闫泓池：时间的宽度

WQ_AI_LYS_999 2019-03-31

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“青年艺术图景”青年艺术家五人展即将于当地时间4月5日在悉尼Harvey Galleries · MOSMAN and SEAFORTH GALLERY开幕，向澳大利亚展示中国当代青年艺术的想象力。青年艺术家的活力不可预知，青年艺术是未来的艺术，他（她）们的作品中也饱含了对未来的美好期望和展望，以及对艺术、对当下时代的思考。

展览由北京名泰文化与Harvey Galleries共同主办，是名泰文化不断地向外推广中国的当代艺术的最新举措，同时也是“2019悉尼中国当代艺术月”的外围展，旨在通过展览向澳大利亚呈现中国当代艺术的发展现状，促进中澳两国艺术家和机构之间的交流与合作。

展览名称：青年艺术图景

艺术家：陈扬、戴丹丹、高振鹏、谢堃、闫泓池

展览日期：2019年4月5日——4月21日

展览地点：悉尼MOSMAN and SEAFORTH GALLERY

悉尼展览部分作品

闫泓池-《蓝肉蓝》-130×100cm-布面丙稀-2016

闫泓池-《白灰 C》-45×44cm-布面丙稀-2018

自述

它们不需要被转换成为白字黑字的语句才能让自己产生意义

如今快节奏的商业环境，影响着我对“正确”的判断，或者说影响着我对作品的判断。我的作品是独立的，这意味着我在绘画创作的过程中是一种的绝对的状态；这种感觉是绝对的专注，仿佛是一口气跑完整个操场。这个过程里，一旦我停下来，那怕只是一小段时间，我都会感到焦虑。所以，我会想继续画画，或者让自己的身体保持在一种工作的状态里，来打破这种焦虑。

在我和朋友讨论我的作品时，我很少去解释，无论是阐释作品的内容，或是去描述那种完成的过程。我习惯于去“隐瞒”我的创作过程。我希望，我的作品给人们带来的是一种“你喜欢“或”不喜欢“的气息。画面本身，它的颜色、流动和厚度，都是一个气息的整体。我喜欢关于这种气息的把握，这样的讨论之后会让我在未来的创作里更加坚定。

你可以理解为这是一种偏执，但是我不愿意作出对于艺术的阐释。

一种阐释的行为似乎是一种向外界展示出的讨好之态。而在我的艺术创作中，我是非常明确的知道我在做什么的。每一次看似简单，看似随意的笔触，其实都是一种仔细琢磨过后的言语。它们不需要被转换成为白字黑字的语句才能让自己产生意义。

至于完成一件作品之后我会怎么做，我也很少接受应该“怎样如何去做”的意见；更准确地说是，我需要的不是一个绘画内容结果，而是一种气息的完成。若是观众说出喜欢哪一件作品，或不喜欢哪一件，那时的我会变成观众。我好奇于他们说出喜欢或者不喜欢的原因，在他们诉说的理由中，在他们描述性的语言中，我往往会听出我在画面里试图表现而又不太确定的东西。如果一种共通的气息达到了，那么我们可以称之为艺术的共鸣。这种气息是创作过程无法隐藏的。而我继续要做的，就是放大这种创作的特点。

作为一个画面的制作者，我认为艺术创作的本身行为是区别于绘画的目的的。在我的创作经验里，画面的的完成只是一个通向“气息”的过程。

我在体会创作过程中的一点一滴，身体的行为，颜料的触感，光线和色彩的变换交织——每一个步骤，每一个意外，都会让我感到激动和感到喜悦。颜色的搭配和画面的控制并不是为了画出一个什么，再现一个意义，或是表达一种可以阐释的结果。绘画是一个过程，而艺术的享受直到最后画面完结也不会结束。

2015年之后，我对艺术有了新的思考。对于绘画行为的认知让我沉淀下来。于是我发现，我对颜色和抽象的表达方式要比“画的是什么”更有感情，对于颜色和抽象的实验要比最后画面的内容更加让我有创作的快感。

所以，我开始尝试更多的方式来做抽象的形态和极简的构成。这里面包括不同颜色的混合，与同类颜色的叠加，并且在手法上借用了水与刀，将这两种一柔一刚的不同方式，在我的画面范围内达到出乎意料的效果。

我觉得绘画艺术应该保持一种不被点破的阐释。一张画面的目的是为了记录和表达一个画者对艺术的认知和宽度。这其中，个性和喜好让我明确了艺术创作的目的性。这种目的性是既含糊又明确的——含糊是认识和宽度并没有界限，而明确是我知道前一刻的我和这一刻的我，在画面中的要求是不一样的。

就如同这藏不住的流动性一般，我的作品是不同颜料和色彩的层层叠加，各种行为和意识的寓意也藏在这层叠之中，所以既是是一望无际的蓝色或是白色，也会因为每一层色彩的明暗色调的不同，而融入其中的个人思考而不尽相同。

近几年作品