怎样看懂文艺复兴

遨游嗷嗷 2017-12-23

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1. “业余画家”达·芬奇

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1. 达·芬奇是“文艺复兴三杰”之一，被称为“文艺复兴时期最完美的代表” 。他学识渊博、思想深邃，是人类历史上绝无仅有的全才，在众多领域都为后世留下了极为珍贵的成果。甚至可以说，将达·芬奇列在艺术大师的榜首，对他依然是一种“委屈” ，因为达·芬奇对人类文明的贡献，远不止于绘画艺术。他的头衔包括数学家、音乐家、工程师、建筑师、武器制造师等等，因此，“天才”是对达·芬奇的最基本的形容。

2. 达·芬奇，全名为列奥纳多·迪·皮耶罗·达·芬奇（意大利文原名：Leonardo di ser Piero da Vinci ），生于1452年，在“文艺复兴三杰”之中是最年长的“50后”；米开朗基罗生于1475年，是“70后”；拉斐尔是最有朝气的“80后” ，1483年生。达·芬奇所生活的15世纪末到16世纪初，正值我国明朝后期，这一时期整个欧洲的文艺复兴达到了空前顶峰的状态。北方有丢勒，威尼斯有提香，各地都有大师能人，这是以“三杰”为代表的“文艺复兴盛期”。

3. 在遍地都是艺术大师的时代，达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔能够被称为“三杰”，是因为他们三个的艺术作品达到了完全自洽的境界。很多优秀的艺术家有自己的“绝活”，但也存在一些缺陷。“三杰”虽然艺术风格互不相同，但都能够自圆其说，形成一套挑不出毛病的艺术体系。所以他们都在绘画艺术方面，拥有极高的地位，而对达·芬奇来说，只是他众多成就中比较小的一项。

4. 达·芬奇在绘画艺术上成就极高，而他的“天才”恰恰在于，绘画只是他的“业余爱好” 。达·芬奇在绘画方面很有天赋，早年和师父韦罗基奥合作，画了一幅画。画中两个小天使，一人负责画一个。结果，二十岁左右的达·芬奇画出的天使比师父画的要更正确、更生动。传说，韦罗基奥因为这幅画，从此封笔。可是，在达·芬奇的另一幅早期的肖像画中，我们又能看到非常明显的缺陷。这幅画不满足最基本的近大远小的透视原则，甚至画中女性的鼻梁都是歪的，并不是非常优秀的作品。因此，可以看出早年的达·芬奇尽管很有天赋，完全有能力画出优秀作品，但他并不是很专注于绘画，没有把所有精力放在绘画上。

5. 达·芬奇的“业余”，还表现在作品数量上。除了最著名的《蒙娜丽莎》以外，达·芬奇的代表作能被人们想起名字的，基本上就只有《最后的晚餐》和《岩间圣母》。按照达·芬奇的绘画造诣和在世寿命来看，这位天才画家应该能给我们留下很多作品才对。事实上，目前能完全确认是达·芬奇作品的，不到二十幅。可见，达·芬奇只是在用他业余的精力和时间，“随便”画一画。

6. 即便是“业余”的，达·芬奇也在绘画技法上贡献巨大，独创了“不明觉厉”的晕涂法。所谓晕涂法，就是让局部变得模糊的绘画技法。《蒙娜丽莎》神秘的微笑就来源于晕涂法，因为她的嘴角是模糊的，给人不确定的感觉，所以也就自然而然有了神秘感。这一技法，直到现在依然是绘画常用的一种技巧。

7. 达·芬奇的“业余”绘画作品，艺术成就最高的应该是《最后的晚餐》，而不是《蒙娜丽莎》。这幅作品体现出达·芬奇对戏剧性效果有着特别敏锐地把握。在他之前，很多画家都画过这个题材，但是画中的人物都非常僵硬。而达·芬奇画的每一个人物的表情都非常真实、正确，完美地展现出了耶稣说被人出卖了的那一瞬间，所有人的惊讶和不解。此外，通过戏剧效果的刻画，达·芬奇还能让人一眼看出哪个是犹大。画面中，其他人都是身体倾向耶稣，或者手指向耶稣，只有犹大整个人向后倾，做出逃离状，达·芬奇完美地“捕捉”了这一戏剧性的瞬间。

8. 达·芬奇在《最后的晚餐》中解决了当时很多画家都无法解决的难题，既保证透视正确，又让画面整体构图非常和谐。文艺复兴时期透视法的发明，给画家们提供了一个非常好的描绘自然的工具，但同时也是一个不小的难题，因为在这之前，多人物的场面只要保证画面和谐就行，不需要考虑透视关系。要既符合透视法，又让画面和谐，非常困难，但达·芬奇天才般的做到了这一点。

9. 达·芬奇在创作《最后的晚餐》时，为了解决饱和度低的问题，通过科学研究方法，将油彩的技法融入到湿壁画中。这种全新的颜料，既保留了湿壁画的恒久性，又克服了饱和度不够的缺点，让这幅壁画的颜色非常鲜艳。

10. “业余画家” 达·芬奇为后世对艺术成就的看法，给出了最典型的案例。我们看待艺术家的成就时，要看是否有表达方式上的突破和创新，作品的数量并不重要。“业余画家”达·芬奇的绘画作品很少，曹雪芹一生只写了一本《红楼梦》，伟大的数学家黎曼一生只发表了八篇论文，但数量并不影响他们成为影响巨大、地位极高的大师。

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↑ 师父韦罗基奥和年轻的达·芬奇共同创作的作品

↑ 左边的天使是达·芬奇画的，非常生动，右边的天使是师父韦罗基奥画的，手太大，比例失真

↑ 达·芬奇早年的肖像画作品，不满足最基本的透视原则，甚至画中人物的鼻梁都是歪的

↑ 达·芬奇 - 《蒙娜丽莎》

↑ 达·芬奇 - 《蒙娜丽莎》局部，因为使用晕涂法，嘴角模糊，充满神秘感

↑ 吉兰达约 - 《最后的晚餐》

↑ 乔托 - 《最后的晚餐》

↑ 达·芬奇 - 《最后的晚餐》左起第四，身体后倾者是背叛者犹大

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《最后的晚餐》番外

达·芬奇画这幅画的时候拖了很久，因为他一直在纠结叛徒犹大应该画成什么样。

然而，因为实在拖了太久，修道院院长非常生气，就跑去对达·芬奇的雇主，也就是米兰公爵抱怨，嫌弃达·芬奇画得太慢。达·芬奇知道后，很生气，威胁院长，如果再去告状，就把犹大的形象画成院长的模样。

2. 两幅《蒙娜丽莎》

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1. 《蒙娜丽莎》是达·芬奇享有盛誉的肖像画杰作，画中人物坐姿优雅，笑容微妙，被人们称为“神秘的微笑” 。法国政府把这幅画保存在巴黎的卢浮宫供公众欣赏，关于这幅画的艺术成就、原型人物、作画背景等等，多少年来一直被人们津津乐道。《蒙娜丽莎》在艺术价值上，只能说是达·芬奇的一幅优秀作品，但在各种离奇故事的叠加下，价值被无限放大，成为当今无可替代的名作。

2. 《蒙娜丽莎》最大的争议之一，就是原型人物是否存在，经过多年考证，可以断定确有其人。2006年，有学者在德国一座图书馆中发现了一本古罗马诗人维吉尔的书，书中有一位曾经阅读过这本书的人写下的一句话，大意是：“这一段写得很好，就像达芬奇给蒙娜丽莎画的画像一样好。”写下这句话的年代差不多1503年左右，读书人可能是见到了达·芬奇为蒙娜丽莎作画，基本可以确认作画的年代和人物原型。

3. 证明蒙娜丽莎确有其人的证据，还有两份来自佛罗伦萨的官方证明。一是在佛罗伦萨的档案馆中，能够查到当时的下葬记录，里面明确记载了蒙娜丽莎的葬礼。另一份证明是有学者找到了一份房屋契约书，能够证明达·芬奇的父亲把房子租给了蒙娜丽莎的丈夫。这些证据都能说明蒙娜丽莎这个人物真实存在过，而不是人们猜测的达·芬奇自画像或者其他。

4. 事实证明，达·芬奇画过两幅《蒙娜丽莎》。“文艺复兴三杰”中年纪最小的拉斐尔有一幅临摹《蒙娜丽莎》的素描，是没有颜色的速写炭笔画，从中我们能够明显发现人物形象差距巨大，而且画面旁边有两根罗马柱。此外，文艺复兴时期著名的传记作家瓦萨里，在他的著作《艺园名人传》中，把整个文艺复兴时期有点儿名气的艺术家生平都写了进去，其中对《蒙娜丽莎》的描绘，除了有罗马柱，蒙娜丽莎还有眉毛，这两点在卢浮宫的《蒙娜丽莎》里都没有。

5. 达·芬奇画过两幅《蒙娜丽莎》，从时间上判断也更合理。1503年创作，1519年去世时还带在身边，而且未完成，从时间上看十多年的跨度不太可能。因此，可以断定1503年左右，达·芬奇创作了第一幅《蒙娜丽莎》，有眉毛，有罗马柱；1519年之前，达·芬奇创作了第二幅《蒙娜丽莎》，现在挂在卢浮宫供世人参观。

6. 很多学者奉献毕生精力，就为了找到第一幅《蒙娜丽莎》。在寻找的许多年中，各种传闻中最接近的有两幅画。先是传说新加坡一位富商购买了第一幅《蒙娜丽莎》，符合拉斐尔和瓦萨里的描述，而且和卢浮宫《蒙娜丽莎》很像，但无法完全确认；又传说俄罗斯发现了第一幅《蒙娜丽莎》，最终经技术判断颜料与达·芬奇的时代不符合，所以是假的。

7. 最终，研究者发现第一幅《蒙娜丽莎》就隐藏在第二幅卢浮宫《蒙娜丽莎》下面。在一位法国物理学者的建议下，用非常精准先进的照相技术，对卢浮宫《蒙娜丽莎》进行扫描研究，结果竟然发现了第一幅《蒙娜丽莎》。

8. 第一幅《蒙娜丽莎》和证据指向完全符合，眉毛、罗马柱、相似样貌等都具备，年轻的程度也符合两幅画年代的差距，而且从肖像画的眼神、姿态上来说，也更符合文艺复兴时期委托作画的常理。甚至还有一项铁证，一位专门研究文艺复兴时期服饰的专家，在蒙娜丽莎衣服两种不同的布料拼接处，发现了达·芬奇的签名。

9. 在研究者不懈努力下，很多谜题被解开，但依然有无法解释的谜团。《蒙娜丽莎》是一幅委托画，画作完成后应该交给委托人，但达·芬奇却带在身边，还在上面画下了第二幅。他究竟为什么这样做，恐怕世人永远无法知道。

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↑ 达·芬奇 - 《蒙娜丽莎》，收藏于巴黎卢浮宫，是他的第二幅《蒙娜丽莎》

↑ 拉斐尔 - 《蒙娜丽莎》速写

↑ 新加坡商人收藏的《蒙娜丽莎》

↑ 收藏于俄罗斯的《蒙娜丽莎》，后来对颜料的分析发现年代不符，不是达·芬奇的作品

↑ 隐藏在卢浮宫《蒙娜丽莎》后的第一幅《蒙娜丽莎》，经电脑技术复原后的样子

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去卢浮宫参观《蒙娜丽莎》的小建议

如果你真的到了卢浮宫，想去看《蒙娜丽莎》，不要期望能够停下来慢慢欣赏，因为这幅名作前，永远有无数游客在等着参观。

你不妨在排队的时候，换个角度，看看《蒙娜丽莎》对面的另一幅画《加纳的巡婚》，这是整个卢浮宫最大的一幅画，内容非常丰富，艺术价值也不低。

3. 米开朗基罗：大师少年成

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1. 米开朗基罗（Michelangelo）是一位长寿的伟大艺术家，他的艺术生涯以西斯廷天顶画为分水岭，前后两个时期的艺术风格有很大不同。创作这幅画之前的青年时期，是米开朗基罗极为旺盛的创作时期。他十几岁时就选择雕塑作为艺术道路，从此开始展现极为耀眼的才华，为世人留下了很多艺术价值极高的雕塑作品，包括《圣母哀悼基督》、《大卫》等。

2. 米开朗基罗的祖上是贵族，还出过伯爵。他的家庭在当时算是中产，父亲是当地的最高行政长官。在米开朗基罗小时候就送他去学习文学，所以米开朗基罗文学功底深厚，诗人也是他的艺术身份之一。良好的家庭条件，给了米开朗基罗相对殷实的物质条件，让他能够去追寻自己的艺术道路。

3. 米开朗基罗13岁时就加入了佛罗伦萨著名画家吉兰达约（Ghirlandaio）的工作室，初次接触到绘画艺术，并且以神速掌握了它。紧接着，又跟随文艺复兴“雕塑之父” 多纳泰罗的徒弟贝尔托尔学习雕塑，算是多纳泰罗的“徒孙”，由此正式开始了雕塑艺术家之路。

4. 和很多文艺复兴时期的艺术家一样，米开朗基罗也受到了美第奇家族资助，不同的是，他当时还只是个孩子。年仅十五六岁的米开朗基罗，因为才华超群，受到美第奇家族第三代掌门人洛伦佐的重视和爱护，甚至让他和自己的孩子同吃同住。宫廷中的生活经历，给米开朗基罗很多机会可以向当时最优秀的学者、艺术家学习，给他的艺术创作生涯打下了基础。

5. 米开朗基罗已知的最早期的雕塑作品《梯边圣母》，是一件浮雕作品，是他15岁时创作的。这件作品艺术价值可能不是最高，但是对于理解米开朗基罗来说意义重大。最大的特点就是圣母的左手非常大，对于女性来说，那是一只太过粗壮的手。在他未来几乎所有的作品中，这种充满阳刚之美的审美形象，贯穿始终。这算是米开朗基罗开宗明义的“世界宣言”，用这件作品说明了自己的审美观。

6. 《圣母哀悼基督》是23岁的米开朗基罗创作的雕塑作品，一经问世，就震惊了世人。年轻的米开朗基罗受法国红衣主教委托，为圣彼得教堂创作这尊雕像。因为实在太过精美，人们都不敢相信这是他的创作。恃才傲物的米开朗基罗竟然半夜潜入，在圣母的胸口处刻上了自己的名字。虽然这是文艺复兴时期最常见的一个宗教主题，但是米开朗基罗非常出彩地完成了这件作品。如果要对文艺复兴时期的雕塑作品排名，它一定位列前三。

7. 《圣母哀悼基督》完美地展现了一个柔弱的女性形象，对一个高大的男性形象的“公主抱” 姿态，不别扭，甚至还非常和谐自然。米开朗基罗将圣母的腿部有意放大，裙摆的处理适当地夸张，让整个雕塑的底座更稳，此外，他还让圣母胸口的衣服有很多褶皱，以此来吸引视线，达到密度上的平衡，从整体上看，“弱”就支撑住了“强”。

8. 《圣母哀悼基督》还体现出了米开朗基罗超现实的艺术观。在一般的艺术作品中，圣母是一个哀伤的老妇人，但米开朗基罗刻画的圣母还是一个年轻女子的形象。他认为，人世间邪恶的情欲会让人衰老，而圣母应该始终是纯洁的处女。米开朗基罗的艺术能力，让他超现实的艺术观念得到了极致的发挥。

9. 《大卫》是米开朗基罗29岁完成的最知名的作品，代表了一个时代雕塑艺术作品的最高境界，体格雄伟健美的大卫被认为拥有理想化的男性美。但是，大卫雕像的右手有着米开朗基罗刻意为之的“不完美”。对于一个少年来说，右手比例过大，青筋暴露的样子过于苍老有力，而米开朗基罗刻意这么做，是为了表达在上帝的祝福下，大卫才能以弱胜强。为了在雕塑中表现这一点，米开朗基罗就给了大卫一只“上帝之手”。

10. 在完美的《大卫》雕像中，米开朗基罗甚至雕刻出了瞳孔的高光。仔细观察你会发现，大卫的瞳孔是两个桃心的形状。当时的肖像画中，开始有了“画龙点睛”的方法，在瞳孔中点上一些白光，显得眼睛更加有神。米开朗基罗为了在雕塑中表现出这一点，就用了这种凹凸的雕刻方法，给大卫的眼睛雕刻出了高光的效果。

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↑ 米开朗基罗 -《梯边圣母》

↑ 米开朗基罗 -《圣母哀悼基督》

↑ 米开朗基督 - 《圣母哀悼基督》局部，圣母胸口衣服的褶皱以及米开朗基罗刻下的字

↑ 齐白石的水墨画作品，用虚实画法来平衡画面密度

↑ 米开朗基罗 -《大卫》

↑ 米开朗基罗 -《大卫》局部，过大的右手是米开朗基罗刻意雕刻的“上帝之手”

↑ 米开朗基罗 -《大卫》局部，桃心状的瞳孔是米开朗基罗为了表现高光的效果

↑ 拉斐尔的肖像画作品，瞳孔中画出了高光的效果

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圣彼得大教堂参观攻略

建议要去圣彼得大教堂参观，到达后第一站就去。因为刚刚到达的你，还会有时差，可能早晨三四点就醒了，就可以出发去看《圣母哀悼基督》。否则，到了人多的时候，和在卢浮宫看《蒙娜丽莎》一样，排队拥挤，根本没法近距离慢慢欣赏。

4. 西斯廷天顶画：雕塑大师的绘画神作

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1. 西斯廷天顶画是米开朗基罗画在梵蒂冈西斯廷教堂天花板上的壁画，1508年开始，花费了长达四年的时间，是米开朗基罗著名的绘画代表作之一。壁画分布在教堂长36米、宽13米的巨大屋顶上，内容是《圣经》中“创世纪”的九个故事，绘画总面积接近500平方米，场面宏大，非常震撼，是艺术史上无可替代的伟大杰作。

2. 西斯廷天顶画对米开朗基罗来说是一个重要成长过程，让他和他的作品从一个优雅和谐、身材匀称的少年，长成了一个肌肉发达、身材魁梧的壮年。作为一个雕塑家，他的艺术分水岭却是这幅壁画作品。在西斯廷天顶画之前，他的雕像作品以优雅和匀称为主；之后的雕塑中，人物形象更加硬朗，肌肉也更加发达。

3. 米开朗基罗作为一个雕塑艺术家，一开始对这项教皇要求的绘画任务是拒绝的。之所以后来答应，是因为教皇准备用一笔巨款为自己修建陵墓，米开朗基罗希望能在陵墓建造中，把自己在雕塑方面的毕生绝学都发挥出来。他为这座陵墓设计了非常宏伟的蓝图，有四十尊像《大卫》一样的雕像。非常可惜的是，后来教皇听信谗言，陵墓修建的事被搁浅，米开朗基罗就被调去画了这幅天顶画。

4. 西斯廷天顶画的最早计划并没有这么恢弘雄伟，只是打算画上《圣经》中耶稣的十二使徒而已。委托米开朗基罗画西斯廷天顶画的教皇尤利乌斯二世，是一个审美品位不高，又喜好政绩工程的人，只想完成西斯廷天顶画这个政治任务而已。米开朗基罗心心念念原本计划的陵墓雕塑，本来也想草草了事。但他后来幡然醒悟，觉得自己是一个优秀的艺术家，也是一位虔诚的基督教徒，不能这么敷衍，把几乎要完工的壁画全部推翻重来，才有了我们今天能看到的这幅无与伦比的巨作。

5. 米开朗基罗虽然是雕塑家，但是素描功底极为深厚，因此才能出色的完成西斯廷天顶画。由于当时雕塑材料的成本太高，需要在正式雕塑之前，先在纸上对一尊雕塑进行详细地描绘，包括各个角度的造型。米开朗基罗只接受过一年正规的绘画教育，凭借着自己的天赋，和在雕塑中积累下来的极强的素描功底，这才以一个雕塑家的身份完成了原本不可能完成的西斯廷天顶画。

6. 米开朗基罗将自己的雕塑技法融入到了西斯廷天顶画中，画面中的人物都有很强烈的雕塑感。由于平时的创作都是摆弄三维的雕塑，所以米开朗基罗对画中人物的形象和动作非常有想象力，形态各异，充满戏剧性。整个西斯廷天顶画，面积巨大，但在布局和构图上堪称完美。

7. 西斯廷天顶画中所有人物都肌肉发达，哪怕是女性人物，这体现出了米开朗基罗的审美观。很多人猜测米开朗基罗迷恋男性身体，也有可能是个“直男癌”。其实，他对男性人体之美的刻画，应该是源自于他对上帝的信仰。《圣经》中明确说到，上帝是按照自己的形象创造人，但上帝又一定是优于人类的，米开朗基罗为了表现这一点，就将人物形象处理成正常男性体型基础上的理想化。

8. 米开朗基罗塑造的肌肉发达的形象，在今天看来稀松平常，但在当时就是对普通人的一种“神化”。文艺复兴时期虽然社会进步，但物质还是不够丰富，就连皇室都有可能营养不良，所以米开朗基罗笔下壮硕的形象，在当时绝对属于一种理想化的人体。

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↑ 米开朗基罗西斯廷天顶画的素描草稿

↑ 米开朗基罗的素描作品

↑ 西斯廷天顶画中女先知形象，同样也是肌肉发达

↑ 西斯廷天顶画中亚当夏娃的故事，不论男女，都肌肉发达

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推荐一部电影《痛苦与狂喜》

这是一部六十年代的电影，主要讲的就是米开朗基罗的一生，中间详细讲解了西斯廷天顶画的创作过程，很多戏剧化的内容非常有趣，有助于你更多地了解米开朗基罗这位大师。

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关于西斯廷天顶画，我们已经讲了很多，但是你可能都没有机会静下心来仔细观赏它。今天把九幅讲述“创世纪”九个故事的画都放在这里，供你欣赏。

创世纪-大洪水

创世纪-诺亚的献祭

创世纪-诺亚醉酒

创世纪-上帝分开光和暗

创世纪-上帝分开水和陆

创世纪-偷食禁果

创世纪-上帝造日月

创世纪-上帝造亚当

创世纪-上帝造夏娃

5. 自学成才的“小鲜肉”大师拉斐尔

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1. 拉斐尔生于1483年，在文艺复兴三杰中，是充满朝气的“80后小鲜肉”。他是一位综合型的艺术天才，吸收达·芬奇和米开朗基罗两位艺术大师的精髓，调和出了自己温厚成熟的艺术风格。拉斐尔凭借自己超高的情商和超强的自学能力，成为一位少有的性情平和却造诣极高的艺术大师。

2. 拉斐尔，全名拉斐尔·桑西（Raffaello Santi），出生于距离佛罗伦萨不远的乌尔比诺，他的父亲乔万尼·桑西是当地著名的画家，可以说是名副其实的“艺二代”。拉斐尔虽然位列“文艺复兴三杰”之一，但三人并不是并驾齐驱，他的身上有很明显的另外两位大师的痕迹，他的成就很大程度上得益于他对两位大师的吸收学习。

3. 达·芬奇和米开朗基罗在佛罗伦萨市政厅的“世纪之战”，展现出太过耀眼的大师才能，让当时意大利的画家都非常沮丧。只有拉斐尔感到非常开心，因为年轻的他在常年自学摸索之后，积累了非常强劲的自学能力。在观战的过程中，拉斐尔对两位大师的技法和艺术理念有了非常直观地了解和学习，把达·芬奇的理性审美和米开朗基罗的感性审美，融合在一起，形成了自己的独特优势。

4. 除了自学能力，让拉斐尔在两位大师之间游刃有余的，还有他温和的性格和超高的情商。达·芬奇和米开朗基罗当时都居住在佛罗伦萨，地位如日中天，各成一派，而且性格都很古怪。年轻的拉斐尔为人谦和，善于处理人际关系，人见人爱，竟然同时得到了两位大师的指点和认可，最终让自己站在巨人的肩膀上，迅速成长。

5. 在佛罗伦萨得到了两位大师指点后，拉斐尔的作品开始展现明显的不同。这一时期的代表作《草地圣母》和《金翅雀圣母》中，有明显的成长痕迹。比如圣母和耶稣以及施洗者约翰两个婴儿的形象，在画面中形成三角形构图，这和达芬奇的《岩间圣母》如出一辙。而且，圣母面部刻画开始用到了达·芬奇发明的晕涂法。再比如，这两幅画中人物的动作一改传统画法中的僵硬形象，动作幅度比较大，同时还保证了画面的平衡，这来自于米开朗基罗雕塑技巧的启发。

6. 拉斐尔没有一位真正意义上的师父，很多人都说佩鲁吉诺是他的老师，但实际上，拉斐尔和佩鲁吉诺并不是正式的学徒关系，而是互相交流学习的关系，时间也非常短暂。如果真的是师徒关系，拉斐尔不可能在短时间内画出和佩鲁吉诺同样主题的画作《圣母的婚礼》，而且从各个方面都要强于这位传说中的师父。

7. 拉斐尔的自学能力从少年时期就开始显现。作为“艺二代” ，拉斐尔起初是和父亲学习画画，但是，他父亲的画作过于僵硬和规程化，而同一时期少年拉斐尔的画作，非常生动有灵气。可见，他从父亲身上学习了绘画技法，却在艺术表达上取得了超越。此外，13岁时拉斐尔父母双亡，此后的绘画学习都是靠他自己。

8. 拉斐尔的高情商也和少年时期的成长经历有关。父母去世后，年仅14岁的拉斐尔就不得不接手了父亲的画室，开始接来自贵族、皇室的订单，打理画室的生意。在这样的生活压力下成长起来的少年，自然也就练成了八面玲珑的高情商。

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↑ 拉斐尔 - 《草地圣母》

↑ 拉斐尔 -《金翅雀圣母》

↑ 达·芬奇 - 《岩间圣母》，对比之下可以看出拉斐尔从中学习到三角形构图的绘画经验

↑ 乔万尼·桑西 - 《与基督复活的神圣对话》，拉斐尔父亲的画作虽然技巧成熟，但太过程式化

↑ 拉斐尔 - 《圣母的婚礼》

↑ 佩鲁吉诺 -《圣母的婚礼》，对比之下，在人物构图和细节刻画等方面，拉斐尔的作品更为生动

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拉斐尔故乡旁边的圣马力诺共和国

圣马力诺共和国非常小巧，就在拉斐尔的故乡乌尔比诺旁边，人口不到3万人，并且对中国免签。但是，由于是意大利的内陆国，而且没有自己的飞机场，所以要去玩还是得办签证。

这是一个建在山上的小国家，非常有趣，如果有空去意大利玩儿，可以顺路去看一看。

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我为你准备了几张不同画家画的圣母，请你欣赏，看是不是拉斐尔画的圣母最好看？好看在哪儿？欢迎留言讨论。

安吉列柯作品

弗朗切斯卡作品

达·芬奇作品

拉斐尔作品

6. 《雅典学院》：“文艺复兴第一画”

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1. 历史上有不少才华横溢却寿命不长的艺术家，可谓“英年早逝天团”，而拉斐尔堪称“团长”。这样一位天赋异禀、集众家所长的文艺复兴大师，只活了短短37年，非常令人惋惜。然而，他在短暂的艺术创作生命中，留下了三百多幅作品，艺术价值极高。其中，创作于教皇四个房间里的壁画可以被看作是所有作品的缩影，代表了他不同阶段的成就。

2. “拉斐尔的四个房间” 是指拉斐尔在罗马期间，通过画壁画的方式，为教皇宅邸中的四个房间做装饰。拉斐尔在罗马的12年，是他最巅峰、最辉煌的时期。这段时间他基本上以每三到四年装饰完毕一个房间的速度，为教皇的宅邸画壁画。这些壁画记录了拉斐尔风格的演变，是后世了解他的最佳窗口，“拉斐尔的四个房间”甚至已经成为学术上的一个专有名词。

3. “四个房间”中，第一个房间里的壁画《雅典学院》可以说是“文艺复兴第一画” 。这个房间是教皇的签字大厅，用来签署与宗教大事相关的重要文件。拉斐尔在房间各处墙壁上都留下画作，其中这幅《雅典学院》最为重要。不是因为这幅画的绘画技巧、艺术成就最高，而是因为这是最能够代表文艺复兴精神的一幅画。

4. 从画面内容上看，《雅典学院》无疑是最能体现文艺复兴精神的画作。雅典，是古希腊最强盛的城邦；雅典学院，是在古希腊著名的哲学家柏拉图的主张下，兴建的历史上第一个可以供各个领域人才谈论学术、交流思想的“学院”。而文艺复兴就是要复兴古希腊古罗马的荣光，就是要让文化、艺术等各个领域重新繁荣，而最好的学习蓝本，正是画中在雅典学院高谈阔论的古人们。

5. 拉斐尔不知道古人长什么样，就把和他生活在同一时期的文艺复兴大师，和古希腊时期的大师们对应起来，这里面虽然有他个人的好恶，也能从另一面凸显文艺复兴的灿烂。画面中间长长的白发，右手指天的是古希腊伟大的哲学家柏拉图，人物形象是达·芬奇，可见拉斐尔对达·芬奇的崇拜；柏拉图身边站着他的学生亚里士多德，也是一位伟大的哲学家，人物形象是布拉曼特，文艺复兴时期的杰出建筑家，他向教皇举荐了拉斐尔；画面下方坐在第一排台阶上衣衫褴褛的人，是犬儒主义学者第欧根尼，他靠在一个箱子上，人物形象来源于另一位文艺复兴大师米开朗基罗。也有人说，这位靠在箱子上的是朴素辩证法的创始人赫拉克利特，而第欧根尼是在其身后台阶上的光头学者。

6. 《雅典学院》对文艺复兴精神的彰显，还在于它所处的环境。这是一间教皇处理政务的房间，而基督教是一神教，排斥所有非基督的神学体系。但在这幅画中，除了这些古希腊时期的名人，拉斐尔还画上了古希腊的神，阿波罗和雅典娜的塑像，这无疑是非常大胆的文艺复兴精神体现。

7. 从绘画技巧上来看，《雅典学院》对成群的人物的处理不亚于达·芬奇。达·芬奇在《最后的晚餐》中，刻画的13个人神态各异，画面透视正确的同时，还抓住了画面戏剧性的瞬间，成为达·芬奇绘画的巅峰之作。而拉斐尔这幅画中远远不止13个人，每一个人的神态捕捉非常到位，整体构图也处理得非常和谐自然，完全不亚于《最后的晚餐》。