工笔画教案（下）
第九单元 工笔人物画写生——色彩
教学目的：
使学生掌握一定的色彩知识，在着色过程中，灵活运用，注意画面的色调，色彩协调，使画面统一，创造出独具个性的色彩旋律。
教学要求：
1、掌握色彩对比的几个方面，色相对比、明度对比、纯度对比、面积对比。
2、了解色调的分类，学会把握画面的主色调。
3、了解色彩的节奏。
教学重点及难点：
1、色彩对比。
2、什么是色调，怎么把握画面的色调。
3、如何创造色彩节奏。
教学内容：
（一）色彩在中国画中的运用
色彩是一幅作品的血脉，它比其他造型因素更能刺激人的视觉。
中国传统绘画经过几千年的发展演变，已有自己独特的用色法度。一般绘画中的色彩分为重色和淡色。重色，即石色，其色彩性质“富丽堂皇”、“色意浓烈”，淡色即水色，其色彩效果雅淡清致。
中国画中的色与线相融合，便产生出了情调高雅的独特面貌，我们在学习中国画的过程中，不仅要了解中国画的传统色彩，还应了解西方的色彩科学，使我们在绘画中不只是去关注色彩感觉的表面追随，而是从外向色彩感觉的敏锐去触发内在色彩感知的不断自觉。创造出具有个性和形式美的绘画作品。
在学习中，我们可以根据自己的色彩意识、喜好，在把握色彩和谐的尺度上主观地、自觉地去发现和创造色彩关系，在具体的、有限的颜色中组合出无限的色彩旋律来。再通过对节奏、均衡、韵律等形式法则的运用，构成新的、丰富的色彩视觉、效果，以使色彩随时代的变迁而呈现出不同的个性，表达出鲜明的时代气息。
（二）色彩的对比
对比是色彩最基本的构成形式，它的本质特征是激活人的视觉鲜明度。单一的某个色彩无所谓对比，只有两个以上的色放在一起，才能比较出明显的差别，形成对比的色彩关系。
下面我们从色相对比、明度对比、纯度对比、面积对比四个方面来讲解色彩对比。
（1）色相对比最能反映生命本身的色彩结构，是人类绘画史上，最早出现的绘画色彩结构，因为它是由未经掺和的色彩以其最强烈的明亮度来表示的。
中国古代重彩画的色彩结构几乎多采用色相对比。色相对比由于色彩个性鲜明而难以驾驭，但一旦使色彩产生关系感，就能实现色彩的和谐之美。
A、同类色对比：如朱红与大红，中黄与柠檬黄等相近的色的对比，效果统一、柔和。
B、邻近色对比：如红橙、橙黄、绿蓝、蓝紫等色的对比、协调、含蓄、柔和。
C、中差色对比：红黄、黄绿、蓝红等色的对比，这种对比含蓄、和谐、明朗、生动；
D、对比色对比：如橙与绿，红与黄绿，黄与蓝绿等，鲜明、强烈、丰富、活泼。
E、互补色对比：如红与绿、蓝橙、黄紫，是最鲜明、最强烈的色彩对比结构。在绘画时可采用黑、白、灰和彩度很低的色来调整对比色之间的对比，或扩大某一色彩的色域以取得画面色彩关系协调。
F、冷暖色对比：如蓝与红等。冷暖色对比是绘画色彩结构中对人的感情产生最大影响力的色彩对比，也是色相对比中的一种特定形式。
冷色以蓝青为极端，称为“极冷色”。
暖色以橙红色为极端，称为“极暖色”。
在色相环中靠近橙红的色倾向于暖的感觉，靠近蓝青的则倾向于冷的感觉。
冷色与暖色相对立，又相统一，暖色靠冷色的反衬才更具表现力，反之亦然，在绘画中运用冷暖变化和节奏调节视觉上的平衡感，以取得较好的艺术效果。
（2）明度对比
明度 —— 色彩的亮暗程度。
明度最高的是白色，最低的是黑色。
明度较高，反差较小，具有清爽、高雅之感，营造出洁净、温馨的氛围；明度较低，黑白的反差较大则具有明快、强烈、厚重、清晰的感觉，造成明朗、活泼、有力的视觉效果。
（3）纯度对比
纯度 —— 颜色的鲜浊度，即颜色中色素的饱和度。
色彩中的鲜浊取决于含黑、白、灰总量的多少，含灰量少，其纯度高，反之，纯度就低。
在同一色相中，当纯度不同的颜色产生对比时，纯度高的越鲜艳，纯度低的浑浊。高纯度色彩富于动感，艳丽夺目，在一幅画中最引人注目，但如果处处鲜艳夺目就会主次不分。因而在画面处理时往往以大面积的低纯度与少量的高纯度色互相配合，互相调节，达到丰富、鲜明、和谐的效果。
（4）面积对比
色彩的面积对比被认为是一切色彩对比的重要形式因素。用一定比例分配颜色的面积，色彩会给视觉一种平衡稳定的感觉，即通过色域面积的大小来确定主次关系。如互补色可以将其中某色面积加大，成为主色，而另一色域为从属色，以小面积的色块来形成对抗，反衬或呼应色彩关系；或将大而纯粹的色块进行分割，创造主色调自身的不同面积对比。
色彩面积的对比不单表现在色彩视觉的平衡，而且利用色彩面积的大与小，集中与分散，形成色彩面积的节奏感，增强绘画色彩的表现力。
（三）色调
蓝调子；亮调子；灰调子；黄调子；中间调子；艳调子；绿调子；暗调子；冷、暖调子；柔和调子等。
由于色彩的各种因素是相互关联的，调子多数以综合的形式出现，如一幅画可能是冷调子，却同时又是高调子和绿调子。
绘画中色调是作品中最主要的色彩印象。色调构成主要是由作者的艺术个性和他要表现的情感内容而定。因而调子可以是写实性色彩的色调，也可以是意象性色彩的色调。
在画面中如要突出一个主色调使其色调的倾向更为明确，可有意识地将其它或与之类似的色的面积扩大，控制、缩小其它与之相对的色调的比例，从而形成鲜明的画面色调。在强调色调的同时也要防止“唯色调而色调”，忽视绘画对象丰富的色彩变化，或在多幅作品中重复使用某一种色调，令观者难以产生新鲜感而失去审美注意力。
（四）色彩的节奏
在绘画色彩中，相同或相近的颜色，在画面上有两次以上的再现就可以创造出最基本的视觉节奏。在绘画过程中控制好画面节奏，作品将更生动、更感人。
色彩的节奏应是变化的多样统一，通过相同的色面、色线、色点构成的色彩形象在重复、交替、渐变等一系列的艺术手法处理下，带有节奏感的色彩在画面上形成了特定的色线联系，由于节奏的联结而形成生机勃勃的绘画色彩律动。色彩交替的出现实质是色彩再现丰富，画家可以根据画面所需要使色彩连续或断续地出现，并且还可以经过相应的间隔之后重现第一次连续或断续的形象，产生扣人心结的感情力量。而且绘画中还可运用两种以上的节奏构成衬托的色彩律动，如单色和复色，冷色和暖色都可以在画面上形成同时展开主副色彩的节奏对比。
总之色彩的节奏只要被艺术家创造性地运用，就会产生有生命力的跃动节奏。
（五）小结
具有丰富的色彩知识和深厚的色彩修养是画家的基本功之一，如何将色彩知识恰如其分地运用于作品中，是至关重要的。因而对色彩的设置、构成方法和形式原理的研究是非常必要的。探索出色彩组合关系的共通性和规律性，将色彩美感建立在一定的美学构成原则的基础上，使色彩的美感被体现在各物象之间的组合搭配关系中，即体现色彩的选择、配置、相互的势力以及空间的位置、方向，面积等等方面的关系之中，达到主动，有效地把握画面的色彩效果，表达出自身的心象之色和创造出独具个性的色彩旋律。
第十单元 工笔人物画写生——作画步骤示范
教学目的：
1、通过示范让学生了解工笔人物画写生步骤。
2、让学生体会工笔人物画与工笔花鸟画绘制过程中的相同与不同。
3、引导学生正确、规范操作。
教学重点及以点：
1、分染、罩染、统染、接染的概念及设色过程中应注意的问题。
2、勾线的重要性。
教学内容：
工笔人物画写生步骤：
起稿 —— 勾线 —— 设色 —— 深入刻画 —— 调整完成
（一）起稿
起稿阶段，对表现的主题、形象、构图的确定，需经反复推敲，起稿时用铅笔、炭笔或木炭条均可，只要方便修改。在这一阶段中，
勾些小构图，对画面中线、色、空间、构图进行设计是很有必要的。既注意形象的性格特征能否体现主题思想，也同时考虑形象的造型处理及服装、道具、背景的配合。起稿时形象塑造要从形体结构出发，用线条来表达对象的轮廓、结构穿插，通常在正面平光下写生时，利于用线塑造对象，不为光源和阴影所干扰，在底稿上可有适当的调子帮助起伏结构，前后层次的显现，画面气氛基调的确定，可以参照光影关系，更重要的是根据对象本身的结构关系。这些调子往往是将来渲染的一种模拟和提示。
（二）过稿
当底稿上的线条都已组织合理且线条起止有数，就可以用铅笔把它拷贝到熟宣纸或熟绢上，若纸（熟绢）较薄较透明，可直接覆盖在底稿上拷贝；若其较厚，则最好在拷贝台（玻璃台面，下面有灯光透上）上进行拷贝，拷贝时应沿底稿所示线条轻轻画出，之后再对照底稿（如写生最好能对照摸特）修正和加工补充，尤其是五官的细微处，如眼角、嘴角等部位。
（三）勾线
勾线是工笔人物画中的关键步骤，因墨线在熟宣纸（绢）上无法修改，故勾线时要很谨慎，墨线要求准确肯定，而执笔时讲究“五指齐力”“指实掌虚”笔在手中进退自如，操作灵活。用笔的方法可归纳为：中锋（笔锋在点画的中间运行，笔杆往往垂直，画出的线条深厚、沉稳、是工笔人物画中主要的勾线方法），侧锋（即笔锋在点画的一侧运行，笔杆往往倾斜向一边线条活泼多变），逆锋（笔锋向前逆行）。
勾短线只需运指运腕，够长线就要运肘运臂。勾线前应对画面中的用线用墨有整体设计，从不同的对象中寻找一种和谐又有变化的线条间的粗细刚柔干湿浓淡的关系，如人物面部的线条与服装上或背景上用线可从质感或固有色等角度加以区别，可以是粗细之别，也可以有浓淡之分，但不宜对比太悬殊而难以统一。
勾线可从人物的主要部位开始，也可在画面其他的次要的部位开始，按各人习惯不分先后。
勾眼、嘴、鼻等颜面五官部位的线须特别慎重，力求严谨到位。这些部位的形稍有偏差就会改变对象的神情，直接影响人物形象的塑造。
（四）渲染上色
勾完线后，就可以进行渲染上色。渲染多用水色，包括半透明的赭石、朱磦，而不用石色，以防止罩色时颜色泛出。渲染时要从结构出发，根据对象的凹凸、浓淡、转折、遮叠等变化，用不同程度的淡墨或水色调墨，染在鼻翼、眼角、嘴角、头发等处。渲染一般用两支笔，分别蘸色和蘸清水。蘸色笔先上色，接着用水笔沿色的边缘染开，使色自然晕开。“色以清用而无痕”，要求不露笔痕，过渡自然为好。上了色后马上就用水笔染一般不易留下笔痕。进行大面积的渲染，可先将画面稍稍喷湿，在水分将干未干时上色，以避免笔痕水迹留下。
渲染就其所染位置不同，可分为低染法和高染法。低染法主要沿物象的边缘，凹入处和前后重叠处向一侧染开，来衬托前后层次，增加体积感。高染法则对物象凸出部位进行渲染，有浮雕的效果，易厚重。一般一幅画中只采用一种染法或以一种染法为主。
人物皮肤颜色的处理，要因人而异。少女皮肤细腻，肤色调合时可以稍加粉质颜料，以期达到娇嫩滋润的效果。画老汉的肤色以水色为佳，色彩易沉重厚实。
渲染较深色的部位时，可分数次染成，逐步加深，便于把握整体关系。如须发层层渲染，发际处过渡就易自然。
渲染时用色的深度与墨线的深度要相宜，既要发挥线在画中的形式美和主导作用，又要让色与墨线协调统一。在墨线上，尤其是在轮廓线上稍加渲染，可以使线浑圆而有厚度。
渲染完成了底色的铺陈，在此基础上就可用色彩覆盖其上，通常以平涂的手法，称为罩色。罩色不可过厚，以略能透见底色为宜。罩水色和半透明石色时较容易，而罩覆盖力强的石色，也应层层薄涂罩色。石色太厚，不易涂匀，且色彩易灰暗无光。
罩色用的颜料应一次调足，宁多勿少，尤其罩大面积的色块时，涂色时一笔接一笔地展开，以免先涂过色的局部先干而出现笔痕，使色块不平整。以水色罩色，底色的渲染要恰如其分，不宜过火；罩以石色，底色渲染可以稍过一点，罩色后就恰到好处。如石色罩得较厚，使渲染的底色的作用不明显时，还可以等石色干透后涂上胶矾水，用以固定颜色，防止泛色，再进行渲染。
上不透明的石色也可采用填色法，用色较厚，突出墨线，使色不碍墨，墨不碍色。色与墨线之间最好不要留下空隙，免得影响画面的工整。填色时可以用色挤压墨线来校正墨线的缺陷。填色法多用于描绘服装道具。
在整个设色过程中，往往渲染与罩色交替进行。罩色时，可以用同一种颜色多次罩色，也可以不同的色彩交替罩色来达到所追求的色调。在薄纸或绢的背面可衬一块颜色或墨色使画面正面的形象色彩更加沉稳饱满而有厚度，且保持色彩的鲜明、透气。一般背面衬托用的颜色相对比正面用色厚些。
（五）深入刻画
渲染罩色这一整个设色过程也是画面不断深入的过程。人物的脸部，尤其是眼、嘴、鼻、眉、耳等传神部位，还有富于动作表情的手足，都要仔细深入刻画。细微的刻画服从于整体，不必处处面面俱到。在罩石色后，墨线因被覆盖不如原先清晰明确，就需要重新勾线，叫做“勒”。勒线常用比该着色区域稍深的同类色的线，依原有墨线重勾。在皮肤外露部分可用与肤色协调的颜色如赭石类颜色重勾，增加厚实感。在重勾时不必刻意一丝不差地描在原有墨线上，避免线显得过于刻板无生气。
画中的白色常最后上色。
（六）调整完成
深入刻画后，对画面整体进行审视是不可少的。人物形象神情表现是否到位，色调是否协调，渲染着色有无遗漏等等均需细心检查并加以调整。整个画面、人物、背景关系统一和谐，人物神采能恰当体现，这幅画才算完成。
