前几日朋友们一起谈起摄影与美术的关系，尤其是激烈地争论到一个话题：学习摄影是否必须要学习美术？因自己早年学习过20多年的美术，也在四川美术学院混过几年，主攻油画，同时也端了二十多年的照相机，算是对绘画与摄影都有一点了解。为回答朋友问题与了一个《从摄影、美术、PS的关系说起》的帖子。
美术是人类最古老的艺术，发现人类史前的岩画比文字古老得多，美术早已形成了自己坚实而厚重的系统理论、也留下了无数优秀的经典绘画作品以及各种艺术流派；而摄影的历史只有100多年，且在很长一段时间内，人们是以一门机械技术来看待摄影的，或认为摄影只是美术的一个附庸品，直到近代才被广泛承认是一项独立的艺术门类。 不可否认，摄影的各种流派和形式都与美术的流派和形式密切联系，几乎总是先有美术流派后有摄影流派，这是因为美术历史和文化渊源太长太厚了，摄影与美术又同属视觉造型艺术，摄影艺术自然要从美术理论和美术形式中汲取丰富的营养。 但正如我们看到的那样，摄影也有自己不同于美术的独特艺术魅力。希望大家从中了解美术流派和摄影流派的来源与发展。 特别需要指出的是，不要认为真实客观性是摄影艺术的唯一特性，摄影除了新闻工作和纪实性作品必须要求客观真实外，绝大多数摄影作品并不是对客观真实世界的反映，而是人们借助于照相机这个工具来表达自己对客观世界的主观感受和情感思想，如影楼婚纱、艺术人像拍摄、商业摄影等等，都渗透着摄影师或被摄影主体预先已策划的创作思想和情感，尤其是后期的有意识处理和现在的PS创意作品，都是属于摄影艺术的范畴。 但我们大多数摄影师和摄影爱好者在欣赏摄影作品时，都自觉或不自觉地仅以纯客观真实这个唯一标准来看待和评判，这显然是太过于窄小了，这反映出我们大多数摄影人对世界摄影的各种艺术流派并不了解，尤其是对美术和摄影的关系不了解，所以我们需要多了解一些美术史与摄影史，做到对摄影主流艺术派别有大致的了解和鉴别，才不至于到处开黄腔、不懂装懂被行家轻视，同时，也能够极大提高和拓宽我们创作摄影艺术的思路和手法。 就摄影而言，与美术是有相同相通的地方，但也有明显的区别，就是因为摄影与美术有显著区别，所以才自成一家，摄影有着自己独立的艺术理论基础和技术技法体系。
相同的方面主要有： 1、都是属于视觉画面造型艺术； 2、都是运用构图、空间、色彩关系来记录、描述或表达自己在一定空间和时间对客观世界物体的感受，并以此传递给大众； 3、两者都同属美学范围，都能在不断实践中提高自己或大众的审美情趣和审美能力。 不同的方面或主要区别有： 1、材料或工具不同。美术家是运用画笔、颜料、纸张、布料、木料、泥料、金属等等多种物质材料塑造客观物体；摄影师则是运用照相机、胶片、电子感光材料、计算机、后期处理软件等记录或复制客观物体； 2、技术或技艺要求不同。画家或雕塑家对形体和色彩的表达主要依赖于自身能力，这种能力需要经过长期刻苦的训练才能达到心手合一，正是这一点决定了美术只能是少数人的阳春白雪；而摄影必须依赖于照相机和镜头，相对于绘画与雕塑技能而言，尤其是随着现代照相机自动化技术的飞速发展，摄影技术比较容易掌握（当然，真正精通也是很难的，如摄影前期拍摄技术、对摄影镜头选择与运用、胶片后期暗房冲印技术、数码后期处理技术等），也是由于这点，摄影是可以普及到大众化的艺术。 3、选择的自由度不同。虽说两者都是做减法，但画家对画面构图形式和色彩的选择是完全自由的，可以任意增减画面需要或不需要的东西，可以长时间精心考虑和推敲画面所有元素构成，以达到符合自己心中的主观愿望为止，主观性较大；而摄影师面对的是客观真实世界，他在取景时不可能任意增加和减少画面物体（但摄影室或影棚的除外），客观性真实性较大。 4、创作作品的时间不同。一幅绘画作品可以是几天、几月甚至几年，也可以完全推翻重来，画家可以反复考虑和思索；而摄影则是决定性的那一瞬间，摄影师必须具备比画家更加敏锐的发现和审美眼光，尤其是纪实摄影或摄影记者，往往机会稍纵即逝，并且具有不可复制和逆转性。 我们搞摄影，主要是注意汲取与美术相同相通的那一部分，不仅是美术，也要从音乐、诗歌、小说等其它艺术形式中汲取营养，这些都可以启发和帮助我们更好的进行摄影艺术创作，相反美术和其它艺术形式也是一样，也有许多美术家从摄影艺术中汲取营养。摄影虽然历史较短，但其技术性与艺术性并不比美术差半截，也有自己的理论体系和学习方法，《纽摄》就是摄影界公认的权威教材。 一位著名画家肯定会具有较强美术理论、较好的审美眼光和过硬的绘画综合能力，但如果他不懂摄影技术（包括前期技术与后期处理），就是给他一部最好的照相机也同样不能创作出优秀的摄影作品。 有一些朋友总是认为美术的地位比摄影高，搞美术的才是真正的艺术家，是阳春白雪，搞摄影的是大众爱好，属于下里巴人，一些搞美术的甚至认为摄影不能算成是艺术范围，摄影是美术派生出来的工具或附属品。其实这种观念是极其荒谬和错误的观念。但有些摄影人自己也这样认为，这就有些悲哀了，妄自菲薄，自己瞧不起自己。 学习摄影或搞摄影艺术，如果具有美术基础不可否认占有某些方面的优势，但完全不懂美术没也有关系，在摄影教程和摄影实践活动中，你同样也能学习和掌握到这些基础理论和美学常识。 看看世界上那些公认的摄影大师们，懂美术的大师当然有，如被誉为“新闻摄影之父”的法国摄影大师布列松在中学时代学习过美术，也只能说是略懂一点，但同时期伟大的战地摄影记者罗伯特·卡帕则根本没有学习过任何美术，风光摄影大师安塞尔·亚当斯早先学习过声乐也没学习过美术，但他的构图水平和对黑白灰关系、明暗关系的处理是美术家们学习的经典样板，世界上更多的伟大摄影家等都没有接受过美术专业教育。所以，学习摄影必须要学习美术的说法是没有道理的。 美术具体来讲有五大基础：素描、色彩、速写、创作、设计。参加高等美术学院高考时主要就是这五种专业考试。也有些高等美院只考素描、色彩、创作这三样，四川美术学院78年恢复高考时就是这三项再加政治和语文，后来又加上了速写与外语。
素描：任何高等美术学院必考科目之一，主要是指用铅笔、碳笔描绘物体的能力，一般从静物写生开始，要求表达物体的明暗关系、层次关系和空间关系，也有人归纳为“三面五调”，素描能力是美术家基础的基础，它也包含着其它如构图关系、透视关系等基础性的训练，素描基础越扎实，其它能力也就越强。学习素描基础一般需要10到15年左右的时间，通常都是从七、八岁幼儿开始进行，跟学钢琴、舞蹈一样，太晚了一般就很难学得扎实与精通了。而且素描能力的训练是一辈子的事情，如果放弃一段时间不练素描，能力就会下降。 色彩：美术高等院校入学考试的重要必考科目之一，它主要是考察学生对色彩的观察和认识、正确理解和正确运用色彩的能力。但必须认识到，素描才是色彩的基石。素描基础打好了，色彩也就成功了一半。色彩主要有红黄蓝三原色，冷暖关系、对比关系、强弱关系、补色关系、反射关系。调色搭配训练等等。 速写：顾名思义是一种快速的写生方法。速写是中国原创词汇，属于素描训练科目的一种。速写同素描一样，不但是造型艺术的基础，也是一种独立的艺术形式。速写不仅是画家创作的准备阶段和记录手段，更重要的是训练画家眼、手、脑协调一致的基础能力。现在的美术学院的许多学生懒散了，很不喜欢速写训练，都改用数码相机搞速写记录了。 创作：美术各种能力的综合展现，更重要的是考察艺术创意思想和艺术天赋。 设计：跟上述差不多，但主要是偏重于商业实用设计，搞设计的一般就比较现实，相对赚钱也比较丰厚。而搞纯艺术的往往很穷，毕竟象齐白石、徐悲鸿、吴作人那样具有艺术天赋和国际影响力的大师太难产生了。 绘画与摄影有天然联系，最早的照相机就是画家们设计的，如果你看看世界上最早的摄影作品，完全是按照画家们的构图和要求来进行的，有的简直就是绘画作品的翻版。 绘画与摄影有哪些相同和不同，下面是摘抄的著名画家叶浅予有关“绘画与摄影”的论述： 1、“表现一瞬间的诗情画意，（即“一眨眼的美”）诗人和画家有时候需要经过反复的推敲和经营，才能够完成他们的创作。要推敲，要经营，要构思，摄影家的劳动似乎比诗人、画家简单得多，他只要按一按快门，全部景物都映上了感光片。但是，摄影家的劳动并非只是按一按快门而已，他们的劳动主要在于按快门之前的复杂的构思的过程，这和诗人和画家是一样的。但是这个过程，远非诗人、画家可以那样从容不迫，从事反复的艺术加工。摄影家在对象面前的思维活动要在很短的时间内做出决定，不然的话错过了这一瞬间，机会就失掉了，就永远追不回来那个最好的他所心爱的镜头了．．．．．． 2、摄影家的眼睛应该比画家、诗人敏锐的多，他们能够立刻判断事物在运动中的典型形态，并且要用绘画构图的处理方法，立即确定取景的距离和角度，在这转瞬之间，还得作测光啊，测距啊，选择角度等等技术性的考虑来完成一件摄影艺术作品。摄影家要求立刻解决问题的能力不是天生的，是从实践中间培养起来的。能力的培养要讲方法。第一，你要对客观事物感兴趣，要热爱生活。第二，要辨别客观事物的美与丑，懂得取舍，在此基础上逐步提高自己认识生活的能力。第三，对生活要有自己的看法，不能人云亦云，抄袭人家的东西。摄影家要有一双审美的眼睛，一副审美的头脑，在对象面前，要思索对象的意义。这种思索要到生活实践中去锻炼。” 彩色与黑白 3、一张黑白的画，一张素描，一张白描，一张水墨画，摆在很多色彩鲜艳的大厅里，它就很突出，尽管数量少，感到孤单。但是在色彩缤纷中间黑白的东西特别响亮，特别引人注目。所以我比较乐观的说黑白照片的前途是光明的，艺术水平是高过彩色照片的。我是画中国画的，中国画历来的理论就是墨分五色，从极浓到极淡的层次，就是代表色彩。如果满眼都是颜色，你的感觉怎样？红的、绿的、黄的、蓝的各种色彩一天到晚在你眼睛里脑子里晃悠是很不舒服的。我们作画的讲调子，是暖调子、冷调子还是灰调子，有时候要讲对比，强烈的对比本身，它也形成一种调子，几种颜色综合以后基本上还是个灰调子。从这个原理来讲，黑白的东西是最根本的东西，你把黑白的关系处理好，你才能把色彩处理好。作为艺术来讲，黑白片的艺术性要比彩色片的艺术性难以掌握得多。应该承认黑白片具有不可动摇的艺术价值。 学习摄影是否必须要具备绘画基础和能力？ 如果是一般喜好摄影并不需要，凭大众教育接受的普遍应当具有审美观也就行了。但如果你想在摄影上进阶或搞出点成就，如从事商业摄影、艺术摄影等等，则一定多少要懂得一些美术方面的基础东西。如构图、透视、色彩、黑白灰关系等等，再高深些就是读一读世界美术史、美术流派和东西方美学思想，因为摄影历史较短，有许多理论是从美术传承过来的，这些跟摄影许多方面相通相联、是一致性的。但我们强调懂得美术基础并不需要你拿起画笔来亲自学习绘画，说实话你也不可能有这份时间、耐心和精力。我认为摄影人要懂得些绘画基础，主要还是指平日抽些时间看看美术方面的基础书籍，尤其多看一些世界各种流派的优秀绘画作品，耳努力培养自己的艺术细胞，关键是有意识地培养和训练我们发现美的一双眼睛，也不必专门购美术书籍，这方面的基础知识网上多的是，还是多读、多看、多思。
美术确实有很多艺术流派，但不管那一类流派，前提都是建立在扎实的素描、色彩和速写基础之上。学习美术一般从临摹和几何石膏静物写生开始，只要经过几年正规扎实基础训练，要画出唯妙唯俏的对象是非常容易的事情，绘画做到形拟是最起码的能力，可以说参与高等美术学院考试每个考生都基本上具备这种“画得很像”能力，真正难的是既形拟又神似，反映出精神内涵，但如果没有扎实的基本功，连一个鸡蛋也画不像，什么流派都是白谈。
另一个误解是对美术流派的误解，有些朋友看到一些抽象派作品中，有的美术作品抽象得完全看不懂，不知道是描绘的什么，甚至一大堆线条和色彩的堆砌，于是认为美术很简单，就是乱涂乱抹。美术界长期也存在许多争议，如对抽象派、印象派都有许多不同的评论和看法。有些画家自己对其它流派的东西也不读懂，如一头经过训练的大象用鼻子涂上颜色在纸或布上乱涂一通，然后就成了美术作品。 有人说凡高是天才画家，也有人经考察后讲凡高是天生色盲，加上神经有些不正常，所以经常用原色直接作画，色彩鲜明而带有抽象意味的凡高，倒是主观印象派的天才大师，这是公认的。但早年的凡高是现实主义画派，其基本功非常扎实。 现实主义画派作为一场艺术运动，是与法国1848年革命同时出现的。画家库尔贝和理论家尚弗勒里是其精神领袖。现实主义主张坚决如实的表现画家所处时代的风格、思想和面貌，其中至关重要的是真诚。“现实主义”在西方语言中也可指艺术写实的手法。所以也有人把“现实主义”称为“写实主义”，但这是不完全正确的理解，现实主义不等于艺术手法上的完全写实，这儿的“现实”主要指对现实社会的真实反映和描绘。与此相反的是古典学院派，他们在艺术表现手法是非常注重写实的，但绘画作品中多反映的是欧洲宗教中的神话人物或故事，与现实社会没有任何关系。 超现实主义画派，是受到弗洛依德的精神分析影响，致力于发现人类的潜意识心理。因此主张放弃逻辑、有序的经验记忆为基础的现实形象，而呈现人的深层心理中的形象世界，尝试将现实观念与本能、潜意识与梦的经验相融合。 超级现实主义是20世纪60年代后期在美国兴起的一种新的艺术流派，这个流派的艺术家反对抽象艺术的潜意识情感和在造型中不表现具体物象的作法，他们认为应该排除画家的一切主观意念，做到纯客观地、真实地，甚至像摄影那样的再现物象，所以又称之为“照相写实主义”。所以超级现实主义不属于超现实主义。 印象主义是19世纪60一70年代以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒是反对陈陈相因的古典画派和沉缅在中世纪骑士文学而陷入矫揉造作的浪漫主义。印象主义吸收了柯罗、巴比松画派以及库尔贝写实主义的营养，在19世纪现代科学技术尤其是光学理论和实践的启发下，开始注重在绘画中对外光的研究和表现。印象主义画家提倡户外写生，直接描绘在阳光下的物象，印象主义又称为“外光派”，从而抛弃了从16世纪以来变化甚微的褐色调子，根据画家自己眼睛的观察和直接感受，表现微妙的色彩变化。印象派强调对客观事物的直接感觉和印象，反对因循守旧，主张艺术的革新。绘画技巧上对光和色进行了大胆有益的探讨，研究出用外光描写对象的方法，并认识到色彩的变化是由光色造成的，色彩是随着观察位置，受光状态的不同和环境的影响而发生变化，同时把这种科学原理运用到绘画中去。根据观察和直接感受表现微妙的色彩变化。给后来的现代美术和摄影光学理论以极大的影响。 野兽主义是自1898至1908年在法国盛行一时的一个现代绘画潮流。它虽然没有明确的理论和纲领，但却是一定数量的画家在一段时期里聚合起来积极活动的结果，因而也可以被视为一个画派。野兽派画家热衷于运用鲜艳、浓重的色彩，往往用直接从颜料管中挤出的颜料，以直率、粗放的笔法，创造强烈的画面效果，充分显示出追求情感表达的表现主义倾向。
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这就是摄影界至今仍非常推崇的“伦勃朗光”。 城市贫农 上传了这张照片:
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这是正午下的顶光运用，文革结束后“伤痕文学”的代表作。
四川美术学院院长罗中立的著名作品《父亲》 城市贫农 上传了这张照片:
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绘画主义摄影作品，早期的摄影作品几乎是绘画的翻版，无论是主题内容、构图、人物摆布同古典派绘画如出一辙 城市贫农 上传了这张照片:
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这是典型的古典唯美派摄影作品。 古典学院派，在表达手段上非常写实，画面构图严谨、色彩搭配唯美，不愧是人类美术史的最经典之大成，你几乎找不出任何明显的问题。摄影基础理论在构图、用光、色彩受古典画派影响很深，如构图上著名的“黄金分割线”，摄影师在用光上经常使用的著名的“伦勃朗光”，就是从17世纪著名的荷兰油画大师伦勃朗创作的一系列古典油画中命名而来的。所谓的“蝴蝶光”则受拉菲尔、提香等女性作品用光的很大影响。 但古典画派往往在创作主题思想与表达内容上完全与现实社会脱离。 城市贫农 上传了这张照片:
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现实主义摄影作品《亲德的法国女人被剃光头》，真实地反映了二战法国被盟军解放后，人们对亲德妇女的一种羞辱性惩罚。作者便是大名鼎鼎的“决定性瞬间”理论家和“新闻之父”的布列松。 城市贫农 上传了这张照片:
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现实主义作品主要特征，是现实主义画家们对他们所处那个时代现实社会生活或重大历史事件的真实反映，往往具有极珍贵的史学价值。现实主义摄影家提倡绝对客观真实地纪录，摄影师不能干涉和影响拍摄对象，真实就是力量。 我国无论是美术或摄影，受现实主义影响极大，也跟毛泽东主席提倡的艺术要反映现实社会的主流观点密切相关，特别是在改革开放以前，艺术界对除现实主义绘画和摄影以前的各种流派和观念几乎是一律排斥的。 城市贫农 上传了这张照片:
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如果你不了解超现实主义绘画，就无法理解超现实主义摄影，这幅胶片早期非常著名的摄影作品，可算摄影作品最早的PS。 城市贫农 上传了这张照片:
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这儿顺便介绍一下达达主义摄影作品，它是超现实主义摄影的前身，超现实主义与达达主义有着千丝万缕的联系，甚至可以说“后达达主义摄影”与现在国内外摄影界正盛行的创意PS作品也有密切联系。“ 达达主义”原本是二十世纪初，在瑞士苏黎世兴起的一种激进的、带有强烈虚无主义色彩的现代文艺思潮。“达达” 原来是法语中婴儿说话中发出Da-Da的音节，没有含意。作为文艺流派的用语，最先出现在文学领域中的诗歌创作。它的思想特征是∶厌恶战争，反对战争；叛逆阶级统治；无政府主义倾向。其艺术观念的本质是∶崇尚虚无，蔑视理性和传统；鄙弃美学规律，主张“废除绘画和所有审美要求”，信奉巴枯宁的“破坏就是创造” 的思想；崇尚非物质的非客观的“真实”，实质是倡导主观抽象。于是诗人们用破碎的艺术形象、零乱的艺术语言创作，使诗作象梦呓，令人不可解读。“达达主义”的冠名即由此而来。 1918年，摄影领域中也相继出现了“达达主义摄影”流派。倡导者是摄影家曼瑞（MAN RAY）和L．M．纳吉两人，但其思想启蒙可溯源到1915年A．斯蒂格里茨和E．J．斯泰肯在达达主义画家M．杜桑(M．DUcHAMP)协助下创办名为《291》刊物上对达达主义美术的介绍。“达达主义摄影”的首次摄影作品展览于1919年在美国举办。这一摄影流派的创作方法大都将印刷品（如报刊）碎片和其他实物影象拼凑粘贴在一起再翻拍而成的。由于这些作品内容晦涩、含义不清，画面结构怪诞，不符合大众长期形成的审美习惯、审美趣味和价值取向，加之又没有形成自已的理论支持，故而从1924年开始不到三十年代就被“超现实主义摄影”所取代。 城市贫农 上传了这张照片:
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达达主义摄影作品，超现实主义摄影前身。 城市贫农 上传了这张照片:
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超级现实主义，纯粹自然主义者，提倡对自然绝对地写实和模仿，不能渗杂任何作者的思想，这类作品甚至比摄影作品还要写实，超级现实主义与超现实主义虽然只有一字之差，但两者的创作思想和表达手段完全不同。 在摄影方面，超级现实主义发明了“辐射光描法”做试验，把物体直接放在感光照相纸上曝光，使它显现出来，美国摄影家曼 · 瑞 1922年出版的《美妙的田野》一书中就有一组“辐射光描法”的作品。在30年代，他又通过让底片曝光过度或不足的方法，使照片产生出种种奇妙的艺术效果。 城市贫农 上传了这张照片:
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印象派作品，非常注重光与影的研究和表达，对现代美术和摄影光学理论的贡献和影响极大。 城市贫农 上传了这张照片:
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野兽派以极其强烈、鲜艳的色彩突出作品的个性，强调色彩本身的特性和个人情感的强烈表现。 城市贫农 上传了这张照片:
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如今国内外流行PS创意作品中的许多创意思想和表现手法，都来源于美术艺术流派中的达达主义、超现实主义、抽象派等作品的启发。 城市贫农 上传了这张照片:
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如果说前面两幅多少还能读懂一些内容，后面几幅你肯定就难以理解了，我也不知作者想要表达和传递什么，或许就是要你读不懂作者的意图，让你充分自由想像，想到什么他就是什么，这才是正宗的抽象派作品。 城市贫农 上传了这张照片:
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这是非常著名的一幅抽象派作品，它的作者就是傍边的棕色马。 城市贫农 上传了这张照片:
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著名的“大象抽象派艺术”作品 城市贫农 上传了这张照片:
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主人伊丽莎白-莫娜塞利看Ziggy作画 城市贫农 上传了这张照片:
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Ziggy的抽象画需求量很大，美国加州3岁多大的“京巴狗”Ziggy用口衔着画笔画的抽象画每幅能卖得170英镑，而且需求甚大，艺术界都啧啧称奇。 城市贫农 上传了这张照片:
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抽象派作品排斥任何具有象征性、文学性、说明性的表现手法，仅将造形和色彩加以综合、组织在画面上。因此抽象绘画呈现出来的纯粹形色，有类似于音乐之处。 城市贫农 上传了这张照片:
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