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到了达芬奇（1452-1519）、米开朗基罗（1475-1564）和拉斐尔（1483-1520），还有科雷乔（1489-1534），文艺复兴绘画达到了巅峰。从技术上来讲，可以说一直到1850年法国印象派出现之前，这个巅峰基本上没有被超越过。即使是印象派和后来的现代绘画，也不能说是真正超越，因为现代绘画和传统绘画没有了直接的可比性。 米开朗基罗之后，比如瓦萨里（1511-1574）代表的稍后一批画家，比如提香（1490-1576）、丁托列托（1518-1594）、卡拉瓦乔（1571-1610），等等，还有比如肖像画的布隆奇诺（1503-1572），学院派的始作俑者卡拉契兄弟，等等，技术上都不错，但是也没有超过三杰，而且总使人感觉他们不如三杰。 为此，瓦萨里是最早就进行了思考的，他分析了五六个要素，从风格方面加以解释，算是抓住了一点线索，提出了“优雅”作为一个衡量的标准。也就是说，技术之外，还有东西，决定了画的好坏。 从1350年代（乔托时期），佛罗伦萨绘画走了素描油画的道路，画家、教会、行会、贵族、商人，等等，实际上都在参与了一种美学观念的孕育。这种绘画的美学标准，就是对人物画而言，像不像？美不美？好不好？这三个公众共同的评判角度。 像不像，美不美？是比较容易理解的，公众也基本上逐渐就形成了一种普遍的共识，就是公众美学。最初的形态。 这个好不好？一开始并不是一个关注的焦点，到了瓦萨里，开始成了画家所仔细思考的焦点。 画人，大家都画的挺像，都挺美，怎样才能更好？比如我们用圣母像来看看文艺复兴绘画的前后发展：
乔托《宝座上的圣母》1310年
利皮 《圣母子与天使》1460年左右
拉斐尔 《西斯廷的圣母》1550年左右
布隆奇诺 《圣家庭》，1570年左右 以时间轴排序来看，200多年跨度的演进，就比较清楚地看到西方绘画技术的进步，看到审美标准的演变，更像更美。 1600年后左右，文艺复兴绘画在意大利地区渐渐衰落，其原因我们另外写一个分析。但是绘画本身，的确也到了一个探索的新高度，就是怎么画才能更好？ 相反，公众美学似乎已经达到了一个顶点，就是把更像更美作为标准，就是后来在20世纪美国人反思“美的回归”的时候，提出的“古典绘画审美趣味”。这种审美趣味，始终作为一个基准线，至今依然统领着公众美学。 当然，作为另一个世界的中国绘画，一两千年，一直到1900年新文化运动，始终没有把“更像”作为一个审美标准。 1850年代开始的印象派绘画，恰恰也可以看作一个脱离了“更像”，或者说脱离了“肖似”标准的绘画路线。而那个时代，法国画家的确也受到了日本浮世绘的影响。阴差阳错的是，当莫奈梵高他们拿着日本瓷器的包装纸，那些浮世绘的印刷品，颇受启发的时候，日本和中国的画家们却反向地膜拜着第一次接触到的西方油画，五体投地。东西方的绘画突然相遇之后，形成了各自新的轨迹。 |
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