意识的“画境”也会有实有虚，大多对境写生的为“实境”，而通过意象而创作的为“幻境”。如李公麟的罗汉画有时代记忆，大多为“实境”;而贯休的十六罗汉图、梁楷的泼墨仙人图、隋牟的罗汉图应划为“幻境”。同理，元代画家黄公望创作的《富春山居图》为“实境”，清代画家担当创作的大多山水画为“幻境”。 对于丘壑，隋牟经常讲的就是画画要“格物”，只有自己“格物”了才会有自己的“丘壑”。《礼记·大学》有记载：“致知在格物，物格而后知至。”⑤对于画家的“格物”，不仅要熟悉外在的规律，更要理解内在的规律，这个规律就是从“术”到“道”的变化过程。隋牟的早期人物画还是比较复杂的，后来逐渐形成两个特点，一是变形趣味性，这里边就有一个度的问题，过度夸张成了漫画，适度变形又不失趣味就需要探索和大量实践，这些探索之中不仅有当代老百姓的生活情趣，还有古人先闲散淡的精神情怀；二是简笔，寥寥几笔就能画出人物的精气神，在这点上对于当代人物画家也是一个挑战，画复杂的事务用笔多撑起来反而容易。简笔要求高度概括，严谨而又不失趣味则是难中加难，如关良的戏曲人物。而关良的笔墨变化较少，隋牟的戏曲人物画笔墨更丰富一些。 隋牟鼓励学生临摹、写生，更要多读书，对中国画的丘壑才会加深理解。这些年临摹隋牟画作的人比较多，但是很难得其神韵，就是这个问题。  战长沙 68x34cm 四、气韵 所谓气韵，是由笔法、墨气、丘壑的综合而成。龚贤提出“画以气韵为上，笔墨次之，丘壑又次之。笔墨相得则气韵生，笔墨无通则丘壑其奈何？令人舍笔墨而事丘壑，吾则见其千岩竞秀，万壑争流之中。墨如稿灰，笔如败絮，甚无谓也。”¢Þ依此为方向可以看出，丘壑是画的核心基础，气韵也不是简单的笔墨游戏，更需要画家有自己的独特认知。 隋牟的近期作品初看就是“浑”，这个与陈洪绶画面用线条所呈现的“雅”不一样。初看起来画面非常复杂，其用线是中锋、侧锋并用。在中国画点、线、面的构成中，线中有面，面中又有线，融合得非常协调，画面“浑”然一体，但整体不失雅致，细节用笔都精彩，值得久久回味。这个味道在黄公望、黄宾虹的山水画中可以看到。其构图也打破了当前流行的人物面部和手脚刻画细致，身体大墨块面的构图模式。逸笔草草，寥寥几笔就勾出了人物的结构，整体画面是由浓淡干湿枯的线条变化来控制节奏。这种不求形似，没有重点，但处处都是重点的绘画方式无疑是高级的，也能看出画家隋牟具有的高超绘画技巧，以及熟练于心的水墨探索和实践经验。 五、结语 诚如狄更斯所言：“这是最好的时代，也是最坏的时代。”好在当代信息发达，画家有了更多的学习方法和资料，通过新媒体有了更多的展示和交流机会。坏在信息太发达，商业味道太浓，传统文化的在传承中出现了严重断层。书画一旦成为商品，就需要大量的作品满足市场需要。其后果是画家传统文化缺失造成国画的创作能力枯竭，带来创作之中个性缺失，同一题材的大量复制的后果。如按照这种趋势发展，将会降低国画在大众心目之中的认识和价值，从而影响国画的持续发展。 隋牟的国画创作重质量，轻数量，从来不受市场的绑架。喜欢随性的挥洒笔墨，草拟心中丘壑，不为别人，只为释放自己的情怀。远离喧嚣，独居北京宋庄一禺，院门口常伺候一块菜地，瓜果殷实。日常品茗打坐，扶琴看书写字，自得其乐。其生活方式及创作内容在当代具有典型意义，值得同道之人向往、学习。 隋牟能不为名利所扰，可见其是清醒的。能悉心在传统文化上下功夫，并不断探索造型趣味性和笔墨的融合，这对于中国美术的创新和发展是有贡献的，必将在中国美术史上留下自己的浓笔重彩的一页。 子彦闲笔于京城      展 厅 略 影   曾翔老师为出圈系列展题字：出圈 出圈系列三 · 莲心处处展览小叙 贾景秀/文 出圈系列展第三回了，分别以山水、花鸟、人物为主题，每次六七人的集合展览，分别呈现同一主题之下的不同艺术风格和艺术家状态。这是我们初衷第一阶段的呈现，而初衷也不止于此。 出圈含义多重，因人而不同，于艺术创作者而言，出自己的圈，舒适的圈，创作瓶颈的圈，是每个人的必经之路，也是个人进步和艺术提升的自我要求。鲁迅先生一贯保持简朴的生活，他曾坦言，自己的被褥多年不换，床铺也保持硬板床，这些对于出身并不贫寒的鲁迅来说，并非没苦硬吃，他说简单朴素的生活更能让人保持觉知，拥有斗志。褒有敏感的同理心和高昂的创作状态，是他终其一生都能为民发声的诀窍。这对于从事艺术创作的我们，有着强悍的模范力量。历史上任何一个阶段的突破，都累积在千千万万个人的突破之上，这也是我们跳脱个人舒适圈瓶颈期的意义所在。 艺术市场近年的跌宕和低迷，让艺术家更能回归艺术创作本身，回归自我修养本来。雪崩之时，没有一片雪花是无辜的。低迷和回归，也给我们带来更深沉的反省和思考。 保持敏锐和丰盈的内心，生活可以简朴，内心不能贫瘠，这需要用时间、用阅历、用阅读来滋养，让思考变得独立而有方向和意义。带着这样的哲思，用作品来呈现，才变得更恒久和值得期待。都说一个人的气质里，藏着你读过的书、走过的路、爱过的人。这种气质和对生活的思考，也一定藏在一个人的作品当中。当我们去翻阅高山、路过平原、走过泥泞、阅读经典、废画三千，去完善书画的技法，改善艺术的面貌，完备自己的内心，做了如此种种的改变，也都是为着原来的初心不变。此次展览以莲心处处为主题，借此希望我们也能像莲花一样，植根深潭而皎然自洁，心自洁者便处处生金莲。 |
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