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公元前4世纪中叶，伊特鲁里亚人的歌舞传入罗马，产生一种同菲斯刻尼表演类似但更为复杂的杂戏。这是一种包括对话、唱歌、音乐、舞蹈的滑稽表演。公元前300年左右出现的阿特拉笑剧，标志着罗马民间戏剧发展的新阶段。它是罗马人向意大利半岛中部扩张期间从坎帕尼亚的奥斯克人那里摹仿来的，用来讽刺乡村生活中某些滑稽可笑的事情。主要角色有丑角、饶舌者、老头、驼背。阿特拉笑剧起初由青年业余表演，后来才出现职业演员，表演内容随之扩大，人物形象也逐渐丰富。古罗马还流行过一种拟剧，是罗马人从意大利半岛南部的希腊人那里吸收过来的。古罗马的民间戏剧表演为后来罗马戏剧、特别是喜剧的发展奠定了基础。 古罗马戏剧包括喜剧和悲剧。罗马喜剧主要是人情喜剧，由于当权的奴隶主贵族不允许随意讽刺他们或批评时政，因而政治喜剧未能获得发展。在这一时期占统治地位的喜剧是希腊式喜剧，它依据希腊晚期和以神话为题材的中期喜剧及以市民生活为题材的新喜剧改编而成，同时吸收了意大利民间戏剧的因素。由于剧中人物穿着希腊披衫，罗马人称这种喜剧为披衫剧。希腊式喜剧很受下层民众欢迎，公元前3世纪末和公元前2世纪上半叶是其繁荣时期。 在当时的喜剧家中，以普劳图斯和泰伦提乌斯（约公元前190－公元前159）最为著名，也只有他们才有完整的作品流传下来。他们的作品具有不同的思想倾向和艺术风格，代表了希腊式喜剧发展的不同阶段。 罗马悲剧分神话剧和历史剧两种，以神话剧较为流行。神话剧以希腊神话为题材，主要是依据希腊古典悲剧家（也可能包括一些晚期希腊悲剧家）的作品改编而成。历史剧取材于罗马历史传说或事件，颂扬罗马光荣的过去和贵族的功绩。由于剧中人物穿着罗马官员常穿的镶紫边的长袍，罗马人把这种历史剧称作紫袍剧。罗马悲剧比较符合贵族口味，不如喜剧受普通观众欢迎。 主要悲剧作家有恩尼乌斯、帕库维乌斯（约公元前220－公元前130）、阿克齐乌斯（约公元前170－约公元前85）等。他们的作品均已散失，现仅存零散片断。 公元前2世纪中叶之后，希腊式喜剧开始衰落，代之而起的是以意大利手工业者和商人为主要描写对象的新型喜剧长袍剧。这种喜剧因剧中人穿罗马人常穿的长袍而得名，它在罗马盛行了半个多世纪，主要作家有提提尼乌斯、阿塔、阿弗拉尼乌斯等，作品都已失传。 到公元前1世纪，长袍剧又被经过文学加工的阿特拉笑剧和拟剧所代替。罗马特有的具有社会讽刺色彩的杂咏诗在公元前2世纪也得到发展，卢齐利乌斯（约公元前180－公元前102）首先使这种内容驳杂形式不拘的古代文学体裁具有政治讽刺性质。 公元前44年凯撒被刺后，屋大维当权，建立元首制度，号称奥古斯都（意为“神圣的”）。内战的结束促进了经济的恢复和文化的发展，奥古斯都本人对文学创作也很重视，古罗马文学从此进入“黄金时期”。这一时期的文学成就主要在诗歌方面，但戏剧也获得一定的成果。当时继续上演普劳图斯、泰伦提乌斯、帕库维乌斯、阿克齐乌斯等前辈作家的作品，同时也出现了一些有才能的剧作家。诗人瓦里乌斯在公元前29年上演《堤埃斯忒斯》，获得很大成功。阿西尼乌斯（公元前76～公元5）编写的悲剧也受到好评，被认为可与希腊三大悲剧家的作品媲美。著名诗人奥维德的《美狄亚》也受到普遍的称赞。这些剧作都失传了。与诗歌创作相比，这一时期戏剧成就明显逊色，主要原因是统治阶级过分强调戏剧的娱乐作用，力图以豪华的演出粉饰太平，同时迎合普通民众观看热闹表演的嗜好，以分散他们对政治斗争的注意力。上述情况在奥古斯都的继承人统治时期表现得更为明显。当时戏剧演出的场面更为壮观，布景更为绚烂，音响更为悦耳，不过舞台上表演的往往只是悲剧中的抒情部分，故事情节则退居次要地位。塞内加（约公元前4～公元65） 是罗马帝国初期著名的悲剧家，一般认为，他的悲剧不是供舞台演出，而是供一些有共同志向的人在室内朗诵欣赏的。剧中反映了贵族反对派对皇帝个人专制的不满情绪。 在古典戏剧衰落的时候，阿特拉笑剧和摹拟剧继续受到欢迎。阿特拉笑剧的尖锐、泼辣的风格深为普通观众所喜爱，但剧中对时事的影射往往招致官方的镇压。摹拟剧这时已由短小的即兴演出发展成为大型的表演，题材有家庭纠纷、奇遇故事等，其中最著名的是劳雷奥洛斯大盗的奇遇。摹拟剧有时也抨击基督教的信条，从而招致教会的反击。在罗马帝国时期，摹拟剧的演出超过了阿特拉笑剧，剧中对时事的抨击也时时招来官方的迫害。同时，由于受到日益败坏的社会风尚的影响，摹拟剧的思想水平也日益下降。在古典戏剧发生变化，音乐、舞蹈、表演逐渐分离的情况下，以神话为题材的舞剧取得了优势，逐渐代替了悲剧演出。“潘托弥穆斯”（意思是“完全的摹拟”）是一种由一名演员表演的舞剧，演员可以更换装束和面具，饰演不同的角色，表演时有音乐和合唱相伴，由合唱介绍剧情。“皮里卡”（源出古代的战斗舞蹈）是一种大型舞剧，有时一次演出甚至有数百人参加。这种舞剧也以神话爱情故事为题材，以鲜艳的服饰、豪华的场景吸引观众。帝国时期的戏剧演出尽管思想水平和艺术水平降低了，但演出的规模更大，次数更频繁，到公元4世纪中期，甚至一年中竟有175天上演戏剧。帝国时期的剧场建筑大规模发展，不仅在罗马，而且在意大利、高卢、北非、西亚等地都建筑了许多大剧场。罗马帝国时期戏剧艺术的退化和欣赏趣味的降低，是罗马奴隶制崩溃时期思想贫乏、文化衰落的具体表现。 歌剧在西方语言的代表字Opera来源于拉丁语“作品”的复数形式（Opus, Opera），后经意大利文推广至其他欧洲语言，顾名思义歌剧原意不单单包括舞台上的独唱、重唱和合唱，也包括对白、表演和舞蹈。16世纪末，在意大利的佛罗伦萨有一群人文主义学者组成了“卡梅拉塔同好社”（Camerata）的团体，以复兴古希腊的舞台表演艺术。他们相信古希腊的戏剧中的“合颂”部分实际上是合唱部分，甚至有人认为古希腊的戏剧实际上就和今天的歌剧一样，全部剧情皆以歌曲交代。因此当现知历史上第一部歌剧，由雅各布·佩里（Jacopo Peri）作曲，取材自古希腊神话的《达芙尼（Dafne）》于1597年首演时，风评一片赞好，皆认为“成功复活了古希腊的戏剧精神”。但《达芙尼》最终不幸失传，但佩里的另一套首演于1600年的歌剧《尤丽狄茜（Euridice）》至今仍偶有排演。但今天歌剧界最古老的标准保留剧目的歌剧，当数1607年首演于曼都瓦宫廷的克劳迪奥·蒙泰韦尔迪作品：《奥菲欧（L'Orfeo）》。 1637年，歌剧季度购票制度在威尼斯的狂欢节出现，令公众开始得以欣赏歌剧。蒙泰韦尔迪也在此时由曼都瓦移居到威尼斯，并为威尼斯在1640年代创作了他最后的两套歌剧，《尤里西斯返故国（Il ritorno d'Ulisse in patria）》和《波佩雅的加冕（L'incoronazione di Poppea）》。他最重要的追随者范切斯科·卡瓦利（Francesco Cavalli）将歌剧传到了意大利各地。这些早期的巴洛克时代的歌剧，往往是喜剧混合一些悲剧元素，如在歌剧中插入带喜剧成份的“戏中戏”，以吸引文化程度不如贵族的新晋商人阶层，去欣赏歌剧。但这个现象刺激了不少受过教育的鉴赏者。就是这些鉴赏者，发起了歌剧史上第一次革新运动。在威尼斯阿卡迪亚学院的资助下，诗人梅塔斯塔齐奥（Metastasio）通过自己的创作，确认了正歌剧（opera seria）的标准模式。自此至18世纪末，正歌剧便成为意大利歌剧的主流。 而在梅塔斯塔齐奥的标准形成之际，喜歌剧（opera buffa）便成为巴洛克时代意大利歌剧的另一模式。而部分戏中戏则渐渐发展成为日后“艺术喜剧（commedia dell'arte）”，如同1710至1720年代流行于那不勒斯的“间场喜剧（intermezzi）”一般。无论如何，这些喜剧往往都大受欢迎，不少得以随即单独上演。 正歌剧常带有振奋的音调和还有高度格式化的曲式，通常由干宣叙调和返始咏叹调（da capo aria）。这些特色给予当时的歌剧唱家很大的发挥空间，令他们成为正歌剧黄金时代的明星。当时英雄的角色常为阉伶而设，或用女高音代替。这类唱家以阉伶法里内利（Farinelli）和赛尼西诺（Senesino），还有女高音浮士蒂娜·波多妮（Faustina Bordoni）最为著名，其中法里内利更是18世纪最著名的歌剧唱家。由于正歌剧在法国以外的各国大行其道，因此这类主角在各国需求很大。 意大利歌剧一直是巴洛克时代歌剧的标准，意大利脚本最为流行，如在伦敦谋生的德国人韩德尔都是用意大利语的脚本写歌剧。直至到古典音乐时期，意大利语脚本都是歌剧的主流，18世纪末在维也纳谋生的莫扎特也是用意大利语的脚本。其他意大利当地歌剧的领军人物包括亚历山德罗·斯卡拉蒂、安东尼奥·维瓦尔第和尼可拉·波波拉（Nicola Porpora）。 正歌剧诚然有其弱点和批判者，尤其是以壮观场景取代戏剧的纯粹性和统一性，引来不少抨击。番切斯科·阿尔加罗蒂（Francesco Algarotti）1755年发表的《论歌剧（Saggio sopra l'opera in musica）》，启发了克里斯托夫·维利巴尔德·格鲁克提出革新歌剧的理论。格鲁克主张正歌剧应该反璞归真，无论是音乐、舞蹈和舞台布置，都是应该为为戏剧服务。这个时期的部份作曲家如尼可洛·约梅里（Niccolò Jommelli）和托马索·特拉埃塔（Tommaso Traetta）都曾尝试将这些观点付诸实行。但第一个成功且青史留名的是格鲁克。格鲁克尝试达成歌剧的“简约美”，而在他的“革新歌剧”之一的《奥菲欧与尤丽狄茜（Orfeo ed Euridice）》得以体现，当中的声乐部，不如韩德尔的作品那般，富有简单的和弦和丰厚的交响乐伴奏。 格鲁克的革新影响深远，韦伯、莫扎特和华格纳都深受格氏的意念所影响。莫扎特在很多方面被视为格鲁克的继承人，集合自身天赋对喜剧、和声、旋律以及对位法的敏感触觉，和洛伦佐·达·彭特合作谱出了一系列至今依然流行、依然著名的喜剧作品：《费加罗的婚礼》、《唐·乔望尼》和《女人皆如此》。然而莫扎特虽有正歌剧的创作，如《铁托皇的仁慈（La Clemenza di Tito）》和《依多美尼欧》，且创作精美，但已无力回天——正歌剧的时代俨然一去不复返。 19世纪初的意大利歌剧坛，几乎为美声运动和其歌剧代表作所占据，如乔奇诺·罗西尼、文琴佐·贝利尼、葛塔诺·多尼采蒂、乔望尼·帕契尼（Giovanni Pacini）和萨维利奥·马卡丹特（Saverio Mercadante）等人的作品。“美声（bel canto）” ，本为意大利一种声乐学派，其后出现相应的歌剧作品，成为一种歌剧的风格。美声作品的旋律往往非常华丽且复杂精细的，需要相当灵活的技巧和音高控制能力。 美声时期过后，朱塞佩·威尔第带动了一种更直接，更震撼的新风格，以圣经故事为题材的《拿布果》便是这种风格的第一击。而深受后拿破仑时代的意大利民族主义影响的歌剧观众，觉得威尔第通过自己的作品回应他们的诉求，令威尔第成为意大利统一运动的代表人物之一。1850年代早期，威尔第一连推出三部最受欢迎的歌剧：《弄臣》、《游唱诗人》和《茶花女》。此后更进一步发展他自己的风格，写下了法式大歌剧《唐·卡洛斯》，并改编两套莎翁戏剧，《奥泰罗》和《法斯塔夫》，作为自己的收山之作，并成功显示了意大利歌剧的复杂与精密。 威尔第以后，随着马斯卡尼（Pietro Mascagni）的《乡村骑士》和莱翁卡瓦洛（Ruggiero Leoncavallo）的《小丑情泪》的出现，写实主义歌剧渐渐流行于意大利。而写实主义风格歌剧，尤其是贾科莫·普契尼的代表作《波希米亚人》、《托斯卡》和《蝴蝶夫人》，更是一时主宰世界各地的歌剧舞台。此后的意大利作曲家，如卢西亚诺·贝里奥（Luciano Berio）和路易吉·诺诺都一度尝试将现代元素混入歌剧当中。 |
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