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古今书画家无不重视师古摩今，毕竟这是中国画学习的唯一捷径，掌握了这两项绝技，就等于敲开的中国书画的大门。师古就是崇尚古先贤，以古先贤为师。通过临摹古先贤的作品来提高自己的能力。“谢赫六法”就包括这两个内容，“传移摹写”和“应物象形”。 华人尚古，自古就如此。最明显的就是文化尚古，中华文化历来尊儒重道，春秋战国以后，儒家学说和道家学说被重视和利用，从此在思想上、文化上、习俗上，拉开了中国尚古的大幕。中国人的祭祖也属于这个范畴，而中国书画同属于文化艺术，就更被尚古的思想统领。
关于师古，元赵孟可称典范，《松雪论画》里记录了他尚古的思想。“作画贵有古意，若无古意，虽工无益。今人但知用笔纤细，傅色浓艳，便自谓能手，殊不知古意即亏，百病横生，岂可观也？吾所作画，似乎简率，然视者知其近古，故以为佳。此可为知者道，不为不知者说也。” 古人都比较提倡师古，东晋顾恺之就有关于“摹写要法”的《画论》传世。“《孙武》：大荀首也，骨趣甚奇。二婕以怜美之体，有惊惧之则。著以临见妙绝，寻其置陈布势，是达画之变也。” 师古最直接的方法就是临摹古画。之所以要临摹古画，除了有榜样意外，还因为古画里有值得学的东西。
古画里面蕴藏了丰富的技法和规范。就如同我们称古代写得好的字叫“书法”一样，就会用临写的方法来学习。书法原叫做法书，因为有现成的法度，只要拿过来运用就可以。国画也一样，无论人物画、花鸟画还是山水画都累积了历代书画家丰富的经验，他们的笔法、墨法的运用技巧，我们可以借鉴来运用和比较，有利于我们对技法的认识、继承和改进。 古画里还能体现出中国画的传统思想和规律，主题的表现手法。站在巨人的肩膀上，才可能成为最高的。每一幅古画都饱含古人作画时的心思，作者的想法会通过画面展现出来。同时作者的构思习惯，表现手法及偏向也会一览无余的被保留下来。我们只需在理解的基础上选取我们自己需要的就可以了，这些都是靠自己捉摸不能得到的。
读懂古画，可以给你学习国画一个明确的方向和清晰的方法。清朝内廷画师王原祁在他的画论《雨窗漫笔》中曾说“学不师古，如夜行无烛”。有古画作为标杆，学习便不会盲目。也能更深刻的了解国画的形成和发展，与画论画史相结合，也就是又一次理论与实践的结合和验证。可以更有效的掌握不同门派所擅长的独门秘诀。 师古的另一个方法就是读古画论。 古画论一部分是画作者自己对国画创作过程和创作理念的一些阐述。古时的书画创作者和今天一样，鱼龙混杂，各种能力参差不齐。其中一部分有思想，会思考，有高度的那批创作者，会通过各种学习方法最先、最多的获得笔法墨法的精髓。这些方法包继承和创新，有心的创作者会把这些心得体会、实践经验记录下来，形成自己独立的理论体系，这就是画论形成的一种方式。每位画家的画论里都凝聚了他们毕生的心血，所以可以说古人的书论画论实在是我们学习书画难得的宝库。
还有一部分画论是总结评论别人的画作，说出自己的感悟。文人逸士雅聚评诗论画，各抒己见，这些意见和建议被记录下来也是画论的一种来源方式。更有擅思好学之人，精于钻研，时常赏玩揣度名品，于作品前后作提拔也好，独立成章也好，对其作出评论，被记录下来也是画论的一部分。 这些被历代书画名家检验使用过的笔法、墨法、经营、构思的理论，同古画一样，为我们的学习提供了前车之鉴。并且，画论比较画作更直观。
师造化就是师法自然，就是以自然的景物（所描绘的对象）为师，揣摩领悟得到形质和章采，从而从形和神两方面入手创作出独到作品。 最早提出这个理论的是南北朝时期的姚最，在他的《继画品录》里评价湘东殿下时说“右天挺命世，幼禀生知，学穷性表，心事造化，非复景行所能希涉。”这也说明了梁元帝的《芙蓉图》是写生作品。自此师法造化便被重视起来，很多写生作品也陆续出现。
其实你不知道的是古代中国画分为三个画科，人物画、山水画和花鸟画，其中人物画被称作“传神”，山水画被称作“留影”，而花鸟画被称作“写生”。这里的“写生”显然是一个画科，是以写生手法画得画。 我们要说的是一种画法。五代时期的画家们就比较重视师法造化，此后也出现了不少写生作品。不管是黄家的富贵还是徐熙的野逸都是对影描摹的作品。到宋代，更有自称“写生赵昌”大画家赵昌极重视写生。范镇的《东斋纪事》中记载“又有赵昌者，汉州人，善画花，每晨朝露下时，绕栏槛谛玩，手中调彩色写之，自号'写生赵昌’。” 近些年书画界比较流行写生，特别是山水画科，被玩成以写生为噱头的游山玩水，甚至形成一种经济产业链。
写生最直观的认识就是面对面的造型。首当其冲的是素描写生，这种方法不是中国画所需要的。中国画运用的造型手法是线描，也叫白描，可以傅色，也可以不傅色。这只是写生的一个方面，所有的造型都可以通过对自然状态的记录来获得。 而运用最多的是默写。通过对写生对象的观察记忆，使形象以意的方式储存进头脑。经过再头脑特殊加工后画出来，形成具有思想内涵的画面，是中国画写生最有效手段。唐代画家张璪提出的“外师造化，中得心源”就是说的这种意思。
中国画最讲究的是“气韵生动”，也就是说讲究画的内涵，要能表意，有灵魂。连西方的文艺理论家车尔尼雪夫斯基都说“艺术来源于生活而高于生活”，这种“气韵”就来自于对所描绘对象的独到地观察和特殊的理解。 这个过程往往会使物象略微失真，这就牵扯到国画界一直争论不断的“像与不像的问题”。这也是工笔与写意的差别。
师法造化的前提是师古。有了绘画的基础，才可能作进一步的艺术升华。临摹的意义在于掌握国画的理念和规矩，承袭和遴选一些优秀的技法为我所用。刚开始可能会流于形式，时间久了，熟练以后，就会渐入佳境。 在临摹达到一定的程度时就可以写生，写生一方面是对临摹的测试和验证。同时也是艺术创作的一个步骤或者说方法。写生过程中，不同的环境下物象的不同姿态所触发的创作者的思考也不一样。并且相同的环境，相同的物态，不同的心境下，对物态的理解和反馈也不一样。这就为创作提供了丰富的题材。
写生也要先处景对写，再凝练默写。处景对写的好处在于观察细致，精于构造，为默写打好基础。默写则在于，拿捏得住自己与物象关系，以情写物，以意写物，把自己融进创作中。做到我既是画，画既是我的状态，犹如庄公之梦蝶。这样得到的作品才是有灵魂、具灵性好作品 |
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