绘画创作中，画家的个性和技法，哪一个更重要？

文·段宏刚 “ 艺术相通 ” 是许多艺术家的共识，不论是写作，还是画画、作曲和雕塑，都有许多共同点，作者都必须在胸有成竹的前提下，然后运用自己掌握的技法或技巧，把脑子里的想法付诸行动，最终创作出既有共性又有个性的作品。 艺术作品里的共性，实际上是指流传下来并被广泛认同的艺术观念，创作经验和创作技巧，它们是艺术家所遵循的约定俗成的规矩。无规矩不成方圆，艺术创作若跳开规矩，则是无根之木。 比如写“颜体” 楷书，必须按照颜楷的笔法、结构和章法来写，否则，写出来的字就是另一种字体。

艺术作品里的个性，则属于艺术家的独特标签，是艺术家个性气质和思想情感，以及综合修养的自然流露，也是艺术家艺术风格的呈现，能拉开个人跟其他人在风格上的差异。 所有艺术创作都离不开个性与技法的展现，那么，在绘画创作中，画家的个性和技法，哪一个更重要？ 这个问题相当有探讨价值，关系到艺术个性与艺术共性孰轻孰重的问题。 一个画家即使再有才华，悟性再高，想法再多，个性再强烈，也必须借助娴熟的技法把这些抽象的东西还原成具象的图画，否则，一切免谈。

因此，画家在绘画创作中，技法显得更有决定性，技法对画家来说是基础。如果打一个比喻，绘画作品是一棵树木的话，技法是根，个性就像是枝叶，树木要想充满生机活力，必须让根脉向下扎得更深，才能枝繁叶茂，如果根脉不够发达，树木肯定长不高，甚至由于营养不良而枯萎。 在书法艺术里有一句名言：技法 为 骨，个性 为 肉 。 这句话同样适用于绘画艺术，如果失去技法的衬托，画中物象的造型则看不到应有的塑性和强度，会呈现出一副绵软无骨的状态。只有骨肉均匀的作品，才耐人寻味。

但是，不是每个画家天生就会画画，画家都是慢慢成长起来，成长经历注定了画家在不同阶段，必须把技法和个性分开来对待，有时倚重技法，有时青睐个性，有时两者兼顾。 画家在学习阶段，还不懂得如何发挥个性，对技法的依赖性更强。技法的训练则来源于日复一日地临摹，临摹的目的是为了学习和掌握古人总结出来的经验和技巧，像国画人物的“线性十八描” ，不同山石树木的皴法，各种飞禽走兽怎样造型，都有一套完整而系统的技法，通过不断临摹，掌握它们后才有能力进行创作。 就像一个人在学习跑步之前必须掌握走路，才能水到渠成。如果不去临摹而直接进行创作，那根本不可能，如同狮子吃天无处下爪，即使强行创作，也只是毫无章法的野路子。

作为学习绘画的必经之路，临摹完全是一种理性而高效的学习，通过“照猫画虎” ，能在学习过程中逐渐掌握古人的许多奥秘，包括如何用笔、用墨和构图，怎样运用发散性思维，怎样营造作品的格调和意境，等等，这些都是纸上谈兵学不到的。 可以说，画家在临摹阶段，几乎不需要展示自己的个性，只需把古人成熟的用笔经验和创作技巧融会贯通，变成自己的本事，就足够了，能给以后的创作铺平道理。 所以说，画家在前期，也就是通过临摹而学习的阶段，技法更为重要，它决定了一个画家在将来能走多远。

当一名画家度过临摹阶段，掌握了较高技法，对历史上许多著名画家的风格能够如数家珍，并能像模像样地临摹出来，同时建立了自己的绘画体系，并树立了较高的绘画自信时，他个人就对绘画的理解提升了许多层次，这时，他就会产生脱离古人影响的强烈愿望，也具备了放开手脚画、发挥自我个性的能力，即达到了自由创作阶段。用俗话来说：翅膀长硬了，该自己单飞了。 比如，20世纪的国画大师齐白石，早期他主要在自己家乡湖南湘潭一带活动，主要学习当地画师的风格，中期他来到京城，主要学习吴昌硕、陈师曾等名家的作品，中后期他逆流而上，把主要精力用在了学习石涛、八大山人、徐渭等历代大师的作品，到晚年，他完全翅膀长硬了，有能力进行“衰年变法” ，最终跻身到国画大师的行列。

当一名画家练就了精湛的技法，不再需要用技法为自己证明时，那就到了该他表现个性的时刻了，他会时刻想着怎么把个性融入到作品里，创作出独一无二的绘画形态，不用看他的落款，仅看用笔风格就能知道是他的作品。 综合来讲，绘画创作中技法和个性哪一个更重要？要分阶段来看，在临摹阶段，技法是根本，在初级创作阶段，两者同等重要，进入自由创作阶段，个性最为重要。当一名画家进入了自由创作阶段，可以随心所欲地“我手写我心” ，那他必定是大画家。