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丢勒｜Albrecht Dürer 1471年5月21日－1528年4月6日（56岁） 点击上方图片进入小程序再退回至本页面 一边听课一边欣赏画作吧 听众朋友大家好，我是张法中，今天为大家带来三十幅世界名画第八讲：丢勒和他的《亚当与夏娃》。 当我们谈论艺术时，总会先想到法国，意大利，相比之下德国的画家或者雕塑家能够享誉世界的非常少。一提到德国，我们会先想到发达的工业，奔驰宝马，而后是两次世界大战，这两次德国都是发起国也都是战败国。再之后应该是德国的哲学和音乐，黑格尔，尼采，巴赫，贝多芬。这么想来，同样是欧洲强国，德国这个国家似乎在艺术上对世界没什么贡献。 事情真是这样吗？今天我就要跟大家聊聊德国历史上最伟大的艺术家之一: 丢勒以及他对于欧洲艺术的影响。 纽伦堡丢勒故居 丢勒1471年出生在德国的纽伦堡，而纽伦堡在当时的欧洲大陆是一座很繁荣的城市。在俄罗斯没有欧洲化之前，纽伦堡是欧洲大陆的地理中心。在这座繁荣的城市里，有几个特别值得骄傲的事情：手工制造业，印刷出版业，还有一个是香肠。三大特色，丢勒一个人就占了俩，当然也有可能占了仨。他的父亲是位非常成功的金匠，他们家祖传就是干这个的，丢勒这个姓就是“造门人”的意思。而他的教父是当时纽伦堡最大的出版商，第三个就是他也很有可能爱吃纽伦堡香肠。 从小，丢勒就跟随父亲学习绘图，这是做手工艺的基础。当时家里有十几个孩子，其中有三个在这方面展示出了天赋。除了丢勒，还有他的大哥汉斯和一个弟弟恩德雷斯。丢勒有一幅著名的素描叫《祈祷的手》，就跟他的哥哥汉斯有关。相传丢勒小的时候，和他哥哥都表现出了非凡的才华，但是因为家里穷，只能供一个人去画画，所以汉斯就牺牲了自己。多年以后丢勒成名了，回到家看到哥哥的那双手因为干重活已经严重变形，再也拿不了画笔了。丢勒十分悲伤，于是就画下了这张感人至深的素描。 《祈祷的手》, 1508年 故事虽然很好听，但实际上没这码事。首先是丢勒的家庭没那么穷，其次汉斯后来也当了画家，只是没有丢勒有名而已。这双手实际上是丢勒为一幅祭坛画所做的素描练习，丢勒本人很虔诚，这双祈祷的手画得很完美，所以会经常出现在丢勒的画作选集里。 十三岁时，丢勒画了一幅自画像，这张画我大概是在20岁左右看到的，看到之后立刻心灰意冷，都想放弃画画了。十三岁，在当时没有什么名师指导，也没有大量画册可看的情况下，光凭自己的热爱和眼睛，就能画出这么准确和生动的素描，简直太不可思议了。画中衣服的线条是如此肯定，毫不犹豫，这怎么可能是一个十三岁的孩子画的呢？可画上的签名日期，小孩的长相都在这摆着呢，你又不能不信。所以从那一刻起，我就彻底服了丢勒，之后很长时间都一直临摹他的画，对我个人的成长帮助非常大。 不过，那时候我还没有什么历史和美术史的知识，只知道这张画画得好，并不知道背后还有什么其他意义。后来我知道了，这大概是最早的自画像之一。9年之后，丢勒又画了一幅油画自画像。后被证实，这是最早的油画自画像。也就是说，丢勒一定是最早画自画像的人。 丢勒13岁时的自画像，1484年 为何之前的人没有画自画像的习惯呢？原因很简单，因为文艺复兴之前人不值得歌颂，是文艺复兴给了人自信，但这种自信真正演化到可以认认真真对着自己画画，那还需要相当长的时间。达芬奇也是上了岁数之后才开始画自画像的，而且他没有油画自画像，他那张油画肖像是学生为他画的。对于当时的画家来说：素描是练习，油画才是严肃创作，要耗费大量时间，还不能卖。当时谁会把一个画家挂在自己家里呢？而且画自画像还会招来攻击，因为当时的人一定接受不了这种“自恋”，或许还会被扣上一个严重的宗教罪名。所以，丢勒画自画像是一个相当有勇气的事情。“尤其”是在德国，因为德语地区整体的思想开放程度要远低于意大利地区。 知道了这些历史情况，再看丢勒，才知道他的超前。眼中有了自己，这是人类文明向前迈了一大步。后来有一些画自画像成狂的画家，比如伦勃朗，库尔贝，梵高，都可以说是丢勒的子孙。 我们来看两张丢勒的自画像。 第一个就是我刚才提到的那张，被认为是欧洲历史上第一张油画自画像。 丢勒最早的油画自画像，1493年 这张画画于1493年，当时丢勒21岁，是他送给自己未婚妻的。画中的丢勒长相俊美，穿着时髦，充满青春气息的脸上，挂着成熟和自信。他手里拿着蓟草，一种象征男性忠诚的植物，头上戴着一个有穗的红帽子，显得个性十足。在画的顶端，丢勒写道：“我的一切都是上帝的安排的”。这句话的意思既表明了他的虔诚，也表明了他对未婚妻的认可。但实际上，结婚后他们的关系非常差，丢勒多次跟别人抱怨他妻子是个泼妇。 我们看这张画里丢勒的眼睛，他紧紧地盯着我们。当然实际情况他是在盯着镜子中的自己，好像是在向自己发问，又像是陷入了深深的思考。这是丢勒身上真正闪光的品质，也是属于德意志的品质：思辨，内省。过去的歌德，贝多芬，尼采，现代的博伊斯，基弗，巴塞利兹，都和丢勒一样，他们身上拥有同一类品质。而这个品质反映到作品上，往往是沉重而精密的。 我们再看第二张自画像。 丢勒28岁画像，1500年 这张画画于1500年，丢勒当时28岁。相比21岁的稚嫩，将近而立之年的他看起来更加平和，稳重。他放弃了四分之三式的谦逊构图，改用完全的正面，历史上人们只有画耶稣的时候才会这么做。这不是巧合，他的头发胡须，胸前的手势都暗合了过去的耶稣像。丢勒这是极度自负要把自己和神相比吗?当然不是，我们看这张画上也写了一排字：“我，阿尔布莱希特，丢勒，28岁的时候用颜料创造了我自己。 注意他的措辞，没有说我画了我自己，而是说我创造了我自己。我们再回头看一下这张画：皮肤的质感，头发胡须的质感，衣服毛领的质感，每个地方画得都非常精致，简直可以以假乱真，说这是一张照片，我觉得也一定有人信。我们现代人可是被高清照片和众多写实油画洗礼过的，当时的人呢？当他们看到这张画时，一定会误以为这是真人。也就是说，丢勒在平面画布上创造了一种真实，其程度前无古人。他在这一刻感觉到作为一个画家有多么神圣，和上帝一样拥有无中生有的能力。所以，他用的是创造这个词，而不是画。在他心目中，艺术已经不再是一个普通的手工业，而原本只属于上帝的词汇，现在同样属于艺术家。 丢勒在同时代的艺术家里与众不同，他有很强的自我意识，并且把艺术放到很高的地位。但这并不是丢勒的全部，他的另外一个重要贡献是版画。一般我们到美术学院去问，纯艺术类都有哪些，得到的回答都是：国油版雕老四项，版画就是其中之一。 版画从种类上分为木版，铜版，石板，丝网版。字面意思，以什么为介质就叫什么版。从形式上版画又分为凹版，凸版和平版，这是指阴刻还是阳刻，或者是靠油水分离来印刷。最早出现的是木版，随后是铜版，丢勒就非常擅长这两种版画。 书籍印刷 十三世纪的时候，随着东西方的交流，中国印刷术传到了西方。一开始出现的是雕版印刷，印书很难，也就印扑克牌什么的这些图形比较固定的东西。但15世纪，就在丢勒出生前不久，有一个叫古腾堡的德国人学会了活字印刷。西方长期以来都说活字印刷是他发明的，直到近些年才承认古腾堡一定学习了中国的技术。有了活字印刷，书籍就开始多了起来。书籍多了，为书籍印刻插图，也就成了一个固定项目。这时候，画插图的一般都是普通匠人，画风很淳朴，但也比较粗劣。丢勒的出现，直接颠覆了这个行业。 丢勒的教父是纽伦堡最大的出版商，所以在丢勒很年轻的时候，他就有机会为书籍画插图了。因为他的插图水平明显高于普通画家，所以在20多岁时，他的名声就随着书籍传遍了欧洲。当他到访意大利时，很多人都惊讶于他的年龄，没人想到书上那些精致的插画居然出自这个年轻人。
版画《亚当与夏娃》1504年 在意大利，丢勒感受到了文艺复兴的活力，从此痴迷上了透视，比例，结构这些美学知识。回到纽伦堡，丢勒的作品开始加入文艺复兴风格，尤其是对人体比例的研究，除了达芬奇，他应该是全欧洲最深入的人了。1504年，他画了一幅版画《亚当与夏娃》，在这张画里，他不但保持了德国哥特式的神秘传统，更展露出他对人体的深刻研究。 我们先解释哥特的这部分。首先是亚当与夏娃的表情非常庄重，通过凡艾克和博斯，我们知道这是属于北方的特点。其次是两人虽然赤身裸体，但都用树叶巧妙遮住了私处，这是表明虽然裸体但不色情。最后是画面中复杂的隐喻。比如亚当右手握着的树枝，是生命之树的树枝，上面站着一只鹦鹉是智慧的象征。正在把果子交给夏娃的蛇象征着邪恶，他盘踞在善恶之树上，这棵树上结满了果实。陆地上的生物也很丰富，牛和羊代表着嗜睡和忧郁，兔子代表繁殖，猫和老鼠则代表着引诱和危险。
丢勒1514年创作的版画《忧郁(一)》 以大量的符号和隐喻著称 中世纪的人们很喜欢这种谜语式的隐喻，那是一个歌谣的时代，就像我们的《诗经》，越抽象就越能发挥想象力。所以我们看那时候的画，或者雕塑的形状往往都是不准确的，但越不准，所体现出来的精神气质就越浓。当什么都准了，都清晰了，物质感过于真实的时候，我们的联想也就随之减弱。一利一弊，就看你如何选择。我喜欢丢勒就是因为他的画上把这两者尽可能地综合到了一起，在引进文艺复兴新风格的时候，又没丢失民族自身的特点，所以才有了非同寻常的气质。 接下来我们看这张画里属于文艺复兴的部分。首先，这是意大利以北的欧洲第一次出现人体画。就算是今天，文明程度已经这么高了，接受不了人体画的还大有人在。你可以想象一下，在当时的德国，人们看到这幅画的反应。为什么在意大利就可以，在德国就不行呢?原因很简单，波提切利画了《维纳斯的诞生》，那是给美迪奇家族的贵族欣赏的，老百姓根本看不到。那些老百姓可以看到的人体画最后是什么下场？米开朗基罗在西斯廷教堂画了一幅《最后的审判》，本来画的都是人体，但在他死后这张画被重新修改了一遍，给所有裸体都穿上了衣服。
米开朗基罗《最后的审判》1534年－1541年 丢勒的版画，受众虽然不是最底层的老百姓，但毕竟比美蒂奇圈子里的人要广泛，他们怎么能这么容易就接受呢？丢勒画它，是为了自己的审美理想，但必须得顶着巨大的社会压力才行，这种为了理想的牺牲精神，不也正是文艺复兴的体现吗？接下来我们看更实际的。亚当的身体结构，显然是研究过解剖学的人才能画出来的，肌肉骨骼都非常准确。再看他身体的比例关系，并不是很写实，而是倾向于完美的理想形状。 达芬奇也迷恋完美的比例，他根据古罗马建筑师维特鲁威的书，画出了《维特鲁威人》。丢勒也是维特鲁威的忠实粉丝，对于比例，同样有执着的追求。实际上，它意味着画家在画作画时，渴望的不仅仅是再现真实，更要寻找美。 画完了这张版画，丢勒再一次前往意大利。这一次他在意大利见到了很多伟大的画家，拉斐尔，米开朗基罗等等。这些人对丢勒产生了更为深远的影响。从意大利回来，丢勒又一次画了《亚当与夏娃》，这次不是版画，而是更能表现他愿望的油画。 历史上的《亚当与夏娃》有很多，但这一幅绝对是最特殊的。因为他丝毫都没有表现宗教中提到的那些罪恶和恐惧，取而代之的，是两个年轻健美的身体，和两个沉浸于爱情当中轻盈的灵魂。 这次的《亚当与夏娃》不再是一幅画，而是被拆成两幅，每个人都有更独立的地位，同时又能隔框相望，这是丢勒的一种独创，他认为放到一幅画上会削弱每个单体的力量。后来不少德国的画家都传承了这点。画面上，丢勒放弃了过多的隐喻，改用大面积黑色的背景来衬托这两个单纯的裸体。亚当和夏娃的身体比板画上变得更修长了，美感也更加和谐。和版画比起来，亚当的肌肉更平缓了，看起来健康而富有弹性。夏娃也是，身体变得更圆润，饱满中带着健康。这次他们不再面无表情，而是都带着笑意，亚当张着嘴，好像在唱歌，夏娃轻抬着眉，眼神中充满了向往。 仔细看夏娃，我们还是会感觉她的身体异样，尤其是肩膀过斜，头又太小。正常人是长不出这样的比例的。但并非不丢勒没画对，这是他希望表达出来的形状，这是他对美的最终诠释。
从丢勒在自画像上写下创造的那一刻，他就意识到了，画家不仅仅是把自然搬运到画面上。虽然他很擅长这件事，他画过一片草丛，写实程度连今天的画家大都望尘莫及。创造对于他来说，是创造美，是创造一种可以超越现实的真实。五百年前，一个画家能够意识到这一点，就足够名垂青史了。 说完了丢勒的画，我们要说最后一个问题。还记得上一期聊到神圣罗马帝国的皇帝想找一位顶级大师吗？为什么他没有选择本土的丢勒，而是去找了意大利的提香呢?有可能是国外的月亮更圆，但还有一个原因，那就是信仰。
1520年，丢勒参观安特卫普 by 亨德里克·莱伊斯（Hendrik Leys） 1512年，神圣罗马帝国的上一任皇帝正式聘请丢勒为宫廷画家，但在1517年，马丁路德发表了著名的《95条纲领》，新教革命正式开始。丢勒是马丁路德的支持者，他们有着共同的理想，而且，他们还都用通俗易懂德文来出版书籍。除了马丁路德，还有进步思想家伊拉斯谟，也是丢勒的朋友。虽然丢勒自己是天主教徒，但他意识到时代需要进步和变革。所以在马丁路德出版白话文圣经的时候，他毫不犹豫地答应为这版圣经来画插图。1519年，查理五世当上了新一任的神圣罗马皇帝，他积极反对宗教改革。丢勒虽然还在拿着帝国的工资，却因为宗教立场受到了皇帝的冷落。晚年的丢勒，已经不再画大型油画，他开始周游列国，把文艺复兴的艺术带到了更北的地区，还出版了两套关于几何和人体结构的书籍，这些书籍也大大加快了德语地区艺术。
《量度四书》的封面 2003年，德国国家电视台评选出了100位最伟大的德国人，360万人投票，丢勒名列其中。 好，今天的节目就到这里，我们下期再见。 |
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