这是一个充满英雄主义的悲剧场面，画家以极大的虔诚歌颂他理想中的英雄人物。横竖在画面中心的刑具构成十字架式，刽子手们正在使劲吊起失去反抗能力的费利佩，他无悔无恨、仰望苍天，像基
Supper at Emmaus 《基督在以马忤斯的晚餐》布面油画 1601－1602年 139×195cm 英国，伦敦，国立画廊
从这幅作品开始，我们的欣赏之旅就要进入17世纪。对于每一位绘画爱好者而言，这个世纪的艺术都很有看头。经过二三百年的文艺复兴，画家已经充分掌握了如何去再现一个真实世界的技术，而且他们在塑造人物形乔治·德·拉·图尔：《忏悔的抹大拉》
The Repentant Magdalen 乔治·德·拉·图尔《忏悔的抹大拉》? 1635年 64×48cm 美国，华盛顿，国家美术画廊
17世纪的画家对光线似乎有特别的兴趣，从卡拉瓦乔开始，无论是委拉斯贵支还是伦勃朗，他们都在努力从光与影的对比中寻找某种打动人心的东西。不过，在他们的同代人当中，有一位法国画家的探索仍然显得卓尔不群，那就是善于运用烛光的乔治·德·拉·图尔(George
Diana Resting after her Bath 弗朗索瓦·布歇 《浴后的狄安娜》布面油画 1742年 56×73cm 卢浮宫
图中这件《浴后的狄安娜》是布歇表现女人体的作品中最好的一幅。它的技法的确是法国绘画的骄傲。整幅作品可以看出布歇早年工作的影响，他曾作过舞台的装饰布景师。当时的歌舞剧都喜欢表现爱情这类主题。布歇让一束明亮而带
欧诺雷·杜米埃 《三等车厢》 布面油画 1860-1863年 65×90cm 纽约大都会博物馆
如果说维米尔、米勒对平凡事物的描绘确实给观众带来一种美的感受的话，那么将《三等车厢》列为艺术史的名画，恐怕有些人就会觉得不好理解了。这有什么好看呢？黑乎乎一片，即使有一些光从窗户照进
鲁本斯 《爱的花园》（1632－1634）画布、油彩 198*283公分 收藏地点：马德里普拉多美术馆
这是一幅充分表达肉欲享受的作品。整幅画被金黄色的明快、温馨气氛所围绕，人物造形也展现出鲁本斯强劲、洗练的笔触，让画中随意或站或躺于草地上的人物栩栩如生，摆脱了他早年在人物造形上，与雕像或纪念碑雷同的情形。
鲁本斯的画风承袭自
拉图尔 《弹四弦琴的人》（1631－1636） 画布 油彩 162*105公分 收藏：法国南特尔美术馆
拉图尔简介：
拉图尔（Georges de La Tour 1593－1652）：在艺术史的长河中，拉图尔是一位非常神秘的画家。他在世期间可谓名利双收，但死后却默默无闻。拉图尔生活在战乱的年代，故乡饱受战争摧残，因此生平鲜为人知。他的作品含蓄、静谧、无论是探讨生死或是宗教画的主题，都带着一股神秘感。然而在那个世纪中叶，巴黎的艺术鉴赏品味发生了变化。凡尔赛式的宫廷风格开始吃香，拉图尔生动的古典含蓄风格不再时髦，因而逐渐被人们遗忘。
《弹四弦琴的人》说明：
这幅作品是拉图尔最有名气的作品之一，是一幅杰出的风俗画，这绝对不是画家在画室中能够独自苦思出来的作品。拉图尔以朴实的写实主义手法，充分展露他对绘画技巧的成熟掌握。精确描绘的所有的细节，显示他对当时社会现象的同情与关怀。
流浪琴师饱经风霜、受尽战争蹂躏的凄苦神情；透过对服装与材质皱褶的细腻描绘，典雅而逼真写实的四弦琴，停在挂带上栩栩如生的苍蝇等等，勾勒出因战争而落魄的豪门贵族凄惨的处境，同时处处展现拉图尔对人物观察的细腻与用心。
1931年之前，没有人敢断言这是拉图尔的作品，而这幅画先后被许多声名显赫的人收藏过，一度还成为大作家司汤达的珍藏品。身为卡拉瓦乔的弟子，他继承了老师了写实的方式来描绘人物的笔法，不落俗套的创作方式，比意大利画家少了一些戏剧性，却也多了许多深刻的怜悯心。
拉图尔：《木匠圣约瑟》 画布、油画（1632－1634） 137×101公分 巴黎 卢浮宫
《木匠圣约瑟》是拉图尔艺术成熟期的杰作之一，称得上是17世纪的绘画杰作。
从17世纪中叶起，反宗教改革的人特别崇拜约瑟，把这位耶稣的世俗养父的地位排在仅次于圣母玛丽亚之后，拉图尔把圣约瑟画成身材魁武伟岸，可说是非常确切。他弯着腰，大手紧握着工具，肌肉突起，汗珠在手臂和额头上闪着光，显示他正在努力地工作着。
年幼的耶稣头上没有神所特有的光环或其他任何外表装饰物，他举着一支蜡烛，这支蜡烛是画面上惟一的光源，就像耶稣是世界上惟一的神灵之光的光源一样。耶稣幼嫩细腻的肢体白里透红，就像一股从体内向外自然放射的光芒一样，拉图尔只有在画神的时候，才会使用这种技法。木匠正在加工的那块木头，在这里象征十字架。
拉图尔可能与圣方济会交往密切，因此这幅画的主题不仅反映出对表现日常生活情景的兴趣，也反映出圣方济会教徒对圣约瑟、童年的耶稣和十字架的特殊情感。
拉图尔《算命者》 画布、油彩 102×123公分 纽约 大都会博物馆
真正由拉图尔署名的画很少，因而很难准确说出这幅画的创作日期。 画中人物近乎静止不动，不论正面像或是侧面像，这几个站着的人靠手臂、手掌和眼神连成一个整体。那个年轻人（从华丽的服装来看，很可能是一位贵族），把注意力全部集中在那个面容枯槁的老吉卜塞算命人的身上，一点也不理睬她那几个年轻的同谋。站在他左边的那个女孩正在割他金链条；另一个女孩在偷他的钱包，准备转手给第三人（那第三人在阴影里伸着手，准备接过钱包）。
这是一幅涉及道德问题的画。有钱的年轻人愚蠢至极，被老吉卜塞人的诡计给迷惑了，而那几个年轻美貌的同伙则趁虚而入，偷走了他的钱。
苏巴兰 《拿撒勒之家》 画布、油彩 165×230公分 收藏地点：克利夫兰美术馆
苏巴兰对少年耶稣被蓟花冠刺伤手指的题材相当感兴趣，他曾为此画一幅《少年耶稣手执蓟花冠》，后来又将它发展为《拿撒勒之家》。
年轻的耶稣在家中用刺蓟编织花冠时，手指被蓟刺刺伤而流出血来，坐在他旁边的圣母玛丽亚，转过脸来看着他，温柔的表情及忧伤的泪水，诉说着她仿佛已经从儿子手指上的鲜血，预见他戴着刺苏花冠，步向死亡之路的景象。
画中，耶稣脚旁的盆子、桌上的书及水果、半开的抽屉、圣母脚边的针线篮，这些纯朴的房间摆设，看起来像是在描绘一个普通的家庭，但少年和母亲所流露出的哀伤情调改变了画面的感觉。画面左上方金黄色强光中隐隐浮现的天使，似乎在告诉人们，耶稣的死亡之路，上帝必与之同在。
苏巴兰有浓厚的宗教意识，这种虔诚、敦厚的个性也反映在他的画中，使他的画面充满活力及深厚的宗教信念。
苏巴兰：《牧人来拜》 画布、油彩 261×175公分 收藏地点：格勒诺勃美术馆
这幅画是苏巴兰为在赫雷斯.德.拉.弗朗特拉的护卫圣母玛丽亚卡特尔教会大殿堂所创作的系列画中的一幅，是典型的追求捕捉神圣感的作品。故事的主角圣婴耶稣位于画景的中央，圣约瑟和圣母围绕在他两旁，圣母将他轻轻托起。天使和牧羊人环绕着他们庆祝，有人崇敬地献上羔羊，有人欣喜地献上鸡蛋，他们有的看着圣婴，有的互相问候致意，还有人面朝观画者，仿佛是在邀请我们一同参与盛会。
画的上方是一群可爱的小天使坐在云端上合唱，一位美丽的天使在右上方弹琴，天使身上的红色衣服、圣母玛丽亚的粉红色衣服，以及左下角手持鸡蛋篮妇女的红色裙子，这三个红色区块构成对角线，联结整个画面，象征人世和天堂的联系，圣约瑟、圣母温文儒雅的气质与百姓的质朴憨厚形成对比，显现出两人被上帝挑选为圣徒的神圣性。
苏巴兰 《贡萨洛·德伊列斯卡斯教士》 画布、油彩 290×222公分 收藏：瓜达卢佩修道院
这幅画是苏巴兰为瓜达卢佩修道院所作的十八幅油画中的一幅，画中人物是国王卡斯蒂利亚.胡安二世的忏悔牧师，也是科尔多瓦的教皇。这幅肖像画被认为是苏巴兰一生中最重要、最有意义的作品之一。
苏巴兰十分精确地掌握住画中人物的永恒魅力。在这幅特别强调颜色、寓意、光线的使用、外景与内景空间关系的画作中，他透过人物的举止来显示这种永恒性：德伊列斯卡斯教士脸上似乎被闯入者所惊动的表情、暂停工作而半举的右手、投向闯入者的严厉目光等等。表现力强劲和心理状态描写深刻正是这幅肖像画之所以重要的原因。
除此之外，背景的每样东西也都是具有其代表意义：窗台上的书与苹果，提示人们应注意科学问题；骷髅头跟沙漏，暗示万物衰老死亡的过程；交叠在一起的书本，是要人们注意追求智慧所需的努力；小狗则是忠诚的象征。这些景物透过逆光造成的明亮效果，让画面充满一种和善的气氛。
凡·代克：《画家佛兰斯·史奈德和夫人》 画布、油彩 82×110公分 收藏：卡塞耳 国立艺术馆
这幅肖像画是夫妇肖像画的典范，当中的主角是凡·代克的朋友。整幅画像中，人物占满了画面，只留下很少的背景空间，使他们就像是突然出现在我们视线中似的。画中两人的手上下交叠在一起，显露出鹣鲽情深；他们的衣着样式严肃，却很阔气，男士的蕾丝花饰、女士胸前的华丽刺绣及大圆形绉领，显出衣着雅致高贵，披风和衣衫的黑色调深浅相间、错落有致；而飘荡在两人间的气氛，甚至渗透到背景中远方的景致里；精准描绘的人物表情，则将观画的人拉进他们谈话的世界里。构图在表面上看似简单，实际上却是经过精心安排的，背景中的梁柱让人物和背景呈现对称状态。
凡·代克大量运用中间色和灰色，以冲淡鲜艳色彩的浓度。而在黑色衣衫处理上，则使用了蓝灰的明亮色调，以点出衣衫上的褶痕效果；棕色背景上，则直接使用浓厚的白色绘出外翻的蕾丝衣领和袖口；至于额前的头发，乃是先以淡色上彩，当颜料还在潮湿状态时，即以暗色轻轻掠过，这种技法在画中处处可见。
凡·代克《画家马尔腾·皮平像》（1632） 画布、油彩 收藏：安特卫普 皇家美术馆
凡·代克自1918年开始大量帮人绘制肖像画，他不但笔法别具一格，时间分配更是相当细腻，不论是摆姿势、打草稿或上色，一天工作不到一小时，只要他的钟表告诉他一小时已到，他就会站起来一鞠躬，然后让他的助手来收拾画具他总是大笔勾勒出人像的线条，然后交给其他助手们来绘制衣裳。如此有条理的作画程序，让出自凡.代克画室的肖像画能够维持相当整齐的水准，一直到今天仍令人赞赏。
但与凡·代克的其他肖像画相比，这幅却与众不同，凡·代克特别注意脸部的线条，他对于人物脸部的表情相当感兴趣，透过表情的描绘，把人物的心理活动呈现出来。这幅画的肌肉表情，即表现出凡·代克更为成熟的技法。
委拉斯贵支 《塞维利亚的卖水人》 （1620） 画布、油彩 106×82公分 收藏：伦敦 威灵顿博物馆
这是委拉斯贵支早期的作品，旨在表现百姓的生活场景，绘画手法是来自卡拉瓦乔自然主义风格和光线效果。
卖水人在西班牙南部地区是常见形象，也是16－17世纪流浪汉小说中常出现的主题人物。此画和典型的西班牙室内风俗画十分接近，都是用突出的静物来表现小酒馆或厨房的内景。
这幅画的结构是以垂直的中轴线划分，右侧是着长袍的卖水人和前景的大瓦罐，左侧是拿着水杯的小男孩，他的脸正好从暗处转向明处。两个人物之间的联系是两只碰在杯子上的手，让画面产生动感和纵深感。委拉斯贵支特别着重于卖水人的脸部，透过线条、表情、皱纹和脖颈上的皮肤褶皱，突显了这张脸庞的所有特点。他花了大量时间精心描绘玻璃杯，这个玻璃杯的反光和男孩暗沉的衣着形成强烈反差。
画家照例在画中使用暖色调：褐色的背景，两个赭黄的水罐，以及用来勾勒卖水人壮实身躯的红砖色长袍，成功地突显出画中主题
委拉斯贵支 《八岁的小公主玛格丽特肖像》（1659） 画布、油彩 127×107公分 收藏：维也纳艺术博物馆——委拉斯贵支具有透视人性的能力，擅于观察人物的气质和个性，并深入其内心世界，为我们揭示出最深沉、最可敬的一面。长期为皇室成员绘制肖像画的委拉斯贵支，不论是画国王，还是宫廷小丑、侏儒，他都同等看待，用平等心理来审视他们，正因如此，他的肖像画具有高度的感染力。
小公主玛格丽特五岁时，是《宫女》一画中的主要人物，在这幅画里她已经八岁了。三年的时间，让玛格丽特原本无忧无虑的天真神态，转而散发出成熟尊贵的气息，脸上还多了一股忧郁气质。小公主披着一头金发，身着蓝色系礼服，头戴绿色的发结，画中的皮手套、纺织品、长裙褶边和饰带等，都有助于加强小公主的整体效果。小公主细致、吹弹可破的肌肤，也是委拉斯贵支精心刻画的杰作。
就像委拉斯贵支所有的皇室肖像画一样，这幅画里的人物表情深具个性，局部描绘细腻、华丽，向我们展示了贵族雍容华贵、高尚优雅的姿态。
提埃波罗 《博士来拜》（1753） —— 这是提埃波罗成熟时期的作品，宗教题材变成了一首神圣的赞颂曲，人物的姿态、表情充满了戏剧性。画面运用了舞台布景手法，在近景处，站着身穿红衣的东方博士，右边稍靠内侧的是一位跪着的侍从，他旁边是另一位身穿白色长袍正在祈祷的东方博士，紧邻着具有象征意义的人物——－圣婴，接着依次为圣母和圣约瑟。
画面以几根木头，加上一道阶梯来作背景，几级石阶和用简单笔法勾勒出来的建筑物屋檐，主要人物就在这整个场景上活动着。
此外，从人的的姿态上可以看出，他们显得有些吃惊，两位东方博士正向上帝之子献上他们的礼物，并依照传统的画法，把王冠放在他的脚下；抱着圣婴的圣母，微仰着的脸闪耀着光辉，而最后一位主角——圣约瑟则伸开双臂，接受这几位尘世间的显贵的参拜。
提埃波罗赋予了画中人物富于个性的姿态和面容，圣母的脸庞温柔而自信，圣婴胖胖的脸蛋与小天使的脸有着相同的气息，东方博士的眼神显得相当超然，下巴尖削的博士与圣婴对望着，充满了戏剧效果。
提埃波罗：《西班牙之頌》（1762－1764） 创作媒材：湿壁画 尺寸：2700＊1000公分 收藏地点：马德里.奥连特宫—— 1762年６月，经过两个月的旅行，提埃波罗和他的两个儿子姜多明尼克和罗伦佐来到西班牙。他随身携带著装饰马德里王宫主殿顶棚的设计草图，这份草图也就是《西班牙之颂》的构想。
由於当时提埃波罗年事已高，加上手上还有其他的画作要赶，所以此画是与他儿子们一起绘製的，两个儿子也延续了父亲均衡与严谨的构图手法与绘画风格。
在当时，马德里的城市气氛十分冷漠，但建筑格式却相当花俏热闹，不过提埃波罗还是坚持他对空间以及色彩的洁净风格。
主殿顶棚上的壁画，是为西班牙王朝歌功颂德之作，画面上有许多天使，四周环绕著西班牙各省產物来作为象徵。作品中甚至还有哥伦布从美洲带回贡品的歷史事件的描绘。画面以仰视角度，由下向上来突出透视的构图，以高大的石头建筑物来作为背景，烘托出前面的人物。顶端以大刀阔斧的手法，使景物逐渐缩小仿佛消失在白云深处，创造出画面的纵深度。
荷加斯 《時髦婚姻：早餐》（1744） 畫布油彩 68.5－89公分 收藏地點：倫敦 國家畫廊——荷加斯（william hogarth 1697-1764）：英國風俗畫的奠基者，他的作品富有都市氣息和資產階級的情調，擅長以喜劇風格為批判人性瘋狂的卑劣行為，真實，敏銳地重現最骯髒，最庸俗的社會黑暗面。這種具有小說性質的繪畫，在他之前很少見，他的作品繁多，其中又以群體畫像和歷史畫最為杰出，但提起荷加斯，人們最常見聯想到的還是他的版畫作品。
《時髦婚姻：早餐》说明：
18世紀中葉的英國社會非常功利，常常傳出經商致富的暴發戶和沒落貴族通婚的事.因為透過婚姻，他們其中一方可以獲取社會地位，另一方則能享有富裕的生活。看不慣這種情況的荷加斯因而創作了一組標題為《時髦的婚姻》的畫，來譴責這種風氣，《時髦的婚姻》共有六幅，依次是《婚約》、《早餐》、《訪庸醫》、《伯爵夫人早起》、《伯爵之死》和《伯爵夫人之死》，從富商之女嫁給失勢的伯爵開始，說著兩人歷經放蕩的生活（伯爵帶著染上性病的女孩訪庸醫，夫人和貴族們縱情享樂），終于釀成悲劇的故事，每一幅都鏗鏘有力地向世人表明：因為利益關係而結合是不會幸福的。
以這幅《早餐》為例，當時普遍的家庭問題發生在其中。時間已經十二點二十分（從墻上的鐘可以看出來），這對夫妻卻才要開始用早餐，做丈夫的剛剛走進家門，筋疲力盡地攤在椅子上，兀自失神，甚至沒發現他的妻子就坐在旁邊。他一定是荒唐了一夜，看看被丟在地下，不知何故弄斷了的劍就知道了。更糟糕的是，他的寵物狗還嗅著他衣服口袋里放著的女人內衣。透露出他昨晚去過溫柔鄉的秘密。而做妻子的拿著小鏡子伸懶腰，睡眼惺忪，地上散落著紙牌和樂譜，還有翻倒的椅子和樂器，顯然她昨晚也是通宵達旦。
圓拱分隔出的另一個廳堂里，仆人不太理會他的主人，邊打著哈欠，邊懶散地收拾椅子。站在拱門邊，拿著賬本的管家則一臉不以為然，對這一切感到無奈，往上翻的雙眼彷彿在說著：“這個家一定會破產的！”
如此，從壁爐上堆在一起的大小神像和風格差異很大的擺飾，以及那些硬把牆壁都挂滿的畫作，可以見得這家人的生活品味多麼低俗。
荷加斯 《时髦婚姻：伯爵夫人早起》（1744） 创作媒材：画布、油彩 68.5＊89公分 收藏地点：伦敦 国家画廊 ——已经成为伯爵夫人的富商千金，竟然肆无忌惮地在宾客面前公开要人为她梳妆打扮，为她做造型的还是要价昂贵的瑞士籍发型师呢！在享受发型师高超手艺的同时，一边还有慵懒地斜躺在沙发上的诗人博卡多罗，浮夸地为她解说屏风上的画。他的脚边有一个黑人小孩，正把玩著一堆奇怪的东方古物，手里那个鹿头人身的雕像，就是希腊神话中因骄傲地夸耀自己技术胜过猎神，而被猎神惩罚的阿克特翁。
名歌唱家乔瓦尼.卡雷斯蒂尼，也一早就来为伯爵夫人及她的客人们大展歌喉，替他吹笛子伴奏的是知名的德国音乐家韦德曼，人们都批评他“一生尽其所能取悦别人，却落得一场空”。
从在中间的那位夫人在乔凡尼的演唱中，陶醉到仆人从背后端上了咖啡都不知道，她旁边手腕吊著扇子的男人，也跟著打拍子。而她的丈夫福克斯.华恩先生，也就是坐在帘子旁、拿著鞭子的那位乡下绅士，竟打起盹来了。另外，看到那位上了满头发卷、蹺起脚喝咖啡的年轻男人了吗？他是普鲁士的外交官马歇尔，一向以性情骄傲、生活放荡闻名。
这批人一早就聚集在这里，不是昨夜没有回家，就是赋闲专事享乐，生活之奢靡可见一斑。以伯爵夫人早起梳妆的情节为起点，按照《时髦婚姻》组画的创作主旨，关注现实的画家荷加斯搬出从多当时有头有脸的人物充当这幅画里的宾客，尽情奚落他们，讽刺上流阶层浮华的生活方式。
荷加斯：《演员加里克饰演里查三世》（1745） 创作媒材：画布、油彩 190.5＊250公分 收藏地点：利物浦 华克艺术中心—— 在荷加斯的年代，只有创作歷史画，才能在艺术圈博得一席之地。然而这位画家不好此道，反而乐於将画笔伸向社会的各个角落，一天到晚出入旅店、咖啡馆、宫廷、甚至疯人院，画下形形色色的人物。不过偶尔他也会突发奇想，例如，要是用自己的写实风格来表现正统歷史画的题材，会变成什麼样子呢？这个令人好奇的念头，催生了这幅有别於其他作品的画作。
画中，国王理查三世刚从噁梦中惊醒，警觉地握住放在床边的剑。他双眼瞪大，五指张开，身子不自觉地往后缩，脸上写满惊恐和不安；地上的花盆则在慌乱中被他踢倒了，微妙的心理变化被画家描绘得淋漓尽致。然而，这位主角不只是歷史上有名的国王而已，他还是现实中高明的演员加里克，正在舞台上饰演莎士比亚名剧“里查三世”的男主角，所以荷加斯既完成了一幅充满戏剧张力的歷史画，也记载了当时生活和艺术表演活动的一个片段。
加里克和荷加斯私交甚篤，荷加斯曾为他留下不少画像，其中有一幅是《加里克和他的妻子》，据说创作这幅画时，两人发生了一些口角，气得荷加斯用画笔涂掉了画中加里克的眼睛。当然，言归於好之后，他又补了上去。
达芬奇 《蒙娜丽莎》 木板、油画 77×53公分 收藏地点：巴黎 卢浮宫——《蒙娜丽莎》最初只是一件普通的订单，是佛罗伦萨商人弗兰西斯科.吉奥孔达为他的第二个妻子，当时只有24岁的蒙娜丽莎订制的。达芬奇花了几年心血作画，自己却成为第一个为这幅画的魅力所倾倒的人，所以他决定将画保存在自己身边。
这幅画作技巧娴熟卓越。女主角的优美姿态、细致肌肤，及后方迷蒙脱俗的风景，处处显示出达芬奇的艺术造诣已臻完美。光线使脸部富有质感，渐次融合的色彩，正是达芬奇出色的晕涂法特色，他自己形容为“如同烟雾般，无需线条或界线”。
人们不清楚达芬奇为何未将完成的《蒙娜丽莎》交给女主角及她丈夫，只知道1516年，他离开意大利迁居法国时，将这幅画一起带了过去。达芬奇死后，画像由法国王室买下，此后便一直归法国王室所有，直到拿破仑把它移到卢浮宫珍藏为止。
达芬奇《圣母、圣婴和圣安娜》 （1510） 朩板、油画 168×112公分 收藏地点：巴黎 卢浮宫——芬奇有一些独特的绘画理论，比如对于人物的绘制方式，他认为：“女子，应描绘其谦顺……她们头部低垂，侧向一边……，小孩，应描绘他们坐在那里，扭来扭去……。”
《圣母、圣婴和圣安娜》这幅画似乎刚好可以诠释这种理论。在这幅画金字塔式的构图里，圣母玛丽亚坐在母亲圣安妮的膝上，她们的面容都有谦顺的神情，圣母弯腰抱起的婴儿耶稣，也有孩子好动、坐不住而扭来扭去的感觉。三人由上到下的目光交接，呈现出一种盘旋而下的动感。
文艺复兴时期，艺术品多带有象征意味，这幅画也不例外。耶稣戏耍的羔羊，向来被视为耶稣受难的象征。玛丽亚在画中轻扯爱子的动作，则是她明知没有希望，却还是忍不住想要帮助爱子摆脱悲惨命运的呈现。主题虽然隐含悲痛，人物的慈善表情仍让整幅画散发出安详而平静的氛围。
格吕内瓦尔德 《钉刑图》 （1523－1525） 画板、油画 193×151公分 收藏地点：喀斯鲁 国立艺术厅——《钉刑图》这个题材，一直是格吕内瓦尔德所喜欢的绘画主题之一。
二十年前他也曾画过一幅《钉刑图》，当时画面是一群望着被钉在十字架上的基督圣体而感伤哭泣的人。后来随着个人经验的增长、成熟和认知上的变化，画法也有所改变，他把画面人物减少到只剩下耶稣、圣母与圣约翰三人。
如果把这幅画与以前的《钉刑图》作比较，最大的差异就是基督的比例变大、分量更重了。基督遍体鳞伤，头部被荆棘覆盖着，表情因疼痛而扭曲；他绝望地张开双手，蜷曲着鲜血滴流的双脚，十字架的横木，被他身体的重量压得有点弯曲。
在如此简单的构图中，人物的脸部表情就显得特别重要。圣母不敢注视自己儿子的遗体，她低着头，在痛苦绝望中紧闭着唇；在杂乱的荆棘中，可以略微憋见基督那痛苦万分的表情；右侧的圣约翰，则大惊失色地凝视着耶稣，仿佛陷入一场恶梦之中。
这是格吕内瓦尔德最后一幅描绘耶稣被钉上十字架的悲剧性作品，他企图以简单的构图和对比的色彩，加强画面上的悲剧性感染力。
丢勒 《亚当》（1507） 油彩、木板 209×81公分 马德里 普拉多美术馆 ——丢勒曾经走访意大利研究透视法和人体比例学，学成之后创作了《亚当》与《夏娃》这两幅画，这也是德国绘画史上，第一次用和自然人体大小相同比例所绘制的Luo体画。
在创作这幅画时，丢勒对美的看法和以往有些不同，所以画中亚当的身体是纤细、苗条的，轮廓线条相当柔和，画面上没有太过着墨于勾勒那些人体的生理细节，这跟以往他重视写实的画风在着明显差别。
画中的亚当是以一种稍微倾斜的方式来构图，他的身体重心落在左腿上，右脚轻轻地抬起，右手微微向后摆，以平衡身体的重心。波浪式的卷发，恬静的神情，看似要说话的半开半闭的嘴等，一切一切让亚当如一位优雅的舞者。
