文艺复兴时期名画鉴赏及赏析1

玉/传说 2013-06-24

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文艺复兴时期名画鉴赏及赏析

文艺复兴时期的绘画，大致可分为早期文艺复兴绘画和兴盛时期文艺复兴绘画两个部分。早期文艺复兴绘画兴起于意大利。在13 世纪后半期，意大利中部以佛罗伦萨为中心就出现了新的动向，从15世纪开始，意大利文艺复兴进入蓬勃发展阶段，佛罗伦萨仍然是最大中心。以波提切利为代表,人才辈出，从不同角度发扬了现实主义与人文主义相结合的传统，绘画风格雄伟秀丽各有所重，呈现百花齐放、美不胜收的局面。注重空间透视表现和人物坚实造型，以及善用线条则成为佛罗伦萨画派代表人物共有的特色。威尼斯画派在意大利文艺复兴中的地位也是极其独特的。15 世纪末至16 世纪初的罗马和佛罗伦萨等城市，已处于磨难之际，而整个16世纪初的威尼斯，却保持着宗教的自由和社会的祥和，这样的社会环境为绘画创造了明媚的发展空间。

自15 世纪至16 世纪，文艺复兴兴盛时期绘画的中心已经转移到了尼德兰和德国。尼德兰文艺复兴绘画，除了早期的绘画大师布罗耶拉姆及尼德兰文艺复兴绘画的奠基者扬·凡·埃克兄弟之外，还有康宾等代表人物，他们的作品主要描绘尼德兰平原美丽的风光及世俗图景。博斯、勃鲁盖尔更是这个时期产生的杰出画家。他们的艺术曾影响了欧洲美术史的进程。

此画是米开朗基罗在西斯廷教堂完成天顶画25年以后，在同一个教堂进行的又一项大创作。画家时年61岁，从 1535 年末到1541 年10 月底，用了近6 年的时间，在将近200 平方米的祭坛后的大墙上，绘出了数以百计真人大小的裸体群像。

这幅气势磅礴的《最后的审判》体现了画家的人文主义思想，他要用正义惩罚一切邪恶，“末日”意味着人类悲剧的总崩溃。画家用超人的勇气，全部采用裸体形象展示，这又一次证实了他敢于肯定人的意义。画中的基督被画家表现为复仇之神，他曾拯救过尘世，但尘世拒绝了他。审判尘世的基督没有怜悯，只有公正、威严和至高无上的权力。壁画有着极强的艺术感染力，裸露的人体与天空的灰蓝色调子相对照，使画面充满戏剧性的紧张气氛。

这是一幅宏大壮丽的图画，初看上去，似有纷繁杂乱之感，细观之，则人物组合有序。画家塑造了二百多个真人大小的、具有力士般的巨人。全画以耶稣为视觉中心，形成一个视觉左右对称均衡和谐的章法，人物的组合构成漩涡状，好像把披风卷起的人群。

这幅女子肖像，是拉斐尔最理想的女性形象，这个形象的特征可以在《西斯廷圣母》中的玛利亚那儿找到她的影子。画家在此运用极为丰富的绘画语言，充分发挥色彩表现力，从美丽的肤色到华贵服饰上的绵密衣褶都被细致入微地描绘出来。画中少女安详而略含倩笑的脸庞，以及按在胸前的那只右手，都刻画得十分细腻。华贵衣裙上的百褶纹，采用一种浅绛、银灰色的调子来表现，与肌肤的色彩相争辉。由于画家以观察为基础，去掉了不必要的神秘色彩，增加了形象真实感。

《披纱巾的少女》又名唐娜·维拉塔，据说是拉斐尔的情人芙纳蕾娜的肖像，在这位女子肖像中，画家不仅描绘了她的美丽和多情，更是运用了一种极为丰富的色彩语言，把芙纳蕾娜的面孔和袒露的酥胸描绘得十分细腻，华贵的衣裙上，繁复精致的褶纹与单纯的披纱形成对比，更加衬托出肉体的温柔与魅力。银灰色调的衣裙与白皙肌肤的色彩交相辉映，使画面产生了一种纯洁的主旋律。在这个形象上，宗教的神秘意味荡然无存，突现在人们面前的是活生生的人，这无疑是画家描绘真实对象的结果。

拉斐尔·桑蒂(1483～1520)是意大利文艺复兴盛期最杰出的艺术家之一，他的艺术体现出深邃的人文主义思想，并赋予这种思想以巨大的表现力。他广泛吸收前辈大师和同时代画家的艺术成就，从而创立出自己独特的秀美、典雅、和谐、明朗的艺术风格。他被称为文艺复兴时期的“画圣”，与达·芬奇及米开朗基罗并称“文艺复兴三杰”。

这幅画又称《乡村音乐会》，据说这件作品先是由乔尔乔纳绘制，后由提香继续完成的。这件作品展示了一幕耽于幻想的神、人心灵交流的幻景，充满神秘的诗意，体现了当时人们对美的梦幻般向往。画中树木圆形的树冠、湿润的云彩、青年人的华丽服装和安闲舒适、富有节奏的动作，以及裸体妇女的丰艳秀美，描绘的非常协调。逐渐暗淡下来的光线，使画面具有温暖的、几乎是热烈的金色调。背着的裸体美人从嘴唇上移开的芦笛，婉转的笛声似乎刚刚沉寂下来。一个青年人正在抑扬顿挫地弹着琴。远方，一个放羊的牧人在吹奏风笛。用手撑在大理石水井上的另一个妇女，仿佛正倾听着从透明玻璃容器中倾泻出来的水流淙淙声。此画的主题并不是非现实的风景，而表现的应该是传统的“爱之乐园”的理想境界。

此画描绘的是在古代建筑遗址上，坐着一位裸体少妇，肩上披一长巾，怀抱婴儿哺乳，一个少年牧人在画面的另一个角落，注视这个场面。画家力求表现出在遥远的天边暴风雨即将来临，而眼前则是山雨欲来、溪水林木浸润着奇妙的光与色的景象，烘托出音乐般丰富而协调的气氛。关于此画的题材与主题，研究者们众说纷纭，无法弄清画家的初衷。画中少妇美丽的胴体以风景为衬托，表现出一种静中有动、动静互补的氛围。

乔尔乔纳(1476～1510)是意大利威尼斯画派的代表画家，生于卡多雷，卒于威尼斯。他师承贝利尼，画风受达· 芬奇的影响，虽英年早逝，却对16 世纪的威尼斯绘画有极大影响。他的艺术风格曾影响提香，特别是色彩运用和气氛烘托的技法，经提香发扬光大，成为威尼斯画派重要的艺术遗产。

此画又名《弥涅瓦将罪恶驱逐出贞洁花园》。弥涅瓦在希腊神话中被称为雅典娜，是智慧的女神。这幅作品中，全副武装的女神正将代表形形色色罪恶的人驱逐出花园，体现了一种不可战胜的自信。画家也借此抒发自己不与罪恶同流合污的清高格调。画面中的空间构成完整而具有层次，人物的造型有雕塑般的力度，色彩醒目，但又饱含着隽智的冷静。

安德烈·曼特尼亚(1431～1506)是巴多亚画派的代表人物、北部意大利重要的人文主义者。他的作品重视形式结构的完整与物体实体感的表现，风格显得庄严而冷酷，画面的人物具有古典雕刻般坚实的形体。他善于用古代英雄的形象来颂扬文艺复兴时代人物英勇豪迈的性格。

此幅名为《奏乐天使》的作品，是整幅壁画的一部分，具有早期意大利文艺复兴绘画的特点。画面色彩鲜明，构图简练，模式化的人物造型表现出中世纪宗教统治的潜在影响。画家着力描绘出“天使”般的少女形象，那是一个可爱的少女，身体微微前倾，面孔严肃，眼神专注，嘴角微闭，一副淡然的神情。优雅的六弦琴旋律荡漾于画内画外，整幅画面洋溢着诗一般的遐想。

梅洛佐·达·福尔利(1438～1494)是佛罗伦萨画派的著名画鉴赏及赏析家，是15世纪崇尚研究画法和透视及人体结构理论的画家弗朗西斯科的高足。福尔利力求在二度平面展现古代建筑物的透视雄姿，使壁画显得宏大开阔，具有一种纪念性意义。所以后人称福尔利是意大利的“界画”能手。在壁画平面上展现有透视深度的室内建筑画法，在15 世纪的画家中，福尔利是独一无二的。

《诽谤》是一幅寓意画，左边以手指天的女人象征着真理，因为真理是不容掩饰的。裸女身旁以衣裹住全身的人物则是邪恶的代表。高台上坐着的是昏庸的法官，他听信两个耳边人的谎言，宣布真理有罪，而台下的人表示不服。画家将抽象的思想通过具体形象的画面阐述出来。这幅画除了对大理石塑像的描绘具有非凡的技巧外，用线刻画形象也是此画的成功之处。

文艺复兴时期，以维纳斯与丘比特为题的作品，可谓数不胜数，但没有一幅能像此画一样美丽、让人惊讶和充满幽默感的。在这幅祝福婚姻的寓意画中，爱神维纳斯身边环绕着象征婚姻忠诚与多子的信物，右手举起一个长春花的桂冠，而丘比特正开心地穿过它将尿洒到女神身上。对今天的人们来说，丘比特的举动也许是不可思议的，但在画家所处的那个时代，一个撒尿的孩子预示着好运与顺利。据说此画是1540 年画家为其堂姐所作，但也有人推测画中的维纳斯即是婚礼中的新娘。

罗伦佐·洛托(1480～1556)被人们称作是流浪和孤独的画家。他出身在威尼斯的一个商人家庭，性格怪僻。他笔下的人物正直、孤傲，不为人们所亲近，好像作者的自画像。他的画风洗练，手法特殊，在写实中透出冷彻的感觉，在画面上隐现着苦涩的阴影。与乔尔乔纳式的牧歌情趣迥然不同，他喜欢采用强烈的光线，肖像画像一张“高调”的照片，具有细腻的明暗转折和柔和的光线效果。

洛托一直深受提香的影响，1526 年以后回到威尼斯仍无法避免。但这幅画上的灰、绿、赭诸色的组合仍然反映着画家初期的风格。妇人挑战性的粗鲁姿态似乎与衣服和假发所营造的优雅极不协调。她手里拿着一张素描，上面画着为守贞节而用短刀自杀的罗马烈女卢克蕾提亚，桌上的纸片用拉丁文写着：“仿照卢克蕾提亚的例子，被凌辱的女人不应偷生。”深色调的背景衬托出妇人白皙的肌肤和红艳的衣服，人物的体积感和空间感都很强烈。

拉斐尔与达·芬奇、米开朗基罗被人们誉为意大利文艺复兴三杰。拉斐尔虽然以画圣母著称于世，然而，他画的同时代的人物肖像也成就斐然。他画过教皇朱理十世和莱奥十世，画过红衣主教英吉拉米，画过巴尔达萨雷·卡斯蒂利奥奈……其中这幅《巴尔达萨雷·卡斯蒂利奥奈》是他最著名的肖像画之一。斯蒂利奥奈是拉斐尔的好友，是意大利菲拉拉、乌尔宾诺、曼图拉三个城邦的外交官兼宫廷侍臣，也是当时很有影响的人文主义学者。他的代表作、著名的《侍臣论》是对当时封建贵族等级模式的巨大冲击。他认为，“完美的侍臣”形象应该是一种“勇敢、精明、热爱真理、多才多艺而且是有文化教养的人”。

这幅作品真切而生动地反映了这位政治家、外交家兼学者于一身的形象特征：他那黑亮、锋利而又平和的眼神，好象能够看穿一切；他那微红、紧闭、外柔内刚的双唇，显示了他自信、果断、严谨和善辩的机巧；微微翘起的下巴，那浓密、整齐的络腮胡须，显示了意大利16世纪文艺复兴时期学者特有的风范；那黑色的礼帽，白色的衬衫，灰黑色的素装又反映了被画者在当时主张摒弃艳装提倡素装的时代风尚。如果用拉斐尔的这幅肖像画与前两期我们看到的作品比较一下，就会发现：他的画既没有达·芬奇画中那朦胧、神秘的晦涩；也没有米开朗基罗雕刻中那紧张、沉重的悲剧意识。他的画单纯、明快、温煦、甜美，与前者相比显得更亲切、更平和、更能接近一般欣赏者的审美口味。

画家运用极为微妙的色彩，将伯爵身上那宽大的银灰色外衣与柔和的棕色帽子描绘得淋漓尽致，对于这位伯爵的心理状态与性格特征刻画入木三分。拉斐尔用锐利的目光挖掘这个真实人物深沉、善良的内在气质。肖像的背景为金灰色调子，使整幅画面显得十分鲜明透亮。

此画据说取材于希腊神话中阿波罗与玛息阿比赛音乐的传说。林神玛息阿拾到了雅典娜的笛子，便认为自己是天下最好的乐手，甚至不把音乐之神阿波罗放在眼中。后阿波罗与其比赛，玛息阿不是对手，被阿波罗派复仇女神将其扒皮，倒吊在林间。虽然画面中群体的形象来源于古希腊的拉奥孔雕塑，但柔和的线条、明亮的色彩与流畅的风格，以及光线与阴影的和谐运用，显示了柯列乔独特的个人风格。

安托尼·安莱格利·柯列乔(约1489～1534)意大利文艺复兴盛期画家，真名为安东尼奥·阿列格利。曾研究过达·芬奇、曼特尼亚等作品，深受他们的影响。擅以轻快、欢愉、充满娇媚的形象来对宗教神话题材进行不拘绳墨的处理。在16 世纪初期，他完成了一系列人物众多的天顶画。柯列乔晚年的作品，虽具备了为文艺复兴时期艺术所固有的、热爱生活的性质，可是在这些作品里已显示出他背离古典传统的、多情善感的刻意求工的铺张和精致的特征。

在这幅作品中，酒神与人们尽情狂饮，沉浸在一片爱的温馨之中。为了表现美丽的裸女形象，画家把人物放在优美的大自然之中。画面右下角仰面卧躺着山林女神，似乎酒醉未醒，尽情地展露着自己的裸体。她那丰满柔润的身体，像一朵盛开的生命之花，为酒神节注入了人性的欢乐。提香的裸女大都以圆润丰满来取悦欣赏者的视觉，令人陶醉，形成了他那独有的“健美风格”。

提香·韦切利奥(约1489～1576)是意大利文艺复兴盛期威尼斯画派中最杰出的代表，人物风景无所不精，尤以色彩见长。他一生创作了五百余件作品，对于欧洲后来的绘画有很大影响。在上层社会里，他的作品是最有声望的，同时他与威尼斯进步的人文主义学者又有广泛的交际。他反对教会专权，在最反动的年代，坚决维护民族尊严。他无论是前期还是后期的作品，都通过对人的活动与性格的表现，来实现现实主义艺术的意义。威尼斯画派崇尚色彩，而提香的色彩表现力已达这一画派的顶峰。