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12月2日，北京保利“现当代艺术”“中国新绘画夜场”“现当代艺术夜场”将相继举槌。 这其中的看点，既包括曾梵志、周春芽、张恩利、张晓刚、尚扬等中国早期当代艺术的中坚力量，也有陈可、宋琨、仇晓飞、陈飞等“70-80后”名单。 我们选择了其中40件作品，对北京保利秋拍的现当代艺术板块进行前瞻。不妨提前猜猜看，谁会成为今秋大热？ 
预展时间：11月29日-各专场拍卖前一日 拍卖时间：12月2日 14:00 现当代艺术 19:30 中国新绘画夜场 20:30 现当代艺术夜场 拍卖及预展地点：北京国贸大酒店 曾梵志是中国当代艺术的领军人物。多年来他从未间断地推进着自己的创作，从20世纪80年代充满表现性风格的“肉联”系列、“协和医院”系列，到90年代移居北京后创作的“面具”系列，再至千禧年代初以草书入画的“乱笔”系列，每一个系列的开启，都诞生了多件极具影响力的时代杰作。此次北京保利秋拍，将带来9件曾梵志作品，组成一个精彩的“曾梵志小专题”。其中包括两件恢弘巨制《祈祷》《智者》，它们代表了曾梵志艺术创作的巅峰，作品震撼的艺术表现，宏大的美术史叙事，和对现实精神的深邃思考，成为艺术家创作生涯中当之无愧的里程碑。画面中，曾梵志将西方古典主义传世名作融入独有的破坏性“乱笔”草书之中，传统与当代、东方与西方交相辉映。2012年作品首次亮相于伦敦高古轩艺术家个展之上，即在海内外产生巨大轰动，其震撼的艺术面貌在全球当代艺术领域产生广泛影响。曾梵志 《祈祷》（双联作） 400×200cm×2 布面油画 2012曾梵志 《智者》（双联作） 400×200cm×2 布面油画 2012
同时，北京保利还将推出曾梵志“乱笔”系列不同阶段艺术探索的5件力作、“面具”系列后期过渡转型之作《人，竹子》、和充满崇高宗教意味的罕见雕塑《无题》，共计9件艺术家精品，全面呈现曾梵志艺术创作风格的开拓与转变，以及艺术家在多重历史语境选择中的突破。
曾梵志《火》（双联作） 330×215cm×2 布面油画 2008曾梵志《人，竹子》 200×150cm 布面油画 2005曾梵志《风景之二》 220×150cm 布面油画 2006曾梵志《猿》（双联作）250×180cm×2 布面油画 2010曾梵志《虎》200×200cm 布面油画 2011曾梵志《无题11-4-4》200×200cm 布面油画 2011曾梵志《无题》240×172×120cm 金丝楠木 雕塑 2010继春拍缔造的拍卖佳绩，北京保利现当代艺术部秋拍2021年秋拍乘势再出发。秉持学术化和精品化的原则，现当代艺术板块将聚焦当代艺术的中坚力量，涵盖尚扬、罗中立、何多苓、周春芽、杨诘苍、张恩利、张晓刚、夏小万、方力钧、岳敏君、刘小东、闫平、谭平、王川、邱志杰、刘锋植、毛焰等。作为当代艺术市场的主力军，此板块艺术家展示出极为多样的创作面貌和极具生命力的个人语言。尚扬的《董其昌计划-12》用了两个部分山体对等拼合出一个巨大、完整山体的构图方式，通过画面形式所产生的整体气势与视觉张力，以审美意象形成对观众视觉感官的吸引。左侧山体的现成数字图像显得平和而冷峻，右侧“对景写照”的手工形象沧桑而凸显肌理，两者的兼并“变身”为某种经由重组的现实。尚扬《董其昌计划 -12》360×290cm 布面综合材料 2008周春芽的《枇杷树下》曾展出于2010年上海美术馆“周春芽艺术四十周年回顾展”之上，我们从中可以清晰地看到周春芽对于传统表现主义绘画方式与中国传统文人画形式特点的创造性融合。画面中的树木花草，都呈现出轻松而恣意任为的造化。挥洒自如、出神入化的用笔，渗透一种深厚的抒怀，体现了传统文化基因对当代艺术的影响。笔墨作为周春芽真实心境与趣味的流露，是其深思熟虑之后不经意就画出来的笔触痕迹，由此可见，彼时对于《琵琶树下》的创作，周春芽已进入无意图的笔墨时期。周春芽《枇杷树下》250×200cm 布面油画 2008《兔子森林》是何多苓“兔子”系列的开篇之作，不但倾注了艺术家极大的热情与心力，先后参与过多次重要展览，也标志着其全新创作阶段的开启，因此意义非凡。少女头上的兔子耳朵给予人一种奇异的荒诞感，而正是这种荒诞感为作品提供了多重解读的可能，令画面具有了一种无法言说的多义性与张力。纵观全幅，《兔子森林》以透明的灰绿色调为主，画面远观朦胧迷离，近看却又细致入微，用笔松动洒脱，呈现出豁达、空灵整体氛围。何多苓《兔子森林》200×150cm 布面油画 2010-2011从图像元素以及画面题旨来看，《男孩2号》延续“血缘-大家庭”“失忆与记忆”系列，但却又有着玛格丽特式的非理性和基里科式的神秘色彩。融合了灰色与褐色的背景中，身着绿色毛衫和白色衬衣的男孩，头微微仰起，眼神凝滞。张晓刚作品中最触动人心的，恰是这幽微冰冷的面孔，一种属于“过去的表情”。男孩茫然的眼神与灵魂出窍的样子，在灰暗的背景中显现出一种莫名的彷徨与幽思。而他脸上的那块光斑，更让整幅作品如同在梦境中一般，是对画面的入侵，隐喻着当下对于往昔的侵扰，也是对回忆的“不断修正”。张晓刚《男孩2号》60×50cm 布面油画 2012《梳》是罗中立的典型佳作，艺术家以朴实的画笔不加美化和修饰地再现了一位村妇梳妆的场景，展现出农民所特有的淳朴与勃发的生命力量。带楼梯的小木屋、火光、体格健壮的农女——这些都是罗中立作品中的经典元素。艺术家在狭小、昏暗的空间内部出人意料地设置了一个强烈的光源，这种手法不禁让人联想到梵高的名作《吃土豆的人》。在创作于2012年《男子肖像》中，毛焰有意识地忽略掉衣着、背景等旁枝末节，而着重刻画了人物的面部。画中男子直面观者，眼神中似乎流露出某种惊异与不解。在一种难以捕捉的灰色调中，画家充分调动了画面中的冷暖、明暗、虚实关系，从而使人物拥有了虚无缥缈、迷离不定的生动效果。在局部细腻渲染的基础之上，画家有意识地弱化了人物的体量感，模糊人物与背景之间的空间关系，进而令其渐渐地隐没于一种难以辨识的混沌之中。就在这种仿若灵魂出窍的状态中，人物的内心世界和精神状态在这一刻赤裸裸地展现在观者面前，既安静又清晰，既感性又理性。
毛焰《男子肖像》110×75cm 布面油画 2012在延续十年的“千层墨”系列之后，杨诘苍逐渐跳脱出纯粹抽象水墨语言的探究，着眼于更广阔的时事政治和社会文化层面。画中以卷轴画的形式铺展开“乌云压顶”的情景，大片云朵层层积叠，彼此挤压，有聚有散，升腾变幻，在浓重水墨的烘托下予人以压抑、沉重的感受。黑云之中有突兀插入的话语，以漫画中独白的形式出现，仿佛是从黑云下面的人间传来的心声。这些话语“Oh My God /Oh Diu”是杨诘苍在美国纽约世贸中心的“911事件”之后开始书写的，以独特的字体和语气表达了情绪上的震撼，一些空白的对话框则显示出现代人对持续不断的毁灭性行为的无言以对。杨诘苍《OH MY GOD-黑云》（九联作）233×120cm×9 绢本工笔重彩 2007-2008 《云》是刘锋植风格转型期的代表作。作品打破了传统写实绘画的结构逻辑，并未客观地描写现实生活，亦取消了故事性与具体情节，同时大量运用象征、暗示、自由联想等手段，去表现精神世界和内心隐秘的意识活动，追求无拘无束的意识流动。在《云》所设计的开放式空间内，各种建筑物、文化符号及人物进行了自由地组合与安排，漂浮的云朵随意穿插其间，贯连左右。刘锋植《云》（四联作）260×100cm×4 布面油画 2003在千禧年后的作品中，闫平在继续描述生活感受的同时，亦在画中隐藏了一些深层次的理性思考，比如关于绘画的本源，关于生存的意义，关于未来的想象，后期的作品更加丰富、晦涩，充满奇幻的想象力和浪漫的情调。创作于2019年的《星空与远方》正是这一时期的代表作。在画面中，闫平将琐碎的生活片段收集起来，再进行合理的安排，变成清晰的结构和造型，在光色的交相辉映和变奏中完成了一次时空之旅，正如她所说：“让其从自然的状态变成人文性的，这是一个修炼的过程。”闫平《星空和远方》180×220cm 布面油画 2019创作于2008年的《无题》代表着谭平的艺术从“画它”进入到“我画”的自由状态，体现了他对生命循环论的独特理解。画面以大面积的橙红色进行整体覆盖，再在上面涂绘一层鲜艳的蓝色与黄色，蓝色上面又悬浮着一层透明的白色。不同色层之间没有断裂感和突兀感，艺术家用不规则的色块边缘，以及颜料的自然流淌的方式贯通了各个色彩层面，仿佛各个色层处于不同的时间阶段，合并成整个生命之旅。谭平《无题》200×300cm 布面油画 2008在王川看来，抽象画是距离艺术本体最近的艺术，因为抽象画给了观众很大的想象空间，让观众也参与到艺术创作中来。从该作品的画面可以看出王川围绕着“抽象”展开艺术创作的源起展开，每一个笔触、每一个块面，似乎都有着艺术家丰富的情绪、感叹，甚至呼吸。整个画面以暗沉的色彩、统一而朦胧的笔法、稳定的构图使观者感受到王川对现实心灵与幻想中自然的双重表达。王川《一九八四》（双联作）360×200cm×2 布面丙烯 2010此次北京保利秋拍，还汇集张恩利不同时期代表作五件，分别为《吸烟者》《灯泡》《水》《装饰墙面》《头发》，力求系统呈现张恩利近三十年以来的艺术之路。《吸烟者》画面中的环境细节被刻意隐去，主体人物站在一个深黑的背景前，拿着打火机正点着烟，双腿一前一后，姿态放松，动作也很自然，衣着纹理尽量简化，造型倾向于二维平面。恋人、屠夫、吸烟的人与肉市、酒吧、宴席、舞池等这些普普通通的人和他们平平常常的生活是张恩利90年代描绘的核心主题。他细心观察和表现着众多无名小人物的喜怒哀乐、悲欢离合及每天面对的困惑与无奈，同时又体现出这一群体的坚忍、智慧和幽默。该时期作品被普遍认为张恩利艺术生涯中的第一次创作高峰，而此件《吸烟者》正是他这一时期的代表性作品。张恩利《吸烟者》 170×150cm 布面油画 1997
在2015年创作的《水》中，艺术家试图通过媒介的独特性来传递某种蕴含于“物”中的趣味性。艺术家通过笔刷、手与布，将半透明的颜料层层叠加在画布之上，整体色彩具有类似水粉画的模糊而通透的微妙质感。全幅的笔触流畅细腻，快速的运笔既增加了画面的节奏感，也强调了艺术家即时的情感直觉。在此，笔触即是造型的语言，彼此之间亦构成了平面上的覆盖、叠加性的空间关系，营造出视觉错觉意义上的深度的空间关系。 张恩利《水》 300×250cm 布面油画 2015在2008年创作的《灯泡》中，张恩利简单直接地将发光的灯泡描绘于褐色的背景之上，仿佛浸没于混沌空间中的一个圣物，成为视觉的中心。物与空间的边界相互渗透，彼此交融，通过其独特的薄涂绘画方式，艺术家将物体物理意义的现实轮廓卸下，进而将内里的知觉呈现至布面。整件作品在内容与观念上并没有明确的指向，然而通过一种高度象征化与陌生化的画面处理。 张恩利《灯泡》 175×120cm 布面油画 2008在以建筑及室内场景为主题的系列创作中，张恩利则是将视角聚焦于一种寓于日常环境（诸如墙上剥落的马赛克、客厅地面的瓷砖、建筑物的外立面等）背后的心理与精神“空间”的呈现。张恩利《装饰墙面》238×140cm 布面油画 2010张恩利习惯改变惯性思维，去解决因绘画题材平淡而引起的画面乏味的问题。在他2005年创作的《头发》中，只是简单的勾勒出人物的眼睛、鼻子和轮廓，而将秃顶作为视觉的中心去呈现，他以这种改变视角的方式去画人物头像，希望观者去注意更多被忽视的地方。这种引起观者反向思维的方式增添了画面的趣味，将人物被忽视的秃顶以一种与描绘正面一样的角度来观看，某种程度上也赋予了肖像画的意义。张恩利《头发》100×80cm 布面油画 2005北京保利从2014年开始推出“中国新绘画”专场，一直是该板块在二级市场的引领者之一。此次北京保利将“中国新绘画”板块全面升级，归为夜场模式。共汇集了39件作品，名单以“70-80后”为主，同时也有少数“60后”艺术家作品。在北京保利国际拍卖现当代艺术部总经理常天鹄看来：“'70后’艺术家与上一代相比，明显地放弃了集体特征，少了符号化和脸谱化，不可避免地德国化和美国化，市场作用在这一代艺术家身上有着明显的烙印。本专场遴选了一级市场相对稳定的艺术家，强调本土内卷消费的长远性和可靠性。可以说，这一波行情总算是回到了本土。”《120415》是王光乐“无题”系列的作品，是“寿漆”之后一次从观念向形式偏移的矫正，经由长期的重复“劳作”，从时间中抽取出抽象的概念和超验的理性。该系列每件作品需通过无数次的罩染来完成，画作也以完成当天的日期来命名。在这不断涂刷的漫长间里，艺术家不对画面进行平涂之外的任何人为干预，其间落下的尘土、颜滴洒的颜料，都自然地“融入”了画面，最后凝固在画布上的一切物质具有不可更改的偶然性，一切都在时光的流逝中自然地展开。面对画面时，观者几乎无法透过图像本身读出艺术家关于外在世界的指涉或个人情感的传达。王光乐 《120415》180×140cm 布面丙烯 2012《无题 1号》原始参照是谢南星母亲拍摄的一张照片，照片上有一瓶花。谢南星根据照片画了一小幅油画，给它打上强光，于是受光的画布背面便产生了一个全新的图像，紧接着谢南星用一架摄像机捕捉了画布背面的这个图像，再将其输入电视机，最后再用相机拍摄下录像的截图，最后这幅照片就是谢南星这幅画的草图。录像机的屏幕在谢南星拍摄时变成了一面镜子，只要多注视一会，我们就能看到投射在画布上的手持三脚架的艺术家的幽灵般的身影。谢南星《无题 1号》220×325cm 布面油画 20142005年左右，仇晓飞创作了一系列以书本、杂志、影集为主题的作品，《学习2》便是其中佳作。艺术家用温润的色彩再现了一本摊开的旧练习簿，书角泛黄，书页斑驳，残损的纸张上面沾染着时光的印记；污渍已浸入纸张，和那些展现典型北方工业城市的照片融为一体，照片下面是一排排练习字母书写的字格。被精心描绘出的书页营造出一种亲近现实的假象，但泛黄的色彩与游走的笔触却告诉我们，记忆与现实，图像与真实之间终有距离。而这种存在于图像、现实、记忆之间的张力与微妙关系，又恰好诠释了艺术家对于绘画本质的理解，即“经验是如何渗入感知之中，而这些感知又是如何在时光中变形；记忆如何被再次唤起并进入经验，以及全部这些过程又是如何在已经消失的错综复杂的现实中结合到一起的”。仇晓飞《学习2》90×120cm 布面油画 2005马轲的《等待之二》中描绘了一个“人仰马翻”的场景：行进途中的意外事故使马重重摔倒，四蹄朝上，不断嘶鸣；右上侧的人物反而稳如泰山，心如止水。画中完全打破了传统的透视结构，在二维平面上进行色彩块面的分割，被分解成黑色几何块面的马与右侧的红色矩形块面构成强烈的对比，简笔勾出的人物在上方空白处，显得尤其跳跃。人物正好处于画面对角线上，与马的位置平行，倾斜之状酝酿出一种险势，马背后出现的突兀红线又使画面趋于平稳。此幅千禧年初的作品显然受到毕加索的立体主义的影响，以画中物象的拆解、分离，再重组的方式构建出崭新的空间秩序。马轲《等待之二》200×143cm 布面油画 2002《大白鹅》堪称秦琦静物创作中集表现力、精神性于一体的代表作。画面中的桌布上摆放着各种蔬菜、水果、鱼类、白鹅以及案板、刀，乍看之下是厨房备膳的场景。但细细观察，这些物象是艺术家有意在画面上拼凑的，出现在一起只是巧合。它们被从现实中分离出来并放置在桌布上处于被审视和描绘的处境，正像“摆静物”这一词语的本来意义。秦琦以戏谑的态度消解着图像的原初含义，从而使画作在情感、意义的冲突之中，将观者引入一个超越日常经验的绘画世界。秦琦《大白鹅》170×220cm 布面油画 2013这是刘晓辉在环铁艺术城的小工作室里从小尺幅作品向大画幅油画转变的第一件作品。延续了“劳作”系列含蓄、简洁的艺术风格，但与前者精巧的微小幅画面不同，此作是艺术家首次尝试在200×250cm的巨大画幅上进行创作，因此也是艺术家创作历程中具有重要意义的节点性作品。纵观全幅，此作再现了一个俯视的方形空间，描绘了一个劳动者擦拭玩具木马的瞬间。艺术家用一束舞台式的灯光聚焦于画面中心的人和物，粗糙的水泥地面上有剥落的红漆并覆盖着一层暖黄色光线，周遭环境则全处于阴影之中。人物和木马造型简洁明快，均由黑、白、红、蓝等几个大小不一的色彩块面组成。刘晓辉《木马》200×250cm 布面丙烯 2013-2014在接近2米宽的大画幅上，闫冰以冷调灰棕色描绘了两朵平菇。在他的精心布局下，两朵蘑菇一正一反，完整地呈现了这一寻常食用菌类的形态与质感。选择画蘑菇的契机很简单，只是因为“某一天在菜场的蘑菇摊前发愣时，突然意识到蘑菇这个食材将要超脱它原有的属性了”。也许只是在凝视的一瞬间，蘑菇幽暗、清白、扁平、神秘的形象和他曾画过的那些土豆、牛皮、厨房、天气一样，在闫冰的思绪中触碰到了心底的痛感。闫冰《蘑菇2号》130×180cm布面油画 2018这是黄宇兴2006至2008年同名系列的代表作。也是在该系列中，黄宇兴实现了艺术风貌的首次统一。画面中，大面积的黑灰色调营造出一种神秘与沉重之感，混乱密布的草丛和树枝呈现出一种干枯、萧索的压抑质感，进而予人一种天地万物就此濒临灭绝的紧张气氛。树枝上的猴子闪现出拟人化的灵光，其悲怆之深甚至令它呈现出令人惊异的沉默。散落于它身旁和四周树木枝桠上的红色物质仿佛是肉身的器官。这是一场灾难的结果，流露出人与动物因遭遇时代、命运突如其来的改造之后的不适、隐忍、孤独、惶恐与桀骜不驯，更呼应于黄宇兴对于个体生命的聚焦与反思。黄宇兴 《改变中的生命史》 370×209cm 布面油画、丙烯 2008
黄宇兴《河流》 142×230cm 布面油画 2013
这是宋琨2015年“阿修罗净界”与2018的“泛灵净界”之间具有承接作用的关键性作品。氤氲空气以云雾的方式萦绕、弥漫于整个画面，作为背景呈现出水蓝色的空灵，下方被淹没于海浪之下的山水之境如早些年创作的净土风景，聚焦于泛灵之境的空无与宁静。它是人造工业自然和原始自然的综合产物，也是当下社会语境下精神回归的安宁居所。宋琨《踏浪》 235×180cm 布面油画 2016在近十余年对于青春和自我的反复描摹后，韦嘉的绘画开始逐渐剥离以往的晦暗，回到了更加纯净的色调。创作于2015年的《海景》是韦嘉这一艺术转型时期的最重要的代表作，其灵感来自于19世纪英国作曲家埃尔加（Edward Elgar）的同名大提琴协奏曲。韦嘉将音符转化为画面，由粗犷的笔触和丰厚的颜料挥洒出海浪与礁石、天空与远山的空间，再创作出一片充满混沌与辽阔的精神风景。韦嘉《海景》 190×280cm 布面丙烯 2015《献给那些我爱的人——致丸尾末广》 是陈飞特别为自己所推崇的日本暴力美学代表人物、异派漫画家丸尾末广的一首诗而作，。在这件作品中，他将丸尾的代表作《少女椿》的封面进行了重新演绎，穿着圆点黄裙子的少女手持阳伞，鸦雀飞翔盘桓在其身旁，看似平和恬美的画面却点缀着些不和谐的因素：少女的独眼眼罩、风中凌乱的长发，律动而不安的色彩，这些因素使整个画面笼罩在一种莫名的惊惧之中，而这也正是丸尾作品经常带给人的心理反应。该作品整体华丽而具有复古情节，而其艳丽的平涂色彩将陈飞一贯的“超平”特质，发挥的淋漓尽致。此外，陈飞作品中常见的种种异色禁忌、那些恶趣味与重口味也都能隐隐看到丸尾末广的影子。而其昭和时代的规整情绪又与陈飞的平涂产生一种异乎寻常的“和谐”感，颇显陈飞一贯的“孩童般的邪恶感”。陈飞《献给那些我爱的人——致丸尾末广》 60×50cm 布面丙烯 2010《六层塔》集中体现了陈可个人情境叙事的显著特征。虚构的女孩正身处于虚幻的空间里，极富魔幻和超现实色彩。这一仿像的世界直接取代了原本的真实，成为艺术家主观情感的投射方式。画面里遍布的蜡烛烧尽的流淌痕迹与 充斥的灰暗色调、女孩瓷白肌肤中的凝固表情相呼应，营造出一种忧郁和无助感。但同时女孩的粉红脸颊及背景橙黄色调的穿插又带来一种温暖的安慰。陈可《六层塔》215×215cm 布面油画 2007
2005年至2009年，欧阳春创作了职业生涯迄今为止最重要的作品系列“王”。作为“王”系列的晚期佳作，《国王山之二》的画面充满了寓言般的指涉，在天真浪漫之外迸发出诗性的谜样气质。浓烈厚重的颜料，疾驰的笔触，明亮的色彩中颜料仿佛刻刀般砍凿出一把王座的轮廓。宝座顶天立地屹立于画面中心，以符号的形式象征着至高的王权，但国王本人却并未现身，仅留下宝座和五彩珠宝暗示其存在。王位立于一座 “金山”之上，显得尊贵、富有而孤独。而这座“金山”究竟为何？是疆土、财宝还是腐朽的残渍？煌煌如炬的力量之下是否蕴含着暗流与危机？这些，都是艺术家为我们设置的谜题。欧阳春《国王山之二》（双联作） 110×130cm×2 布面油画 2009高瑀《不菇独》200×180cm 布面丙烯 2017李继开《大蘑菇》220×180cm 布面丙烯 2008
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