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近日，著名画家初中海的《意境》中国唐诗主题画展在荷兰海牙隆重开幕，对于参加此次画展的初衷，他说，“画境写诗天，诗天皆画境”，可以说是中国绘画中的一个历久弥新的命题，也是自己多年来对于诗画的真实感悟。 在中国文化的诸多艺术门类当中，绘画和诗歌的“关系”最密切，“感情”最亲密，可以说是一对共生于中国文化母体的孪生姐妹。绘画的意境美，取之于诗歌，诗歌的场面感，通过绘画来表现。
围绕“画境写诗天，诗天皆画境”，初中海在多年的笔墨间有了自己的思考。 北宋苏轼为何“点赞”唐代王维？ “画境与诗天”，“诗画同源“，可以说是中国绘画中的一个历久弥新的命题，探讨这个命题的关键点，就必须了解两个非常重要的历史人物，一位是北宋的苏轼，另一位是唐代的王维，他们两位是解开这个命题的“金钥匙”。 苏轼给王维“点赞”，绝不是笔者的杜撰，历史上有文字记载，白纸黑字清清楚楚地写着：《东坡题跋》卷五《书摩诘〈蓝田烟雨图〉》，评论王维的诗歌说：“味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗“，入木三分地指出王维诗歌的最特殊之处，是能够给读者鲜明的画面感和”惊艳“的视觉体验，从而再引发出读者的一系列的艺术审美的享受。
以王维为代表的唐诗“皆可入画“，具有的非常强烈的画面感。 唐代是一个伟大的朝代，诗歌之盛，后世历朝历代都难与比肩，诞生了诗仙李白、诗圣杜甫、诗佛王维。 王维，生于公元701年－761年，或者是699年—761年，历经盛唐和中唐，著名的诗人、画家，字摩诘，号摩诘居士。王维生前及后世均享有盛名，有“天下文宗”、“诗佛”的美称，。对后世的影响非常大。他的诗歌，以山水田园诗为多，在描绘自然美景的同时，流露出闲居生活中闲逸萧散的情趣。 王维的诗也象他的画一样，不是“金碧山水”，而是“水墨山水”，风格清新淡远，自然脱俗。尤其是非常擅于运用色彩自然山川的美丽景色，并且物色带情，情景交融，在浓郁的画面感中透露出诗人独特的个性、感受和情思，具有一种绘影绘形、写意传神、形神兼备之妙，如同一幅幅的“有声画”。 读王维的诗，有的诗画面感极其鲜明。比如， “空山新雨后，天气晚来秋。明月松间照，清泉石上流。竹喧归浣女，莲动下渔舟”（《山居秋瞑》），“风劲角弓鸣，将军猎渭城。草枯鹰眼疾，雪尽马蹄轻”（《观猎》），很具有绘画的表现性。有的诗则表明王维是一位“调色”的高手，“蓝田白石出，玉川红叶稀。山路元无雨，空翠湿人衣”。有的诗是王维对于绘画中透视技法的运用，“回看射雕处，千里暮云平”(《观猎》)，“回看”向来行猎处之远景，已是“千里暮云平”，云，天，人的三维空间组合，所体现的就是绘画的“远水无波，高与云齐”的透视原理。
有的诗，则是王维运用水墨画的墨色浓淡来构图谋篇，“白云回望合，青霭入看无”(《终南山》)，茫茫“白云”，蒙蒙“青霭”，恍恍惚惚，朦朦胧胧，如同水墨山水一般在淡淡笔墨中给人以无限遐想的余地。据《宣和画谱》中记载，王维的诗句如“落花寂寂啼山鸟，杨柳青青渡水人”、“行到水穷处，坐看云起时”、“白云回望合，青霭入看无”的一些诗句，都是王维所曾经绘画的。”。王维的绘画，除了青绿山水之外，他还独创了水墨山水，其作品笔墨清新。格调高雅，传达出一种诗意的境界。“诗是有声画，画是无声诗”，王维既是诗人，又是画家，他的成就，不仅仅是能诗善画，而是把艺术中的诗与画，通过他的他创作，有机地融合起来，这种诗与画有机的结合，就是中国画几千年以来的传统和特点。
诗情画意美的表达，离不开中国画的核心要素——笔墨 以精致的笔墨语言再现诗意，达到画中物象与诗歌情致意境的交融，这是王维被大文豪苏轼“点赞”的原因。“诗佛”王维的绘画，是诗歌与绘画的相互沟通，是情与景交融，为苏轼所极力的推崇，誉之为“诗中有画”、“画中有诗”。比如，他的《辋川图》，画中群山逶迤环抱、树林丛生掩映、楼台亭阁点缀其间。别墅外，云水悠悠，扁舟往来，这悠然萧散、超凡脱俗的意境正是“渔舟逐水爱山春，两岸桃花夹古津。坐看红树不知远，行尽青溪忽值人”所表达出的意象啊。 王维于绘画，能作人物、佛像、尤长于山水。他是青绿、水墨兼擅，但是更以水墨山水为人所称许。他的破墨山水，笔墨功夫非常深厚，“云峰石色，绝迹天机，非绘者之所及也”，对后世影响颇大。所以董其昌在他的南北宗论中，将王维列为南宗绘画之祖。王维的绘画作品，在北宋的时候还有较多存世，《宣和画谱》著录了126幅，但后世没有流传下来。。
“诗画同源”，是中国文化艺术的独有特征，正如清代诗论家叶燮在《原诗》一书中说到的：“画与诗初无二道。画者，天地无声之诗；诗者，天地无色之画”。确实，在众多的中国艺术门类而言，绘画与音乐、建筑与音乐、围棋与绘画等等，其理本是相通的，尤其是诗与画，一本同源、理法一贯。虽然二者的表现形式不一样，但美的感受都是相通的。 当然了，虽然是“诗画同源”，艺理相通，但是这两种艺术的表达方式和表达“语言”还是有很大的区别。诗歌是一门听觉艺术，它使用文字来表达社会和人类的活动；而绘画是一门视觉艺术，它必须通过笔墨来再现或者表现大自然和记录人类的社会活动。 笔墨，作为中国绘画唯一的不可替代的表现工具和表现形式，它集合了物理、情理和画理于一身，用来充分体现国画的民族性和艺术性，内涵及其地丰富。1929年，黄宾虹对前来向他拜师的林散之说，“古来历代大家，各宗各派，在技法上千变万化，但都离不开笔墨二字。书画之道，皆以笔墨为主”，又说“你的画全靠临摹珂罗版印刷品，不知用笔用墨之法，无笔无墨，何以成画？”。宾老这一生，都在用自己的绘画实践反复证明这一个真理，那就是——“国画之民族性，非笔墨之中无所见”。 中国画的笔墨，筑基于笔，笔法是骨；建勋于墨，墨法是肌肉。笔的功力到了，用墨自然就得心应手了。老实讲，中国画的用笔，实际上就是考验一个画家的驾驭毛笔的能力。这种能力对于中国绘画来讲至关重要，而且这种重要性不仅仅为我们国内的画家所认可，甚至早已经被西方画坛的有识之士所推崇。梵高，荷兰的一位伟大画家，19世纪西方印象画派的大师，表现主义绘画的先驱，他就说过，“我要是生在中国，我首先是一个书法家，然后才是画家”。 所以说，真正的中国画是“写”出来的，而绝对不是“描”出来的。“写”是什么意思？就是指绘画的书法性用笔，以书入画，所以真正的中国画是书与画密切融合的。 2017年，中国嘉德拍卖黄宾虹先生的一幅画《黄山汤口》成交价是3.45亿元，创造了黄宾虹先生绘画的在艺术品市场的新高，这也是黄宾虹高雅的绘画艺术进一步得到市场认可的一个标志。李可染先生曾经回忆他的老师——黄宾虹老人，说，“黄老作画，笔在纸上摩擦有声，远听如闻刮须，我戏问黄师，他说行笔最忌轻浮顺划，笔重遇到纸的阻力则沙沙作响，古已有之，所以唐人有句诗''笔落春蚕食叶声’。黄老师笔力雄强，''如高山坠石’，笔墨功力达到了很高的境界。”就是对黄宾虹绘画用笔之法非常精妙和高超的一个非常形象的说明。黄宾虹先生的绘画，尤其是到了晚年，老人的用笔，正是凭借着他自己深厚的金石学术背景，用饱含着金石书趣的笔法，一笔一笔的“写”出来又古拙又沉涩又劲健又老辣的书法性的线条，通过笔线之间虚和实，疏和密，奇和正，疾和涩，灵动和厚重的安排，对比，铺陈，来营造来构筑一派“浑厚华滋，黑密厚重”山水世界，让人越看内容越丰富，越看越有味道，越看越有意思。
多年以来，通过自己的焦墨山水创作实践，在黄宾虹老人以书入画、书画同源的“五笔法”的基础上作了进一步的丰富和发展，也归纳总结出十种用笔方法：平、圆、留、重、变、绞、逆、拖、舔、颤。
黄宾虹说，平，平不是板实，而是如同锥画沙一样，有提按有起伏，一波三折。圆，写书法讲究“无往不复，无垂不缩”，如同折钗股一样。但是，圆，不能柔媚，必须是刚健中含婀娜，劲利中带和厚。留，用笔最忌讳浮滑，留就是笔有回顾，上下映带，凝神静气，不疾不徐，如同屋漏痕一样。重，要像高山坠石千年的枯藤一样，取其坚韧雄强。变，就是不可拘泥，要善于变化。然后是绞、逆、拖、舔、颤：绞，就是用笔的时候要讲究提按捻管的配合得当；逆，就是说用笔出锋时，由内向外推出锋或者是由下往上地推出；舔，就是逆锋起笔时右下左行而后右上转锋收笔，要讲究行笔的力度与弧度；颤，就是腕指同时用力左右微抖出锋。 这十种用笔法，来自于我的绘画实践，也极大地丰富了我的“诗情画意美”的表达方式与层次，同时更是我的焦墨山水绘画“由技而道”的笔墨修炼之路。 [责任编辑:李超]
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