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陈前喜，笔名阿喜，1970年生于浙江义乌。中国美协会员、浙江复兴国学院山水高研班讲师、浦江书画研究院副院长、义乌市美协理事、义乌书画院特聘画师。作品曾入选第十一届全国美展、“不朽的记忆”纪念红军长征胜利80周年全国书画邀请展、“农民画时代 时代画农民”全国农民绘画展、第二届全国漆画作品展、“让艺术走近人民——当代中国美术家优秀作品展公益展”、上海世博会中国美术作品展览等全国性美展并有获奖。 我从小喜欢画画。读小学时，我就经常拿一些连环画、“小人书”来临摹，后又临摹《芥子园画谱》里的人物和山水。之后，我来到正规学校开始进行系统的训练，学习素描、色彩、油画等。一段时间内，我创作了一些油画和漆画作品，但之后回过头来想，还是喜欢传统中国山水画，因为传统中国画线条都有笔性，有显示自己心灵的东西。 中国传统文化博大精深，画家作品的好与坏与其个人修养有直接关系。所以有时候功夫在画外，画家要植根于中国传统文化的沃土之中。对于如何衡量中国画的优劣，我与有些人的看法有一些差别。我认为，创作首先要有风格和个性，至于技法的好坏还在其次。这就像歌手唱歌一样，要有辨识度。绘画亦是如此，要一看就知道作品是谁创作的。这个衡量标准我认为一定要“立”起来。如潘天寿、陆俨少等前辈，教学时就很强调每个人的个性，反对千篇一律。同时，我们还要继承传统，如果失去了传统，再有个性也是枉然。在学画时期，我们就应顺着宋、元、明、清的山水画精髓一脉梳理一遍。如面对范宽、李唐、郭熙等人的画作，既要看得懂，也要深入研究，从而整理出一个清晰的脉络，再顺着这个脉络找到根基，在这一根基上再谈个性，这才是绘画的根本。 关于中国画的境界，人们常认为要“气韵生动”。但“气韵生动”并不是画面上的“云里雾里”，而是讲求用笔之间的连贯性，要笔意生发、一气呵成，这样才能生出“元气”。所以中国画的用笔造势非常重要，如果达不到“气韵生动”这个高度，绘画水平就不可能提高。在我看来，一些山水作品的“灵魂”很虚静、很空灵，有一种“静”的格调在其中，这也是中国文化骨子里的内涵。我一向主张艺术应该向“内”求，而不是向“外”乱学。很多学者认为，画要有诗意，这当然可以作为衡量一个流派的标准。但我更主张绘画的纯粹性，而所谓文人画的“诗情画意”，是要用诗一样的情怀去创作，而非作品要有诗意。诗可以有画面感，但画面并非要有诗意。所以，中国画的关键是要有写意精神。所谓“技进乎道”，其实也说明了“技”并非等于“道”，技巧太多，画面反而显得俗气。 关于构图，有人认为绘画要“胸有成竹”，这其实对中国画创作来说并不完全正确。在创作前，画家心里要有一个大概的构思，而下笔后要笔笔自然生发、一气呵成，有时可能会与原先的构思出入甚远，但只要画面自然就可以。如在写生创作中应注意，画家是借鉴大自然的“自然”灵感来创作胸中的“自然”和画面中的“自然”。这三个“自然”是三个概念，有共同之处，但也有很大的区别。画面的“自然”不能照搬自然界的物象，应转换成胸中的“自然”，也就是用自己的眼光看世界，然后在画面上又以一种新的自然形式呈现给观者。这应该才是艺术的创作过程。 关于笔墨语言，黄宾虹讲求平、圆、留、重、变等。我认为，要创作出一幅优秀的山水画，应该有五种不同的质感笔法，我将其称之为“五行笔法”（即“金性”“木性”“水性”“火性”“土性”笔法）。“五行”是道家里的五行之说，是大自然的无相本源。“书画同源”的理论说明了书法用笔与国画用笔有共同点，都要有力量；而两者的区别在于书法是可以用一种笔法质感来完成一幅作品，但绘画需要将多种质感的用笔方法综合起来，这样才能完成作品。例如，我所提出的“金性”笔法可画坚硬的山石，用笔可逆势，快且刚强有力；“木性”笔法可显舒展之感且富有活力，用笔可用挺拔的中锋顺势、稍慢地“拉”出线条，使画面充满生机；“水性”笔法可纤细轻柔、快慢结合、自然婉转、如丝如纱；“火性”笔法可形成连贯生发、颇具动感的快速线条；“土性”笔法可表现浑厚雄壮的土质山峦，用笔可稳健平缓、松动自然。总之，画不同对象要用不同质感的笔法，但又要求得笔性之间的和谐统一。 要想创作一幅优秀的作品，需要画家达到一种思想高度，使画面整体不重复或者少重复前人的想法和表现形式。很多人认为，绘画要“大胆落墨，细心收拾”。我则认为，这种说法只适合大写意花鸟画，山水画则截然相反。在我看来，创作山水画要“细心落笔，大胆收拾”，应先仔细画出主体细节，然后再大胆调整画面气息，这样既不会丢掉细节，又不会显得拘泥呆板，使画面充满生机。总之，绘画过程要实现“三个自然”的有机统一，这样才能创作出经典的作品。 江南山水图 陈前喜 作 蒙山初春 陈前喜 作
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