 吴伟丞创作的生活陶器，有种无法言说的冷静与凌厉，他打破了圆融感，加入了细微的棱角，突破质与量的边界，诠释了现代茶道美学之精髓。 提到现今台湾知名陶艺家，一定绕不开吴伟丞，作为台湾目前优秀陶艺家代表，年纪虽轻便已斩获大奖无数。 看他烧制器物，无需过多解读，你就能从中感受到某种不一样的分量——空寂、素雅、古朴、自然…东方美学从中自然发生，这种感动便属于好作品的力量。  缘分若好，不怕晚到 和很多艺术家相似，吴伟丞是个沉默而腼腆的人。1976年出生于台中县乌日乡，自小喜欢画画，在明道高中美工科就读时开始涉足绘画、书法、篆刻、摄影、木工等各个艺术门类，而与陶艺的缘分却是高三才正式建立。  接触陶艺后，吴伟丞深深热爱上了这门艺术。只要有时间，就留在教室练习拉坯。18岁时，他得到了人生第一台拉坯机，还是学校陶艺教室的淘汰品，这成为了他打开陶艺之门的第一把钥匙。  高中毕业后，吴伟丞进入“国立台中商专”学习商业设计，期间曾深入研究传统漆艺技法，发现漆艺繁复的工序并不适合融入陶艺后，便追随陶艺家林锦钟学习配釉。 吴伟丞的勤奋来自他对陶艺世界的探索和渴望。日本陶艺在台湾盛极一时，对国外陶艺杂志上介绍的技法，他会一一实践并仔细揣摩，通过自己的双手感知粘土的特性，感受技与艺的融合带来的陶之大美。  好学的他在成千上万次实践中，弥补了非陶艺科班出身技法上的不足，明确了今后以实用陶器如茶具、花器、餐具等作为创作方向。 毕业后在台中成立工作室，苦心钻研，他的作品强调重肌理感，在色彩表现与线条结构上追求细节的质感和洗练，获得了业界的高度认可，数次斩获台湾陶瓷金质奖。   不加修饰，器之大美 「清水出芙蓉，天然去雕饰」的天然之美，是造物主的美，再巧夺天工的匠人都难以企及。吴伟丞认为最耐人寻味的美感，正是那种不经过多修饰的简单造型与装饰。 这种风格的确立，也许与他从小喜爱的非洲原始艺术有关，他欣赏其中率真、质朴且富有生命力的纯粹韵味。自然主义美学，成为吴伟丞创作灵感与风格的源头。   为了追求这种美学理想，吴伟丞在技法上进行了许多探索和实验，逐渐摸索出了可以达到自己想象效果的技法——柴烧和熏烧。 但他逐渐认识到，传统窑烧方式其实并不适合现代实用性器物。于是，他尝试用瓦斯窑达成熏烧效果，又以木炭和稻壳为媒介，精细把控坯体、排窑、烧成曲线，最终实现了一种既不会渗水，又能呈现熏烧古趣的烧制方法。 这也成为属于吴伟丞独特的标签。在他的作品中，表面或平滑或粗糙的肌理质感及颜色的变化，是他和火的共同创造的痕迹，但不只是古拙自然的气氛而已，另有一股青春活力在期间舞动，在黄、橘、白及黑灰釉色间跳跃。 一方自在茶席，一片宇宙天地 很多设计师、艺术家、手工艺人早期的作品，往往最能体现个人的审美偏好。而到了创作成熟期，会慢慢地去除个人化的东西，转入深层次的思考。 2006年开始，他开始研究实用器皿尤其是茶具的烧制。为此特地学习茶道多年。台湾人数百年来都喜爱饮茶，吴伟丞的祖母是南投鹿谷人，很多亲属也以种茶为生，所以喝茶是他从小养成的生活习惯和仪式。 创作时，吴伟丞体会到茶对中国文化的重要性，认为不能仅仅在作品中展现自己的追求，一定要考虑实用性和功能性。如果自己的作品只是为人欣赏，而不能为爱茶人所用，那只能算闭门造车式的自娱自乐。 如何更好地体现茶汤的色泽与香醇？粗犷厚重的陶器是否真正能满足饮茶人的功能需求？化劣势为优势，将几千年流传下来的传统茶具的优势保存下来，并融入自己的艺术风格，是吴伟丞想要解决的问题。
血地银花 壶 2018 日本陶艺理念对台湾影响颇深，2007年之后，吴伟丞的创作尝试融合日本民艺陶艺和中国传统茶具的风格。中国传统茶具华丽、精致，日本民艺简单、朴拙，追求自然美感。 他创作的茶器，既保留了中国传统茶具方圆必究的器形，又吸收了日本不拘小节的质朴风格，创造出一种属于台湾人文化品味的新风尚。 吴伟丞作品显露的气质，与久松真一（1889-1990，日本近代著名哲学家、禅宗学者、茶道专家）倡导的蕴含七种茶道精神的器物美学不谋而合，即＂不均衡、简朴、枯高、自然、幽玄、脱俗与静寂＂。 也暗合了道家的无为精神，无为之为才是最靠近自然的一种境界。顺应自然的变化来塑造指尖的器物，遵循材料本身的性格，是一种人与物关系的自在连接，也是吴伟丞对自然天地在一方小小茶席中，呈现出的谦逊与尊敬。 |
|
|
来自： TWOdpmb1g1fj3x > 《待分类》
