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在我们新先聚品之前的名画系列中我们已经看过很多名家名作了，对画家们的作品有了较为深入的了解，但是对这些名作的真正掌舵者只是略有提及但并不深入。所以在接下来的时间里，我们新先聚品就将用两篇文章的时间，通过画家自画的自画像，带大家去探究艺术家们的人生轨迹。 我们根据年代、风格及地域的多样性每期选择三位画家进行赏析（今天我们首先为大家带来丢勒、伦勃朗以及克里姆特的作品）他们都曾用自己手中的画笔来描绘自己，有的扮演了先知的角色预言了未来，有的不得志倾吐心中的郁闷，有的揭露对生活的态度及体会，从某种程度来说是比其他形式的画作更为直接表达自我的方式，但是无论是哪一种，我们都希望大家可以看到艺术天才们的叛逆，创意，幽默，热情与执着，他们都未曾浪费过自己的年华，所谓不平凡即在此，艺术的纯真也在此。 1.酝酿的人本精神——阿尔布雷特·丢勒 不断地创作自画像，排除了炫耀的财富、社会地位和宗教迷信的因素，将人牵涉到的心理层面引进来，更针对自我肖像的特征建立各种原型，若问谁是这位大艺术的原创者，毫无疑问，正是丢勒。 《十三岁的自画像》 丢勒 1481年 奥地利维也纳艾伯特美术馆 丢勒是第一位用油彩创作自我肖像的画家，从13岁起他就开始不厌其烦地描绘自己，面对自己做最真实的刻画，即使揭露人不敢面对的部分，那也纯然是一个自我检视的过程。 在这张图中，我们看到了他童年时的模样，他并未美化自己，也没有把孩子的天真烂漫，从他那下垂的五官、惶恐的眼神、不快乐的脸、待剪的头发、大小不适的衣帽，以及指向另一端的手势，他生活的穷困便可想而知了。他用诚实的态度及写实的手法看待自身的处境，从贫苦的童年一路走来的艺术生涯，那份成熟与专注，真令人不可思议。 《手拿特蓟花的艺术家》 丢勒 1493年 法国巴黎卢浮宫 22的岁的他，顺从父母的安排与安格尼斯·佛瑞订婚，因此暂缓意大利之行，在那一年，他创作一幅自画像《手拿特蓟花的艺术家》送给未婚妻。西方肖像画主角手上拿的东西通常象征人物的特质或属性，当时在德国“特蓟花叶”被视为激发性欲的植物，因此他以此向未婚妻传达内心的爱慕。有趣的是，画的正上端写着：“1893年，一切都由上天的安排。”语气听来，似乎阐述他对宿命论的认同，这消极的意念暗示他与未婚妻是奉父母之命，并非因爱情而结合。 《有风景的自画像》 丢勒 1498年 西班牙马德里普拉多美术馆 1498年，丢勒画了一张《有风景的自画像》，画中他穿着一件豪华气派的衣裳，此时他不断接受贵族们的委托，专门画肖像作品，其中模特多为贵州譬如智者腓勒等，跟他们接触久了，我们不难想象为什么他要如此打扮自己。同时，在这里也添加了顽皮的模样，显示他那不失幽默的本性。 左端有一根垂直的长柱。下端有一个横式平台，这一柱一平台构成垂直90度的关系，同样的，右上方的窗框也形成垂直结构；更巧妙的是，柱与垂直窗边之间的长度等同于平台与水平窗边的距离；另外，他的头与身体好几个结构元素，由圆与直线形成，这表示他真的用尺与圆规来实践数学与艺术的融合，渴望在理性与感性之间找到平衡。 以上三幅展示的都是从头到腰的部位，标准的二分之一身长，往右侧微转的脸与身体，露出四分之三或三分之二的脸，右手臂停放在前端的平台上，这些全都是文艺复兴肖像画的典型特征，他自己也建立一套新的自我肖像“原型”，供后代画家参考，譬如17世纪的伦勃朗不但欣赏他那一身戏剧性的装扮，也钟爱他的自信与贵族式的傲气，而且还将丢勒的肖像构图直接引用在他的创作里。 《裸体自画像》 丢勒 1507年 魏玛斯塔特市艺术博物馆 他1507年的《裸体自画像》丢勒再次把自己与救世主形象的混在一块，这时与尊贵审判者的身份毫不沾边。一些艺术史学家认为，丢勒借此告知他由上天赐予的艺术天分；又有另外一派的人认为，他从《圣经·创世记》记载的”神以他自己的样子造人”这段话语得到感悟，而构想一个“自己与造物主同体“的观念，然后将此描绘下来，不论哪一种，艺术家抓住的人本精神，他造就的伟大艺术，所承受的肉体痛苦，最后给予人的救赎，不就是创造者（艺术家）在世上所承担的吗？所以不论是严肃的审判者还是受难的救世主，它在美术里创造的人与神同体的观念，都是令人极度震惊的，也因此鼓励了后代艺术家。 2.伦勃朗——拥有自由的灵魂 每个艺术家几乎都曾做过自画像，但没有一位像他这样，作品数量如此之多，从年轻到年老，从富裕到贫困，从各样的装扮到各种的情绪表达，他画尽了所有对自我的认知与内在探索的可能性。他不仅是第一位密集式地研究自我的艺术家，而且，就它展现的人道与慈悲的精神，让他赢得了“伟大的文明先知之一”的美名，然而，这些却都是由坎坷的日子换来的，在整整40年的艺术生涯里，它的自画像记录了他沧桑却不遗憾的一生。 《年轻男子的自画像》 伦勃朗 1629年 德国慕尼黑旧皮纳克提美术馆 伦勃朗23岁时，荷兰政治家兼诗人康斯坦丁·惠更斯发掘了他的才气，因此在海牙宫廷里帮他介绍不少客户，譬如腓特烈·亨利王子，年轻的伦勃朗可称得上前途一片光明。就在此刻，他作了《年轻男子的自画像》一束光源在他身后，他以背光的姿态刻画自己，他的右脸颊、鼻尖、耳端与白领沾上了这束微光的照射，光影对比与阴影层次，处理得恰到好处，使鼻子与额头之间产生强烈的神秘氛围。 当我们目睹《年轻男子的自画像》，便可探知他从年少时就有与众不同的作风了，他的才气、刚强、叛逆和深度，并不因他的遭遇变的更强或更弱。这里的光影对比与触及的灵魂，不就是一般人对伦勃朗的绘画记忆吗？从这儿，他令人惊叹的艺术生涯其实在他23岁时就已经埋下了伏笔。 《张嘴的自画像》 伦勃朗 1630年 荷兰阿姆斯特丹国立博物馆 《长大眼睛的自画像》 伦勃朗 1630年 荷兰阿姆斯特丹国立博物馆 1630年时，年轻的伦勃朗前景一片大好，但在自画像中他却将自己杂乱的头发、以自己的脸，描绘气愤、恐惧、惊奇、微笑、忧郁等不同的深情，我们不禁纳闷它的用意是什么？虽然他伸出有我的环境里，但与社会有一种强烈的疏离感，在心灵深处他始终觉得自己是个局外人，创作此画时，他在现实的虚伪与卑微的真诚之间、肉体与灵魂之间，进行了一段坦然的对话。 《自画像》 伦勃朗 1640年 英国伦敦国立美术馆 自17世纪40年代开始，一连串不幸的事件接踵而来，首先是爱妻过世，另外，他画的《夜巡》也得罪了高官，引来不少的敌人，伦勃朗简直沦落到无地自容的地步，问题是，他依然我行我素，不为现实所屈。 就在这个阶段，他画的线条开始变粗，常被人误以为他的作品还没完成，脸与身体的刻画从原来的侧面转向正面，照射的光源由背后移至前面，他抛弃之前的拐弯抹角，开始直接表达真实的情绪。他面向我们，似乎郑重地表明他的立场：我不在乎世间的荣耀，只为自由而作。 《小自画像》 伦勃朗 1656—1658年 奥地利维也纳艺术史博物馆 英荷战争带来普遍的经济萧条，伦勃朗不屈服的性格，再加上他挥霍无度，不断购买昂贵的画、古物与外来奇珍，最后导致了1656年他破产。他1656年的《小自画像》，就是在那严重打击之下完成的，他过去创下的基业跟艺术家的傲气，在这一瞬间都烟消云散，他眉头紧锁，眼神恍惚，嘴唇抽动，充满着怀疑、受伤与苦涩。 财务出现问题后的他更经常画自己，其中他1658年的《自画像》可是一件了不得的作品。从他的脸部表情，我们得知他心中的怀疑已消失，认清自己所处的现状之后，又多了一份坚韧；另外，他那一身黄，犹如黄色般的绚丽，腰间系上红巾，披上皮质的外袍，加上他如君般的坐姿，整体看来，多像16世纪的教父或国王的肖像画。为什么在穷困潦倒之际、名望不再之时，他还把自己描绘成身价百亿的模样呢？当然，他左手的长棍代表他“绘画的令牌”，他依然傲气十足，只因他那至高无上的艺术成就是不容磨灭的，其实，虽然失去了世间的荣耀，但在艺术创作的实质上，他始终是对的。 《63岁的自画像》 伦勃朗 1669年 英国伦敦国立美术馆 伦勃朗的晚年，日子过得更加辛苦，在临终前的几个月，他做了这张《63岁的自画像》，几年前，这件作品经由X光检测，发现他原来的手是张开的，还握着画笔，但之后修成两手紧握，艺术家为何要删掉拿画具的姿态呢？他说：“我来，或许是为了寻找自我，认识自己，最后找到什么呢？我看见了死亡。”此时，他嗅到了肉体腐臭的气味，已不需要用艺术来证明自身的存在，过去所画的一切足够让后世来判定，他以最后的谦卑合掌迎接死神的到访。 3.古斯塔夫·克里姆特——浪漫的神秘隐藏 《爱》《吻》与《实现》中的男子就是克里姆特的自画像，亲密的男女，温暖地拥抱彼此，但还未真的亲吻。罗丹1887年作的《吻》在布鲁塞尔展出时，克里姆特也亲临现场，得到不少灵感，然而不同于罗丹作品中露骨的相吻，克里姆特刻画的确实男女紧紧相拥，即将亲吻前的一刹那，预留了想象空间，这更加强了情侣之间的情谊深度，让人回味无穷。
《爱》 克里姆特 1895年 奥地利维也纳艺术史博物馆 《爱》是克里姆特第一件刻画男女之间浪漫爱情的作品，这件作品也使他开始踏入象征主义的美学，在这幅犹如好莱坞电影海报的画中，右侧那名男子的身体几乎全部藏在树丛后面，浓暗的肤色是他最抢眼的特征，左侧的年轻女子有着一头蓬松的卷发，眉眼间包括眼里的忧郁感，都跟艾米丽的肖像画与照片里的特征一模一样。 克里姆特与艾米丽相差12岁，是克里姆特弟弟妻子家里最小的妹妹，成熟的克里姆特在新派艺术界有着屹立不摇的地位，对年轻的艾米丽来说，他的身份就如父亲，除了爱人，她对他还有一份英雄般的崇敬，他们的情谊就以此种模式延续下来。 我们看见她右手紧紧抓住男子的手臂，左手搂住他的脖子，那样心甘情愿等待亲吻的那一刻，然而，这名骑士隐喻的又是谁呢？ 克里姆特很少作自画像，但是一些他画作里的男子，经常以不同的角度呈现他们的头部，有时侧面，有时低下头，有时把脸隐藏起来，故作神秘状，这与他生性害羞的个性相符；他接近南美洲人的肤色也是另一项明显特征，《爱》中的男主角呈现了这些部分，艺术家用此种方式隐藏自己的存在。
《吻》 克里姆特 1907年 奥地利维也纳艺术史博物馆 1907年，克里姆特画了一幅《吻》，在吻中，情侣之间唯一共通的元素是那渲染的黄金色彩，象征情人的融为一体，除此之外，艺术家也加入了文艺复兴的优雅。埃及美学的冻结感，前拉斐尔派的梦境、拉文纳马赛克的幻想，多重因子的组成，为这幅画增添了不少的魅力。这儿没有光影的投射，三度空间感已不复存在，整体绽开了一个奇妙的天堂，让这对情侣尽情地享受彼此。 从发色、脸宽等等特征可以判断女主角就是艾米丽，那男主角自然就是克里姆特。我们刚刚提到了他极为害羞的性格，这在多副画中都有所表现，那么克里姆特究竟经历了什么，才会有这样的性格？ 克里姆特的成长背景一直都是他最深的痛，特别是他的姊妹和母亲都患有精神疾病，所以他也时常怀疑自己会不会有病？会不会早死？异常的人格发展导致他变成一个极为害羞、不多说话的人。隐藏自己是他面对人群的策略，《吻》中的男主角把头埋起来，以此为线索，艺术家的身份就很容易判断了。
《实现》 克里姆特 1905——1909年 奥地利维也纳应用博物馆 克里姆特笃信爱情是人间最美的形式，无关乎道德的善与恶，他以新艺术美学做基石，将各种官能感受转换成一种欢愉的天堂。在现实中，他的情爱生活一分为二。其一，是与画室里裸体模特儿们之间没与任何承诺的爱人关系，在1900年的一张《性器官的自画像》里，他把自己画成一具男人的阴茎，象征强烈的性欲，他的爱人一个接一个不断，不愧是维也纳知名的情圣。在另外的爱情世界里，存在的只有一个女人——纯真的艾米丽，在克里姆特的心中始终占有重要的地位。 以上的两种爱情在他心里最暗的角落里分歧着，他无法割舍。对于前者，来来去去然而跟后者，却是一生的相系。 |
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